Форум » Театр Вахтангова » 11(сент.2017-март2018) Театр. Сегодня и вчера. (продолжение-10) » Ответить
11(сент.2017-март2018) Театр. Сегодня и вчера. (продолжение-10)
респект: http://www.vakhtangov.ru/
респект: https://www.facebook.com/Ekaterina.Simonova.13/media_set?set=a.201513753251808.52364.100001795547366&type=3 Екатерина Симонова, март 2018, Лондон
респект: https://www.facebook.com/torgushnikova/posts/1965274393486930?pnref=story Саша Торгушникова добавила 4 новых фото — вдохновлена. 2 марта в 2:16 · Город Лондон, United Kingdom · Я никогда не видела такого снега в Москве... Спасибо, Лондон! Очень кинематографично❤️❤️
респект: https://vk.com/public43163643 февраль 2018 Гастроли Театра имени Вахтангова в Лондоне прошли с аншлагом ...В Лондоне завершились гастроли Театра имени Вахтангова. Публика аплодировала русским артистам несколько дней. Режиссер Римас Туминас привез в британскую столицу спектакль «Улыбнись нам, Господи», который считается одной из лучших его постановок, и с аншлагом показал на сцене крупнейшего в Европе культурного центра «Барбикан». видео
респект: http://www.teatral-online.ru/news/21132/ Английская традиция После успешных гастролей Театр Вахтангова вернется в Лондон в 2020 году Гастроли/ 5 Марта 2018 02:34/ Виктор Борзенко, Лондон Вечером 3 марта, спектаклем Римаса Туминаса «Улыбнись нам, Господи» завершились гастроли Театра им. Вахтангова в Лондоне. Ведущие издания британской столицы оценили постановку по романам Григория Кановича в 4 балла (по пятибальной системе). На протяжении нескольких вечеров гастроли сопровождались аншлагами, а продюсеры уже планируют следующий визит. В следующий раз вахтанговцы приедут в Лондон в 2020 году и, скорее всего, с двумя спектаклями (один из них – «Царь Эдип»). – Репертуар у нас большой, нам есть что показать. Главное, чтобы технические параметры наших сцен совпадали, – сказал Римас Туминас директору международного культурного центра «Барбибкан», где с 28 февраля по 3 марта проходили гастроли. «Маскарад», например, нечасто выезжает за рубеж, поскольку далеко не в каждом театре можно сделать на авансцене прорубь. Значительно чаще гастролируют «Дядя Ваня», «Евгений Онегин» и «Улыбнись нам, Господи». Собственно, с лондонских гастролей «Дяди Вани» в 2012 году и началось столь успешное шествие Театра им. Вахтангова по странам и континентам. Тогда, по инициативе продюсера Оксаны Немчук, постановку Римаса Туминаса привезли в Лондон в качестве пробного шага. На спектакле побывало много гостей, но решающим оказалось мнение председателя совета британских критиков Майкла Биллингтона, который написал в Guardian восторженную рецензию, поставив «Дяде Ване» 5 звезд. Короткое время спустя театр получил приглашение в Нью-Йорк и Шанхай. Сейчас гастрольный график вахтанговцев расписывается на несколько лет вперед и, по свидетельству директора театра Кирилла Крока, коллектив вышел на тот финансовый уровень, когда может самостоятельно финансировать свои зарубежные гастроли. На вопрос «Театрала», какова главная цель столь частых поездок, Кирилл Игоревич ответил: - Мы вкладываем средства в зарубежные проекты для того, чтобы продвигать бренд Театра им. Вахтангова. Сегодня нас знают уже во многих концах земного шара, театр вышел на международный уровень, что помимо престижа дает ему и серьезное профессиональное испытание, позволяет ощутить конкурентоспособность. Кстати, так совпало, что в 2012 году во время гастролей «Дяди Вани» в Лондоне британский Театр водевиль представил и свой вариант постановки по пьесе Чехова. Причем местная премьера сопровождалась конфузом: на одном из показов присутствовал легендарный режиссер Питер Холл, который встал посреди действия и сказал, что если бы хотел посмотреть мыльную оперу, то не шел бы в театр, а остался дома у телевизора (после этих слов он вышел из зала). Рассказывают, что три года спустя (2015), когда вахтанговцы играли в Лондоне «Евгения Онегина», исполнитель Войницкого в британском «Дяде Ване», надев темные очки, чтобы ему не досаждали поклонники, пришел на спектакль Туминаса – посмотреть на Сергея Маковецкого. Но, главное, конечно, не конкуренция, не чувство реванша, а то, что спектакли Римаса Туминаса вызывают живой отклик публики и в России, и в Англии, и в Китае, и в США, и в Италии, и в Латинской Америке… Режиссер любит говорить о том, что у человеческих чувств нет точного адреса – любовь, предательство, тревога, надежда вызывают единодушный отклик зрителей разных стран. И потому, когда в 2015 году в Великобритании показали «Евгения Онегина», газета Guardian снова поставила его на первое место в рейтинг событий театра: спектакль превзошел даже премьеру режиссера Рэйфа Файнса, который выпускал в ту пору в Национальном театре Men and Superman. И позже Файнс, который, кстати, видел «Онегина» чуть раньше во время собственного визита в Москву, говорил Римасу Туминасу, что это действительно достойная победа. На сей раз вахтанговцев встречали уже как старых знакомых. Все билеты разошлись в короткий срок и, по свидетельству продюсера Оксаны Немчук, количество англичан среди публики заметно выросло на фоне предшествующих лет. Теперь их число превышает 50%. Однако дело, наверное, не только в национальном составе зрительного зала, а в том, что спектакль по произведениям Григория Кановича получил международный отклик. Некоторые издания написали, что это постановка «на еврейскую тему». При таком раскладе «Евгений Онегин» можно было бы назвать постановкой на русскую тему, а «Царя Эдипа» – на греческую. Едут жители богом гонимого местечка в Вильнюс каждый со своими бедами, чаяниями и накопившимися обидами в надежде, что хотя бы там, в большом городе, Господь улыбнется им в конце тяжелого пути. Римас Туминас не раз повторял на репетициях, что играть надо не для зрителей, не для режиссера и даже не друг для друга. Играть надо для неба (или для Бога – каждый пусть решит самостоятельно). Оттого, видимо, и вызывает щемящую боль в сердце мысль о всепрощении и неизбежном финале жизненного пути. Артисты говорят, что в какой бы стране ни играли этот спектакль, реакция зрительного зала всегда одинакова. Но все же, думается, что у лондонской публики есть одна примечательная черта. Ни разу за время гастролей на спектаклях не зазвонили телефоны: строгость и вежливость старой Англии, несомненно, накладывает свой отпечаток. Даже здесь в «Барбикане», государственном центре, где ежевечерне идут спектакли, концерты и кинофильмы, представляющие культуру разных стран, любое мероприятие начинают вовремя – минута в минуту. Опоздать опасно. В российских театрах на билетах тоже написано, что вход после третьего звонка запрещен, - но все равно пропускают, усаживают, даже если для этого приходится поднять половину ряда. В Лондоне (во всяком случае, в «Барбикане») такой номер не пройдет. Здесь в буквальном смысле в 19.00 запирают дверь на замок – вплоть до антракта. Возможно поэтому опоздавших и не наблюдалось. Объявлений с просьбой отключить телефоны нет и в помине. Ровно в 19 часов в зрительном зале гаснет свет и начинается путешествие в мир, созданный вахтанговцами и Кановичем. Чем запомнятся вам гастроли? Виктор Сухоруков: – Главное, что меня удивило: я не чувствую, будто я в Лондоне. Мне кажется, я дома, в Москве. Играю перед своей публикой. Тем более выдалась ненастная погода (пронизывающий ветер и снег, что для Лондона редкость), как будто бы Всевышний говорит: «Нечего тебе здесь делать, Сухоруков. Домой, домой!» Эта слякоть, эта студеность, это какая-то мрачкотня. Праздника у меня не было, но был великий труд. Какая-то ответственность и внутренний страх: удержусь – не удержусь. Мне надо было так сэкономить свои силы, так организовать, чтобы хватило на все четыре дня. Не для игры (сыграть-то можно и ползком), а для изящества, для восторга публики. И с этим, думаю, я справился. Потом, конечно, я эту историю люблю. Для меня этот спектакль и Римас сам – это награда, орден, наверное, за что-то потерянное, за упущенное, за пропитое. Может быть и за ненайденное. Но вот оно возмещается ролью Авнера Розенталя. Тяжело? Очень. Нагрузочно? Безусловно. Но это добавляет какого-то страха. Мало того, что ролища огромная – она колоритна. Она в движении. Да еще и стоишь на этой горе с мебелью, и думаешь, как бы оттуда не свалиться. И самое главное – поймут ли тебя. Очень хочется, чтобы поняли, ведь у этой постановки даже сюжета особого нет. Ну, сели три мужика в телегу и поехали. И куда поехали? И куда их судьба вырулит? Пусть решает зритель… Лично я люблю ездить. Актер должен ездить – независимо от обстоятельств: на север во льды или в пустыню. За окном должна меняться картинка и около иллюминатора должна собираться компания, которая будет вспоминать былое, мечтать о будущем и пропивать настоящее. Вот и всё. И пусть будут интриги, сплетни, оценочные диалоги. Перемывание костей. Пусть будут кости у всех намытые. Для этого нужны поездки. И главное все помнят: мы есть, мы нужны и пусть нас зовут дальше. Юлия Рутберг: – Я была на экскурсии в шекспировском театре «Глобус». Мы зашли в зал, сели, на сцене репетируют дети лет 11-12-ти. По репликам узнаются «Ромео и Джульетта», а также куски из «Макбета». С барабаном стоит режиссер и вдруг я понимаю, что не слежу ни за действием, ни за пространством. У меня одна мысль: я в «Глобусе»! Не помню как, но в ту же минуту очутилась рядом с режиссером, сказала, что я актриса Театра Вахтангова и попросила остановить репетицию. Он посмотрел на меня как на полоумного Журдена из мольеровской пьесы, ничего, думаю, не понял, но репетицию все же прервал. «Что вы хотите?» Я говорю: «Пожалуйста, дайте мне 10 секунд». – «Хорошо, у вас 10 секунд». Я выхожу на сцену «Глобуса». Вдыхаю воздух. Не вижу никого. И понимаю, что вот и в моей жизни наступили мгновения, когда я стою в самом центре прославленного «Глобуса».
респект: https://www.facebook.com/profile.php?id=100004878762403 Кирилл Крок поделился публикацией Антона Прохорова. Антон Прохоров добавил 5 новых фото — здесь: Театральный центр "На Страстном" (Theatre Center "Na Strastnom") 5.3.2018 "Царь Эдип" - "Гвоздь сезона"!
респект: https://www.facebook.com/groups/253448551364291/ https://www.facebook.com/ArtistMediaChannel/posts/2057603577785980 Медиа-проект ARTИСТ добавил(-а) 4 новых фото. 6.3.2018 Всю церемонию "Гвоздя сезона" мы болели за "Эдипа"! И хотя решение организаторов премии оказалось другим - для нас лучший наш ЭДИП. И маленький ГВОЗДЬ для нас - самый большой. И по мнению читателей нашего портала -лучший в этом сезоне спектакль "ЦАРЬ Эдип". И ещё - вы бы видели, как встал в одном порыве весь зал, когда награждали Римаса Туминаса. Браво, Маэстро.
респект: https://www.facebook.com/groups/253448551364291/ http://www.teatral-online.ru/news/21135/ Римас Туминас: «Мы идём вопреки ожиданиям» Персона/ 5 Марта 2018 16:12/ Виктор Борзенко, Лондон | Фото: Александра Торгушникова/ 3 марта в столице Великобритании, в международном культурном центре «Барбикан» завершились четырехдневные гастроли Театра Вахтангова. Коллектив под руководством Римаса Туминаса сыграл на аншлагах спектакль по произведениям Кановича «Улыбнись нам, Господи». В день заключительного спектакля режиссер ответил на вопросы «Театрала». – Римас Владимирович, в Лондоне вы уже частый гость. Каковы впечатления от нынешней поездки? – Конечно, все натерпелись с погодой. Говорят, снегопад с промозглым ветром – огромная редкость для Великобритании. Лондон нас отвергал, но спектакль приняли. Мне нравится Лондон тем, что он как жил на протяжении многих веков, так и живет в ожидании легкого жанра – более развлекательного, внятного, понятного. Когда мы впервые ехали с «Дядей Ваней», я был в тревоге: примут – не примут? И чувствовал, что мы идем вопреки ожиданиям. Не умышленно, но все же своей пронзительной темой пробираемся к зрителю – проникаем вглубь зала, туда, в середину, и взрываем его. Я понял, что мне нравится убеждать и, наверное, даже побеждать их в ошибках. У меня азарт появился: не ждите привычной легкости, но посмотрите, что есть и другая возможность развлекать умы. Ум, воображение… Приглашаем к сотворчеству. И такая легкая интрига, «поединок» мне нравится. А если подумать о дальнейших планах, то, скорее всего, через пару лет привезем «Царя Эдипа». И утвердимся в Лондоне как театр, который можно назвать решительным, смелым, не поддающимся модам и однодневкам. Будем отстаивать свою упертость и преимущество в этом плане – в плане оставаться самими собою, не поддаваться. Наверное, «Улыбнись нам, Господи» весьма характерный пример. «Онегин» и «Дядя Ваня» для восприятия, конечно же, легче. Может быть, «Улыбнись нам, Господи» кажется несколько перегруженным событиями... Мягче надо... Но принимают спектакль, как в Москве. Я бы не делал «облегченной» версии для гастролей: поиска компромисса тут быть не может. – Для Театра Вахтангова это уже далеко не первые зарубежные гастроли. Вы, как режиссер, привыкший к успеху, обращаете внимание на реакции зала, на то, как вас принимают или в какой-то момент это становится уже не столь важным? – Меня всё интересует. И даже пресса, хотя читаю мало – просто просматриваю. Не вникаю. Написали – хорошо. Как Бальзак посылал рассказы с Украины в журналы. Ему говорили: «Зачем?» – «А чтобы знали, что я жив, работаю. Я посылаю сигналы». Так и здесь. Посылаю сигналы миру. Сегодня я смотрел выставку Модильяни и думал: манера, стилистика одна и та же, а все равно смотришь и смотришь. Так и в наших спектаклях. От себя никуда не убежишь. – А хочется? – Порой хочешь поменяться кардинально: дескать, вот вам! Всколыхнуть, ответить на безумие безумием, на абсурд абсурдом, на зло – злом. Но зло на зло это ведь уже двойное зло. Не умею, видимо. И снова возвращаюсь к тому, что любишь: к поединку с веками, с временами… Хочется объединить начало ХХ века с сегодняшним днем, посмотреть – оттуда «вся информация». Вот это заставляет меня быть азартным. Раскрыть время, разворошить вековые пласты, которые крутятся в нашей культуре. – В какой-то мере это напоминает бег по эскалатору вверх, который движется вниз... – Да, потому что современного ничего нет. Только секунда и… «уже было». – Не позавидуешь. – Да, если без шуток, это страшно. Выбор материала самое непростое. – Для новой постановки по-прежнему что-то ищете? Мучаетесь? – Есть что-то. Но начинаю работать – откладываю. И опять сомневаюсь. Проверяю себя. Пока что не могу назвать, что буду ставить. – Недавно состоялась премьера «Пиковой дамы». Все-таки премьера в Большом театре – событие для любой биографии исключительное. Каковы впечатления? – В первый раз я поверил в мистику. Я не суеверный, но что-то повеяло суеверием. И Пушкин, и вся эта легенда… Что-то не позволяло мне три карты раскрывать. Тяжело было. Тем более что за последние годы я уже третий режиссер, который ставит в Большом это произведение. До меня были Лев Додин и Валерий Фокин. Такие мастера! Я думал, что не сумею, наверное… – А выбор материала от кого зависел? Ваша идея? – Совместно. Мне предложили. Я обдумал и решился. Русская история, излюбленный сюжет. И мне кажется, что-то получилось. Удалось выработать стиль. За стилем вкус. Сдержанность. В сдержанности – содержательность. Вот это, главное, прозвучало. – У вас есть ответ на вопрос, почему большие режиссеры со временем приходят в музыкальный театр? Хрестоматийный пример, конечно, Станиславский… – Под старость уже надоели эти актеры. Слушать невозможно! Допроситься невозможно! На репетициях всё идет не так, как задумал. А тут – мир музыки, вокал. Дирижер главный, музыка, ассистент и потом уже только ты. Я был бы очень хорошим ассистентом, мечтал бы помогать режиссеру в раскрытии его замыслов. Приятно служить и подчиняться, если это во благо искусства.
респект: https://tvkultura.ru/article/show/article_id/231065 Новости культуры, 06.03.2018 | 09:50 Союз театральных деятелей России вручил ежегодную премию "Гвоздь сезона" Церемония прошла в Центре "На Страстном". Впервые её режиссером стал художественный руководитель студии "Саунд-драма" Владимир Панков, который пригласил для участия Большой детский хор ВГТРК. "Для нас это был интересный ход - сделать так, чтобы церемонию провели дети", - отметил режиссер церемонии Владимир Панков. По традиции пять спектаклей-финалистов премии известны заранее. "Маленькие хрустальные гвозди" получили - "Манон Леско" Адольфа Щапиро, "Ревизор. Версия "Роберта Стуруа", "Царь Эдип" Римаса Туминаса, "Анна Каренина" Алины Чевик. До конца церемонии сохранялась интрига - кому достанется "Большой Хрустальный гвоздь". Лауреатом главной премии стал спектакль театра "Геликон-опера" - "Турандот" в постановке режиссера Дмитрия Бертмана. видео
респект: http://screenstage.ru/?p=8204 Традиционный размах by Майя ОДИНА • Мар 2, 2018 Здесь все новое, но уже с легендами. Здесь за свежим послеремонтным лоском показываются старинные портреты. Моднейшие лампы Эдисона высвечивают реликвии: мундштук Евгения Богратионовича Вахтангова, запонки, костюмы, коллекции галстуков-бабочек Симонова-первого (Рубена Николаевича) и Симонова-второго (Евгения Рубеновича), детские снимки Симонова-третьего (Рубена Евгеньевича). Название тоже новое – Симоновская сцена. Былое невпечатляющее здание с невпечатляющей труппой решительно и бесповоротно ушло в большую вахтанговскую историю. Звенит чайковско-онегинско-туминасовской трелью звонок. Теперь здесь все будет только впечатляющим. Самая первая премьера – “Вечер шутов” демонстрирует почтение к театральным традициям. В спектакле, сделанном в стиле циркового парада-алле, главную роль исполняет Рубен Симонов-внук, а поставила его Екатерина Симонова – дочка, внучка и правнучка, четвертая и самая юная в режиссерской династии, в честь которой названа новая сцена. Сюжет для своего дебюта Екатерина Симонова выбрала театрально-закулисный – повествование о не слишком удачливой бродячей цирковой труппе. По настроению он очень перекликается с тем периодом существования симоновского театра, когда дела в нем тоже шли неважно. Тут и лохмотья, сшитые пестро, и бледные лица Арлекинов, и правящие ремесло актеры. Жанр – “балаган в двух действиях” – выдержан вполне. При этом художественное значение постановки явно уступает утилитарно-репертуарному. Последнее, правда, не противоречит одному из важных принципов работы художественного руководителя театра. Римас Туминас формирует репертуар не в последнюю очередь под углом занятости труппы. “Вечер шутов” в этом отношении на высоте. А попытка молодого режиссера сделать так, чтобы у каждого из столь дорогих ей артистов, независимо от возраста и положения, был свой эффектный выход, вызывает уважение. Следующий спектакль – “Любовь у трона” радует актерскими работами Ольги Тумайкиной и Андрея Ильина. Кстати, “Любовь у трона” тоже можно назвать первой премьерой симоновской сцены. И здесь нет противоречия: хитрость тут пространственная – в названии театра задекларирована одна сцена, а на самом деле их две. Первая раскинулась полукругом вширь – амфитеатром, вторая в длину – кинотеатром. На последней и разыгрывается при свете люстр с канделябрами (художник Максим Обрезков) околоисторическая фантазия журналиста Андрея Максимова про Петра Третьего и Екатерину Вторую. А вот “Очарованный странник” по повести Николая Лескова по-настоящему впечатляет: решительно всем, и в первую очередь отточенной, репризной режиссурой Натальи Ковалевой. В каждом эпизоде исповедального рассказа странника Ивана Флягина о своей разудало-беспутной и трагической жизни чувствуется сразу и лесковское, и достоевское, и чеховское. Простота, надрыв и ирония, легкая и горькая, до слез русская. Тут и пьяный загул, и извечная драма любви с жестокими романсами (и имя у той любви – Грушенька), тонко сыгранная и спетая Ольгой Боровской, и остроумные натуралистичные фокусы. Идеально выбран исполнитель главной роли – Игорь Карташов. Он служит в этих стенах с 1989 года, но, кажется, никогда не представал актерски столь масштабно. Карташов показывает в своем Флягине, сколько всего намешано в русском человеке – бесовского, возвышенного, злого, гадкого, трепетного. Хороши и прочие персонажи: князь, улан, хан, пьяница-барин, дамочка, горничная, любовница князя Евгенья Семеновна – они самую малость шаржированы, но оттого особенно колоритны. Если “Очарованный странник” – тема сугубо русская, волею режиссера Натальи Ковалевой преображающаяся к финалу из привязанной к XIX веку во вневременную, то “Цвейг. Новеллы” – мировое, европейское. Четыре небольших спектакля, поставленные четырьмя молодыми режиссерами – Гульназ Балпеисовой, Владимиром Бельдияном, Анатолием Шульевым и Хуго Эрикссеном, выстраиваются в историю людских смятений и сомнений, начиная от заката империй до Второй мировой войны. Это жизнь, захваченная разрушением: устоев, душ, принципов, традиций, семей. В таком мире царит лязг, а если случается тишина, то она зловеща. В нем светлые пейзажи закрашиваются черным, а спасительные миражи неизбежно оборачиваются крахом. Картина цвейговского мира представлена учениками Римаса Туминаса и выразительно, и декларативно. Влюбленные в противогазах, вокруг кирпичи, дым, военные марши – сам автор счел такой мир непригодным для жизни, в феврале 1942 года вместе с женой приняв смертельную дозу барбитуратов. У молодых режиссеров месседж тоже без иллюзий, но все же он дает кое-какое подобие надежды – надо пытаться остановиться или попробовать остановить. Если считать каждую цвейговскую новеллу за отдельную постановку, а это вполне полноправные, хоть и короткие, спектакли, то выходит впечатляющая статистика премьер Симоновской сцены. Едва открыв очередное сценическое пространство, театр снабдил его самостоятельным, оригинальным и серьезным репертуаром. В нем имеется даже совершенная по нынешним временам роскошь – абсурдистская пьеса. Впрочем, для вахтанговцев – это вполне традиционный размах. “В ожидании Годо” Сэмюэля Беккета (режиссер Владимир Бельдиян) – спектакль напрягающий, загоняющий зрителя в философские тупики, запутывающий во временах и смыслах, угнетающий мрачностью и бессмыслицей, но при этом очаровывающий исполнителями, которые смело и даже с юмором погружаются в сумрак парадоксов. И снова оставляют надежду. Артур Иванов (Владимир) так торжественно произносит свою главную реплику: “Я жду Годо”, что кажется, высший смысл все-таки когда-нибудь явится. Майя ОДИНА •Сцена из спектакля “Очарованный странник” Фото В.МЯСНИКОВА «Экран и сцена»№ 4 за 2018 год.
респект: http://iskusstvo.pro/2018/03/14/moskva-teatr-imeni-evgeniya-vahtangova-premera-spektaklya-bovari-g-flober.html Москва. Театр имени Евгения Вахтангова. Премьера спектакля «Бовари» (Г. Флобер) 22 марта 2018 года на Симоновской сцене Театра имени Евгения Вахтангова (Зал Амфитеатр) состоится премьера спектакля «БОВАРИ» (Г. Флобер). Гюстав Флобер (1812 — 1880) — французский писатель—реалист, один из крупнейших представителей XIX века. Над романом «Мадам Бовари» Гюстав Флобер работал 6 лет. После публикации романа в журнале «Ревю де Пари» Флобер и редактор журнала были привлечены к судебной ответственности за «оскорбление морали». Реалистический психологизм был признан оскорблением общества. Впоследствии вынесен оправдательный приговор, а роман выпущен отдельным изданием. Гюстав Флобер был известен в России, русская критика восторженно приняла его в переводе И. Тургенева. Его романы пользовались успехом. М. Мусоргский написал оперу по мотивам «Саламбо». Для творчества Гюстава Флобера свойственна тщательная разработка характера с подробностями в деталях. С истории дочери фермера Руо, на которой женится провинциальный врач Шарль Бовари и, вскоре после венчания разочарованной в браке, пустившейся в поиск утешения на стороне, начинается сюжет Эммы Бовари. Но её увлечения Леоном Дюпюи и Родольфом Буланже бесперспективны. Разрыв с ними и семейные неурядицы повергают Эмму в депрессию. Она безотчётно тратит деньги мужа, обрастая долгами. Тайно продаёт приносившее небольшой доход поместье Шарля. Любовники не спасают её от разорения. Отчаявшись, Эмма принимает мышьяк, вскоре после неё скоропостижно уходит в мир иной Шарль. В ходе работы Гюстав Флобер неоднократно переделывал роман, отрицая наличие прототипа героини, заявив однажды: «Госпожа Бовари — это я». Ольга Субботина закончила режиссёрский факультет ГИТИСа (мастерская Л. Хейфеца). С 1997 года работает театральным режиссёром. Участвовала в создании Центра драматургии и режиссуры под руководством А. Казанцева и М. Рощина, где поставила 10 спектаклей, среди них «Заговор чувств» Ю. Олеши, «Ощущение бороды» К. Драгунской, «Половое покрытие» Братьев Пресняковых. Сотрудничала с театрами: Сатиры, Балтийский дом. Ставила спектакли в Финляндии и Франции. Сняла 3 художественных фильма и 7 сериалов на TV. Как режиссёр—ассистент работала с Петером Штайном и Декланом Донелланом. Режиссёр Ольга Субботина: «Когда мы слышим название этого произведения — «Мадам Бовари» — нам представляется нечто заунывно—кружевное, очень дамское, слезливое, и — всё про любовь! Но стоит сегодня перечитать роман Флобера, как вы с удивлением обнаруживаете невероятный, лихой и даже чёрный юмор; великолепную галерею образов в гоголевских тонах; искромётные сцены… В спектакле принимают участие: Анна Дубровская / Наталья Масич, Кирилл Рубцов, Владислав Демченко, Светлана Иозефий, Федор Воронцов, Ольга Гаврилюк, Игорь Карташев, Юрий Красков, Валерий Ушаков, Михаил Васьков, Юрий Поляк. Режиссёр — Ольга Субботина Сценография и костюмы — Максим Обрезков Художник по свету — Андрей Тарасов Музыкальное оформление — Андрей Опарин Режиссёр по пластике — Елена Каралашвили Помощник режиссёра — Марина Марченко
респект: http://www.maskbook.ru/letter.php?id=747 март 2018 Адомас Яцовскис "Царь Эдип", Театр им. Евг. Вахтангова, Москва - Премьера «Царя Эдипа» состоялась на фестивале в Эпидавре. Как влияла обстановка этого древнего театрального пространства на сценографическое решение спектакля? - Впервые мы делали «Царя Эдипа» с Римасом Туминасом еще в 1998 году в Вильнюсе. Декорации новой постановки немного похожи, в ней осталась основная деталь – труба. Мы решили, что так будет хорошо. Но сейчас получился совсем другой спектакль. Я очистил сцену, на ней осталось очень мало вещей. В Эпидавре такая магическая и археологически-архитектурная атмосфера, что желательно вообще ничего не трогать: чем меньше декораций, тем лучше. Но труба подошла этому пространству. Хотя эффект от нее сильнее в театре, в закрытой коробке, потому что там зрителей ничего не отвлекает. - Эта лежащая в центре сцены труба, метафора рока, производит очень сильное впечатление. Как вы пришли к этому образу? - Вот все говорят «метафора рока», а я говорю «труба». Не знаю, как она возникла. Как-то стукнуло в голову. Рецептов ведь нет никаких, как можно было бы что-то создать. Поэтому я не очень люблю браться за новую работу – не знаю, сумею ли я придумать... - С каждым новым спектаклем вы все больше расчищаете пространство… - Я пытаюсь найти режиссера, который согласится вообще в пустом пространстве работать. Но чтобы мне гонорар заплатили (смеется). Пока не нашел. - В интервью вы не раз говорили, что стараетесь почувствовать и создать атмосферу пространства. Какие чувства у вас вызывал текст Софокла? - Вся эта история – настоящий триллер: там и странствия, и тайна, и любовь, и развязка – все так закручено! И хор мне нравится. Он накладывал какое-то особое ощущение. - Чем вы вдохновляетесь, когда беретесь за новый материал? - Наверное, лучшие мысли приходят, когда я долго стою под душем (смеется). У меня когда-то был преподаватель живописи, однажды на выставке висел его натюрморт, и какой-то критик или просто зритель спросил, долго ли он делал эту работу? Он ответил: «Нет, сорок лет и еще два часа». Вот так с годами что-то накапливается, мысли, идеи. Но заготовок, к сожалению, нет. - Когда вы работаете с режиссером, как вы ищете подход к образу будущего спектакля? Говорят, что между вами и Римасом Туминасом настолько тесная связь, что вы понимаете друг друга без слов. - Мы кофе пьем и обмениваемся мыслями. И интонации, выражение лица – это все тоже подсказывает решение. Римаса я слишком хорошо знаю, и он меня знает. Может быть, другому режиссеру я бы что-то совсем другое предлагал, но здесь я чувствую, когда материал его или не его. - Вы присутствуете на репетициях? - В последние десять дней, когда уже декорации поставили, всегда присутствую: в процессе репетиций может возникнуть что-то новое. У Римаса это может происходить до последнего дня. Конечно, речь идет о реквизите, не о декорации. Я не люблю, когда меняется, я не творческий человек. Но если режиссеру необходимо, нужно менять. Это одна из самых неприятных ситуаций в театре, потому что, например, в Москве чтобы что-то найти, надо полдня потратить, пока доедешь и сделаешь. А когда сделали и потом нужно выбрасывать, – я не люблю этого. - Атмосфера города и страны, где вы находитесь, влияет на то, какими будут сценические решения? - Вообще-то нет, не влияет. Не нужно об этом задумываться, нужно делать для себя. Даже о контексте не надо думать, нужно пытаться делать свое дело так, чтобы тебе было хорошо. - То есть если контекст не влияет, то влияет материал, над которым работаете? - В драме сильнее всего влияет режиссер. Он может делать с материалом все, что захочет. Потом влияют финансы и техническая база театра. В драме я работаю с режиссером, а в опере с композитором. В театре из Чехова можно сделать комедию, трагедию или бытовую драму – это все зависит от режиссера. А в опере все зависит от музыки. И я понял для себя: то, что хорошо в драме, плохо в опере – не звучит: музыка сопротивляется, а часто и текст, – а то, что хорошо в опере, плохо в драме. - Это взгляд с режиссерской позиции, а как отличается роль художника в опере от роли художника в драме? - Думаю, что в опере роль художника важнее, чем в драме. Можно сделать спектакль на пустой сцене с тремя табуретками, а в опере должно быть зрелище, которое не надоест за три часа. - Сейчас вы с Римасом Туминасом закончили работу над «Пиковой дамой» в Большом театре. Расскажите о постановке это оперы. - Это одна была из самых трудных работ для меня. Раньше «Пиковая дама» не была в числе моих любимых опер, но, когда я вслушался в нее, она начала мне нравиться. Я долго думал над сценическим решением, у меня их было четыре варианта, потом остановился на одном. Я никогда не делаю бытовые декорации – мне это не интересно, и не смотрится. И в этой опере я хотел дать почувствовать дух Петербурга и его фантасмагорию. - Вернемся к «Царю Эдипу». Считается, что античные постановки накладывают определенные обязательства. Когда люди берутся за этот материал, у них есть какая-то внутренняя обязанность сделать это хорошо. Насколько велик риск? - Ну, во-первых, нужно всегда стараться все делать хорошо. Я не думал об «Эдипе» как об античной вещи, которую нужно обязательно хорошо сделать. Я просто хотел сделать. А в античности, мне кажется, нужна монументальность.
респект: http://www.maskbook.ru/letter.php?id=746 март 2018 Римас Туминас автор: Анна Юсина Царь Эдип", Театр им. Евг. Вахтангова, Москва\ - Впервые вы поставили «Царя Эдипа» почти двадцать лет назад. Насколько велика разница между тем и этим спектаклем? - В этом спектакле присутствует нечто, чего я раньше не понимал. Я слишком увлекался высокой трагедией, чистотой этого жанра. То есть всю античную драматургию воспринимал очень рационально; она рассказывала о былых временах и оставалась мне чужой и далекой. Сейчас уже стал ее ощущать: или она приблизилась, или я – но мы встретились с этой трагедией. В новом спектакле получилось показать ее чистоту, но в нем есть и большее: через трагедию пришло очищение. После финала остается вопрос о том, как жить дальше, поняв грех и пройдя через искупление этого греха. Или способные на поступки герои-одиночки останутся только в великой литературе, или же мы сможем что-то у них перенять и поймем, как стремиться к познанию себя: кто я такой и откуда я. Узнав страшную ошибку, наказать себя – это тот поступок, который поднимает Эдипа на пьедестал героя. Весь смысл трагедии состоит в этом принятии ответственности, которая кажется пустым словом, ведь героя никто не казнит. Но в пьесе Софокла никто и не оправдывается, в отличие от людей нашего времени, когда мы вечно ищем лазейки, чтобы обелить себя: что бы ты не натворил, все равно кто-то виноват – то политический заказ, то какой-то сговор. Вечно хочется ничего не признавать и даже не знать. А самая великая трагедия заключается в том, что человек способен в любой момент искупить вину и наказать себя. И через понимание, затем через наказание никогда не поздно стать героем. Даже если ты был грешен или не так жил, шанс всегда остается. - В наше время возможны такие герои, как Эдип? - Потому они и герои в литературе, что среди нас их нет. Поодиночке, конечно, и сегодня существуют светлые, честные и преданные люди. Они живут в провинции, в маленьких городках и деревнях, поступают честно и испытывают очищение. Но их поступков мы чаще всего не знаем или не видим. Какой-нибудь лесничий переживает свои маленькие трагедии, и в нем еще жива ответственность и совесть. А в царях, императорах, властителях я этого не замечаю. - «Царь Эдип» был поставлен в Эпидавре с актерами-греками и сейчас он играется только в те дни, когда они могут приехать и выйти на сцену. Почему хор непременно должен быть греческим? Что это привносит в ваш спектакль и почему от этого нельзя отказаться? - Мы долго обсуждали и решали, как поступить. Это, конечно, дорого для театра, но другого выхода пока что нет. Понимание западных артистов, в данной ситуации, греков, отличается от нашего. Они безумны в поисках ответа, они хотят помочь Эдипу, обращаются к богам за помощью – и так они наивны, искренни и преданны, что не называют себя иначе, чем творцами спектакля. Греческие артисты – и участники, и создатели театра. В наших же актерах живет понимание «массовки», и никак от этого не избавиться. Для актера участие в массовке будто игра в прятки, то есть он вроде как играет, но при этом остается массовкой и не может испытать безумного творческого порыва. Греческий же хор становится действующим лицом только через свою волю. Потом, они носители колорита и языка. Хотя последний изменился с античных времен, и сейчас уже никто не знает древнегреческого языка или того, зачем был нужен хор. Я думал, что получу ответ на этот вопрос, но значения хора они тоже не знают. А ведь он состоял максимум из 11 человек, потому что это было очень дорого. Участвовать в спектакле считали за честь – но за деньги. В Древней Греции в хор шли очень знатные личности, богатые и имеющие власть, и им должны были, соответственно, много платить. - Расскажите, как вы подходили к выбору артистов для спектакля «Царь Эдип»? Ведь главную роль играет Виктор Добронравов, достаточно молодой актер. - Да, молодой. Но Эдип же сын, он молодой человек. Только молодостью мы можем оправдать эгоизм, самолюбие и тщеславие, которые есть поначалу в Эдипе. Каким он предстает в рассказе Иокасты? – Перед ним ехала повозка, и он не уступил дорогу. Такое начало. После Эдип отчасти понимает ситуацию как художник, который исписался. И от этого ему неспокойно: много лет назад он разгадал загадку Сфинкса, освободил город, и до сих пор живет этой победой. А предпринять что-то другое не может, потому что страна стала безбожной. Он сам отрицал существование богов. Он знал, что они есть, но для него их не существовало. Жизнь привела бы его к роли императора-диктатора – такой путь был неизбежен. Но желание познать и найти причину беды города и всей страны заставило его многое понять. Были разные предложения на главную роль, но, в первую очередь, возникла мысль о Добронравове, который готов физически и психологически, талантлив и интересен как актер. Потом уже собралось окружение. И сегодня все могут быть заменимы, кроме Добронравова и хора. - Даже Людмила Максакова? - Максакова – наша мать, наша женщина, наш талисман. Без нее никуда. Сейчас она уже присматривается, как напасть на меня: что я делаю, что буду делать. Она молодец. Она не ставит задачу бороться за роли для себя, она просто творческий человек, который хочет находить в себе силы и верить в себя, чтобы жить и творить. И она делает это так откровенно, не таясь, не изыскивая выгоды. Ей всегда не хватает творчества, она вечно голодная сценой. Такие артисты, как Максакова, сами себя лечат театром. Не зрителей, а себя – эгоисты (смеется). - Ваш спектакль игрался в Греции и в России, не раз был на гастролях. Скажите, различается ли восприятие публики в разных странах? Где зритель оказывается отзывчивее? - В Эпидавр съезжались зрители со всей Европы и даже со всего мира, это был большой туристический праздник. Этот город ведь еще до нашей эры потерпел катастрофу, а его театр остался. Он чудесный, в нем существует пять кругов, и раньше со всей Греции туда свозили физически и психически больных людей, чтобы лечить их театром. Там собиралось до четырнадцати тысяч человек – это представить себе не возможно. Что-то там было и осталось святое. И мы почувствовали, что нас Эпидавр принял. Мягко, но принял в свои объятья, потому что мы пришли с благими намерениями и были готовы: чисты, верны, честны. Я боялся, что после мы никогда не сыграем «Царя Эдипа» в закрытом пространстве на классической сцене. Но когда его перенесли в Москву, он тоже прижился и вошел в репертуар. Меня радостно удивило, что наш зритель восприимчив, понятлив и откликается очень живо. Реакцию в Эпидавре я не очень понимал, пока не услышал овации в финале. А в России восприятие ощущается более явно. Всех всегда покоряет финал: это очень трагическая картина, когда труба рока накатывается на нас. Мы ведь живем в очень неспокойном мире. Мне хотелось поначалу цепями заковать эту трубу, чтобы она не выдержала, сама их порвала и бросилась на людей: на хор, на персонажей, на всех участников – но от этого решения в итоге отказался, сам не знаю почему. Финал для меня светлый, он о большой надежде. Для того, наверное, герои и погибают, чтобы собой продвинуть жизнь, передать нам ее, как бы говоря: «Живите. Только не поступайте, как я поступал». Или: «Будьте бдительны, любите себя и жизнь, и поступки станут ваши красивыми, великими, достойными человека». - Раньше публику воспитывали и лечили театром. А сейчас есть ли у вас как у режиссера задача воспитать зрителя, научить его чему-либо? - Нет, такой задачи нет. Есть другая, очень важная: пробудить его воображение и донести до него, что он человек и творец. Что он красив, силен и может все. Если постоянно ему транслировать такой посыл, то он на две-три секунды поверит, что смерти нет. А тут уже рядом и Вечность. Нужно хотя бы на несколько секунд почувствовать, что ты часть Вселенной, а смерти просто нет: мы бессмертны и нужны тут. И есть Вечность, которая нас спасет. Она существует; ее нельзя завоевать, нельзя одолжить или купить, но она возникает через искусство. Это не учение, а напоминание, чтобы человек не отказывался от себя и своих желаний. Вот он списал себя и считает себя недостойным, лишним, ненужным, ведь он не знатен, не виден, никто его не замечает, может быть, даже кто-то не любит. А театр должен всех любить и пробуждать эту любовь через вечность, через бессмертие. Для этого писались самые великие трагедии и в этом единственная миссия театра и всего искусства. - Недавно в Большом театре вы поставили «Пиковую даму». Расскажите, сильно ли отличаются задачи режиссера в опере и в драме? - Я всегда был первый, руководил театром, а в опере я второй или третий. Это так сладко – подчиняться кому-нибудь! Так приятно услужить, быть помощником и верным композитору, дирижеру. Моя задача там только выстроить композицию и помочь исполнителям проявить сдержанность, потому что если они будут играть переживания, как актеры, они не споют. Надо математически разложить, где они отдыхают, где поют и играют, а где освобождаются. Чтобы солист мог свободно владеть вокалом, ему нужно дать пространство для музыки. Для этого необходима сдержанность и чувство стиля. Стиль – это самое главное в опере, мне кажется. А современность проявляется за счет мышления. У нас не возникло галлюцинации, что мы в XIX веке, и в постановке нет колонн, пышности, люстр и свечей – за это меня упрекают. Но моя главная задача не в том, чтобы было красиво. Необходимо все сделать стильно – и у нас все чуть-чуть нерусское. Петербург ведь нерусский город, и сам Герман нерусский, он все равно остается чужаком. В литературных произведениях, где есть мистика или символика, все герои – Германы. Такой образ будет жить вечно. Это как у Шекспира, «Ад пуст, все бесы здесь» – они между нами живут, ходят, только мы их не различаем, потому и смута в головах, и войны, и напряжение в мире. Мир с ума сходит, потому что из ада пришли и между нами живут существа в виде человека. Так бывает, что человек излучает негатив, – наверное, он из ада. Тогда надо перекреститься мысленно, на всякий случай, чтобы закрыться от него и быть в безопасности. - Как вы подходите к выбору материала для будущих постановок? - Выбираю очень тяжело и долго. Все-таки работа над спектаклем занимает какой-то период жизни. Хожу, конечно, в поле классики. Нет смысла тратить себя на однодневные произведения, даже если они сегодня актуальны. Для хорошего спектакля должна быть хорошая литература с судьбами, историями, эпохой. А в хорошей, великой литературе всегда находятся темы сегодняшнего дня: любви, прощания, неудачной или несостоявшейся жизни, ухода, отъезда... Но, как Чехов говорит, «обязательно должна быть любовь». И писать, и ставить нужно о важном и вечном.
респект: https://kolyadanik.livejournal.com/3625738.html 3 года назад Ваши воспоминания Коляда Николай, 19 марта 2015 г. Вчера позвонил Сергей Маковецкий и позвал на спектакль "Дядя Ваня" - театр Вахтангова приехал к нам на гастроли. Мы пошли с Тамарой Зиминой, я потащил книги и пьесы мои по просьбе Сергея. Я просто обалдел. Я давно такого счастья в театре не испытывал. Да простят меня москвичи, но все последние лет десять моих походов по московским театрам приводили к унынию и ненависти к театру как таковому. И тут вдруг такой бриллиант. Актеры работают на всю катушку, а не "чешут". Никогда не думал, что Вдовиченков может что-то кроме милиционеров в сериалах играть. А он артист просто блестящий. Высшего класса. Симонов - блестящий. Маковецкий - чудесный просто. Людмила Васильевна - все, все как один, один другого лучше. Глаз я не мог оторвать от сцены. Всё продумано, всё выстроено Туминасом, да как выстроено. И самое главное: играли не для "пингвинов", как обычно это бывает на таких выездных гастролях, не халтурили, не задыхались от своей значимости, а работали, как настоящие большие артисты. Надо сказать, что огромный зал Дворца молодежи не дышал. Никаких кашлей. Молчали, ловили каждое слово. В антракте я зашел за кулисы, поговорил с Сергеем, с Людмилой Васильевной Максаковой, подарил им книжки, пьесы и наши сувениры. Я их знаю триста лет. Максакова с Маковецким когда-то играли в моей пьесе "Полонез Огинского" у Виктюка. И так приятно было хвалить, потому что слова сами сыпались. Обычно ведь стоишь и маешься: "Да. миленько, славненько, браво, чудесно!". А тут прям хотелось их всех расцеловать и задушить от счастья. Потому что - вот это и есть Москва, вот это и есть высший пилотаж. Молодцы, вахтанговцы. Просто молодцы.
респект: http://www.mk.ru/culture/2018/03/17/artisty-teatra-vakhtangova-poydut-na-vybory-za-granicey.html Артисты театра Вахтангова пойдут на выборы за границей Спектакль "Царь Эдип" покорил Вильнюс 17 марта 2018 Марина Райкина Театр им. Евгения Вахтангова сейчас находится на гастролях в Литве, в Вильнюсе, где показывает свой знаменитый спектакль "Царь Эдип". Показы проходят в Национальном драматическом театре, билеты раскуплены за два месяца до приезда Российской труппы в Вильнюс. Желающих посмотреть на современное прочтение античной трагедии не остановила даже высокая цена на билеты - от 50 до 120 евро. На пресс-конференции режиссёр и худрук Вахтанговского Римас Туминас со свойственной ему прямотой объявил землякам: -Учтите, я в России занимаюсь только театром, а не не сижу и не пью чай с Путиным, как тут считают некоторые. Реплика не случайна : за несколько лет до того, как Туминас возглавил ведущий российский академический театр, он по приглашению Галины Волчек в "Современнике" поставил комедию Грибоедова "Горе от ума", на которую и приезжал Владимир Путин, что в свою очередь не понравилось определенным политическим силам в Литве. На этот раз приезд Туминаса в Литву с новым спектаклем обошёлся без политики. Уже три показа прошли на одних аншлагах, в воскресение вахтанговцы дают последний спектакль. Напомню, что "Царь Эдип" - это копродукция театра Вахтангова и национального Греческого театра создана в 2015-м году и рассматривалась прежде всего как художественный проект в рамках перекрестного года культур России и Греции. Солисты - российские, хор - греческий, и на момент создания спектакля никто не предполагал, что он прочно войдет в репертуар и будет востребована и в Москве, и на гастролях - как в России, так и за рубежом. Причём, где бы не шёл спектакль, хор в количестве 10 артистов прилетает из Греции. - Для нас это принципиально, - сказал Римас Туминас, - для сохранности художественной целостности произведения. Ну а завтра 37 артистов и работников Вахтанговского театра до спектакля отправятся в российское посольство в Вильнюсе, чтобы проголосовать за будущее России. - В Российском посольстве нам подтвердили, что нас ждут, - сказал директор театра Кирилл Крок.
респект: https://users.livejournal.com/-arlekin-/3770724.html Пишет Слава Шадронов (_arlekin_) 2018-03-20 16:08:00 "Бовари" Г.Флобера в театре им. Вахтангова, реж. Ольга Субботина Сколько-то (а вернее, одиннадцать с половиной) лет назад на прогоне "Глубокого синего моря" в театре им. Вахтангова я в разговоре с В.Я.Вульфом обмолвился, что накануне смотрел "Мадам Бовари" в театре им. Пушкина. "Ааа..." - сказал Виталий Яковлевич, и добавил: "Эээ..." Потом спросил: "И кто же у тебя мадам Бовари играл?" Ну, отвечаю, "у меня" - Александра Урсуляк, а у вас кто? "Как кто?! - удивился Виталий Яковлевич столь несуразному вопросу, считая ответ очевидным, - Алиса Гео'гиевна Коонен!" Понятно, что Коонен я в роли мадам Бовари не застал, хоть и живу давно, но помимо упомянутой Александры Урсуляк в постановке Аллы Сигаловой видел Ольгу Литвинову в бездарной табакерочной "Эмме" Александра Марина, а в петербургской версии Андрiя Жолдака - целых двух Эмм-двойников, Елену Калинину и Полину Толстун; теперь посмотрел еще сразу двух - но в отличие от Жолдака здесь это не часть замысла, просто по случаю пресс-показа работали оба состава, Анна Дубровская в первом акте и Наталья Масич во втором. Особенность инсценировки Ольги Субботиной, ее отличие от упомянутых прежних - в контекстах и подтекстах. Как ни странно, роковая страсть и тяжелая женская доля - не единственное и, может быть, даже не главное, что Субботину интересует в романе. Зато она помещает романный сюжет в "рамку" судебного заседания, где Флобера и его лучшее сочинение обвиняют в оскорблении морали, в глумлении над святынями - набор сегодня слишком хорошо понятный и узнаваемый (кстати, Флобер был оправдан, не в пример Бодлеру, которого судили по сходным пунктам вслед), это одна сторона истории. Другая - символические детали, раскрывающие не только социально-политическую подоплеку фабулы (отчасти актуальную, но во многом все же устаревшую, замешанную на далеких реалиях Франции середины позапрошлого века), а прежде всего религиозную, библейскую, евангельскую. Флобер обходится без прямых отсылов, без эпиграфов вроде "мне отмщение, и аз воздам", который Толстой предпошлет своей "Анне Карениной", несомненно, во многом усвоив "уроки" мастера-француза, но достаточно и косвенных, не всегда, не сразу заметных, которые в постановке Субботиной порой выходят на первый план. Помимо того, что довелось увидеть в одном спектакле сразу двух мадам Бовари, постановка осваивает еще и оба зала Симоновской сцены, причем в дальнейшем играть актрисы будут, естественно, в очередь, а вот зрителям из зала в зал переходить придется каждый раз, и прямо посередине первого действия, по окончании "пролога", весьма пространного, раскрывающего генеалогию и предысторию Эммы Бовари чуть ли не от Адама (что совершенно необязательно при "мелодраматизации" фабулы, но важно, значимо, коль скоро Субботина воспринимает драму Эммы более чем просто женскую). Насколько технически необходим и уместен такой переход, как он работает, много ли дает спектаклю содержательно - можно поспорить, но первый акт за счет него оживляется, тогда как второй смотрится в нынешнем виде более монотонным и малость подзатянутым. Для Анны Дубровской роль Эммы Бовари - первая после Елены Андреевны в "Дяде Ване" Туминаса, то есть более чем за десять лет, премьера в родном театре (не считая Нины в "Окаемовых днях", но там за Владимиром Этушем мало кого замечаешь и запоминаешь): ее Эмма - образ при всей женственности неожиданно жесткий, не лишенный и комических, где-то пародийно-гротесковых обертонов. Героиня в исполнении Натальи Масич - попроще (раз уж есть возможность сравнить составы за один присест), при том что я бы поостерегся от заявлений в духе "две актрисы - два разных спектакля", Масич старательно существует практически в том же рисунке. Шарль Бовари-Владислав Демченко в своей верности, наивности, доходящей почти до тупости, и ангельскому терпению настолько нелеп, что тоже отчасти смешон. Зато Родольф Буланже-Кирилл Рубцов - безупречное воплощение мужского идеала затосковавшей провинциальной барыньки-книгочейки. И между прочим, несмотря на то, что Флобер вроде бы провозглашал: "Эмма Бовари - это я", в спектакле писатель из судебных интермедий в сюжетный романный план входит не Эммой, но именно Родольфом, Кирилл Рубцов (да не в очередь, как две актрисы, а на безальтернативной основе) роли Флобера и Родольфа совмещает. К финалу первого акта Родольф предстает этаким демоном-искусителем, до некоторой степени карикатурным, опереточным - на контрасте с Шарлем-"хранителем", чьи "ангельские" черты которого также слегка гиперболизированы. Вообще утрированные характеры, заостренная, условная пластика - это все сколь свойственно и для давних постановок Субботиной, из которых иные буквально вошли в историю (незабываемое "Половое покрытие в ЦДР уж точно!), столь и органично для вахтанговской стилистики, особенно в ее сегодняшнем понимании и на текущем, туминасовском этапе жизни театра. В составах немало актеров, влившихся в вахтанговскую труппу из бывшего театра им. Р.Симонова, поэтому я не всех одинаково хорошо знаю, но и для Ольги Субботиной вахтанговский дебют - одновременно возвращение на уже знакомое место, в театре им. Р.Симонова она ставила "Варфоломеевскую жесть" Ю.Клавдиева. Каюсь, до спектакля я тогда не дошел, но помню пресс-конференцию, где Субботина рассказывала, в частности, о том, как пыталась расспрашивать театральных гардеробщиц на предмет, знают ли они, кто такие, в частности, Медичи, и из двух девушек за стойкой одна оказалась более образованной, а вторая менее, необразованная не знала, а образованная не просто знала, но и взялась перечислять: медичи, вятичи, кривичи... Но сейчас, за исключением некоторых актеров (Масич и Демченко - тоже из старого, "симоновского" призыва), тут все другое, начиная с вешалки и гардеробщиков. Ну и спектакли тоже совсем другие - положа руку на сердце и выражаясь при этом с крайней дипломатичностью, не все пока одинаково удачные... но "Бовари" наряду с недавним "Цвейгом" - достойное пополнение репертуара.
респект: https://www.molnet.ru/mos/ru/culture/o_506793 «Бовари» в Театре им. Вахтангова Александра Авдеева | 20 марта 2018 г. 22 марта 2018 года на Симоновской сцене Театра имени Евгения Вахтангова состоится премьера спектакля «Бовари» по роману Гюстава Флобера в постановке режиссера Ольги Субботиной. Над романом «Мадам Бовари» Гюстав Флобер работал шесть лет. После публикации романа в журнале «Ревю де Пари» Флобер и редактор журнала были привлечены к судебной ответственности за «оскорбление морали». Реалистический психологизм был признан оскорблением общества. Впоследствии вынесен оправдательный приговор, а роман выпущен отдельным изданием. С истории дочери фермера Руо, на которой женится провинциальный врач Шарль Бовари и, вскоре после венчания разочарованной в браке, пустившейся в поиск утешения на стороне, начинается сюжет Эммы Бовари. Но её увлечения Леоном Дюпюи и Родольфом Буланже бесперспективны. Разрыв с ними и семейные неурядицы повергают Эмму в депрессию. Она безотчётно тратит деньги мужа, обрастая долгами. Тайно продаёт приносившее небольшой доход поместье Шарля. Любовники не спасают её от разорения. Отчаявшись, Эмма принимает мышьяк, вскоре после неё скоропостижно уходит в мир иной Шарль. В ходе работы Гюстав Флобер неоднократно переделывал роман, отрицая наличие прототипа героини, заявив однажды: «Госпожа Бовари — это я». Спектакль создан в уникальном пространстве – зрители смогут побывать сразу в двух залах Симоновской сцены: первое действие спектакля идет в Амфитеатре, второе - в Камерном зале. В роли Бовари - заслуженные артистки России Анна Дубровская и Наталья Масич. По материалам пресс-службы Театра им.Вахтангова.
респект: https://vk.com/public43163643 Академический театр им. Евг.Вахтангова 20 мар 2018 в 13:56 К Международному дню Театра! Презентация новых книг Театра имени Евгения Вахтангова. 27 марта – особая дата для всех тех, кто покорен волшебным миром Мельпомены – Международный день Театра. В этот день в 12:00 в АРТ-КАФЕ Вахтанговского театра мы представим новые книги, посвященные двум личностям, без которых сегодня невозможно представить Театр имени Евгения Вахтангова – удивительной актрисе Юлии Константиновне Борисовой и замечательному композитору Фаустасу Латенасу. Обе книги изданы Театром имени Евгения Вахтангова в начале 2018 года совместно с издательством «Театралис». В. Максимова «Люблю. Юля» (Под общей редакцией Д. Трубочкина), Москва, «Театралис», 2018. Книга известного театроведа и театрального критика Веры Анатольевны Максимовой (1936-2016) посвящена Юлии Борисовой – народной артистке СССР, Герою Социалистического труда, лауреату Государственных премий, кавалеру многих орденов и обладательнице многочисленных наград, кумиру нескольких поколений зрителей в СССР и России. Это – первая книга о легендарной Вахтанговской актрисе, посвященная ее жизни и творчеству. В книге описаны важнейшие события ее жизни, даны портреты знаменитых коллег по театру, охарактеризованы ее выдающиеся роли. Юлия Константиновна никогда не давала и не дает интервью, но для данного издания, она впервые сделала исключение. Д. Шабасявичене, Р. Васинаускайте «Музыка и театр. Композитор Фаустас Латенас», Москва, «Театралис», 2018. Координаторы проекта – Марина Тимашева и Рамуте Рахлявичюте. Книга Рамуте Шабасявичене и Расы Васинаускайте является переводом литовского издания о композиторе Фаустасе Латенасе на русский язык. Здесь, наряду со статьями литовских коллег композитора, в отдельную главу – «Говорят Вахтанговцы» включены новые материалы, написанные Римасом Туминасом, Кириллом Кроком, Дмитрием Трубочкиным и участниками спектаклей, оформленных музыкой Фаустаса Латенаса: Галиной Коноваловой, Людмилой Максаковой, Евгением Князевым, Владимиром Симоновым, Сергеем Маковецким, Алексеем Кузнецовым, Юрием Красковым, Анной Дубровской, Евгенией Крегжде, Екатериной Крамзиной. Приложением к книге является аудиодиск «HARMONIA = THEATRUM», в который вошла авторская музыка Фаустаса Латенаса, звучащая в спектаклях Вахтанговского театра – от «Ревизора» до «Царя Эдипа».
респект: https://vk.com/public43163643 http://www.kurier.lt/rimas-tuminas-ad-uzhe-na-zemle/comment-page-1/ Римас Туминас: «Ад – уже на Земле» 2018 03 21, 13:02 На состоявшейся на прошлой неделе перед спектаклем «Царь Эдип» в Национальном театре драмы пресс-конференции с артистами Московского театра им. Е. Вахтангова литовские журналисты и театральные критики впервые видели и слышали любящего спокойно философствовать о жизни режиссера Римаса Туминаса в такой ярости – он даже размахивал кулаками и кричал. Фото BFL «Жаль, что я только совсем недавно понял, что мир сходит с ума, военная истерия, конфликты возобладали над всем. Мир рвется к войне! И тогда мне делается так хорошо. Не поверите – аж сладко! Каким я становлюсь свободным! Благодаря этой ничтожности и хамству я попадаю совершенно в другой мир. Думаю, что это переживают и другие люди искусства. Не потому, что мы – особенные, величественные, что иронически из поднебесья глядим на мир, а потому, что нас вынудили отмежеваться от ада. Значит, ад – пуст! Все его обитатели – здесь. С самого детства я знал адрес ада. Сейчас уже этот адрес недействителен, потому что все – здесь, вокруг. Почему мы друг друга ненавидим, друг другу завидуем? Потому что все мы – из ада. Потому, что ад – уже на Земле. Чем это все закончится? Что победит – ад или любовь? Сейчас побеждает ад, и уберечься от него мы можем только с помощью искусства. Другого выхода просто нет. Что из того, что мы купим два танка? Разве ради них мы имеем право жертвовать возможностью построить детям какого-нибудь района Литвы музыкальную или художественную школу? Да разве эти танки – не безумие? Конечно же – безумие. Однако оно почему-то – необузданно. Я не верю никаким петициям, никаким заявлениям или требованиям к правительствам. Все это не нужно. Мы должны оставаться над ними и заниматься своими делами, потому что все они – временны! Они все равно уйдут. С ними не надо даже общаться, потому что они – просто враги нашей жизни! Они губят наше будущее, творчество, мечты. А какая страна без мечтаний? Мы не можем оставаться рабами. Мы должны освободиться. Вот это Литва должна понять! То, что сейчас отмечается 100-летие восстановления государственности, еще не означает, что мы – свободные. Мы должны начать настоящую борьбу за свободу. Сейчас! А не радоваться, что 100 лет тому назад наша страна стала независимой и обрела государственность. Каждый день, каждый час мы должны доказывать, что мы независимы». В продолжение своего монолога Римас Туминас словно сам себя спросил: «А кто сегодняшний герой? Их нет. Может, раньше и были, но о них уже все давно забыли». Поэтому, по словам режиссера, миссия его и его артистов – найти, вернуть к жизни героев или жить поисками этих героев, принять их в свое сердце. Может, это – главное оружие против подлости и людского вырождения?
респект: http://www.vakhtangov.ru/news/2938 март 2018 Презентация новых книг, изданных Вахтанговским театром, посвященных Юлии Борисовой и Фаустасу Латенасу. 27 марта в Международный день театра в АРТ-КАФЕ состоялась презентация двух новых книг, изданных Театром имени Евгения Вахтангова в начале 2018 года совместно с издательством «Театралис»: В.А. Максимова «Люблю. Юля» (Под общей редакцией Д. Трубочкина) и Д. Шабасявичене и Р. Васинаускайте «Музыка и театр. Композитор Фаустас Латенас». Трагические события, произошедшие накануне в Кемерово, потрясли всех. Презентация книг началась с минуты молчания, которой Вахтанговцы и гости Театра почтили память ушедших. Римас Туминас: «Так и хочется сказать «Добрый вечер» - в этом уютном театральном пространстве. Сегодня в стране тяжелые дни, но я хочу поздравить вас с Праздником – Международным днем театра – он светел и красив! Он дарит нам веру в добро и в любовь! Дорогая Юлия Константиновна, любовь к Вам сопровождает нас всю жизнь, мы любуемся Вашей красотой и элегантностью! Какое счастье наблюдать, как Вы выходите на сцену! Второй гость нашего вечера – мой старинный друг Фаустас Латенас, с которым я работаю уже много лет. Я рад, что мы вместе, что понимаем друг друга и одинаково чувствуем театр». Ведущий презентации Дмитрий Трубочкин: «Я хочу в непринужденной обстановке обратить ваше внимание на две новые книги, изданные Вахтанговским театром. Одна из них - «Люблю. Юля» В. Максимовой - уютная, небольшого формата, книга, которую можно любовно перелистывать, хранить и возвращаться к ней снова и снова. Вторая - Д. Шабасявичене, Р. Васинаускайте «Музыка и театр. Композитор Фаустас Латенас» – по своему формату и оформлению напоминает компактный диск. Эти две книги могли бы и не быть. Материалы для книги «Люблю, Юля» на протяжении многих лет собирала Вера Анатольевна Максимова. Но она ушла, так и не закончив книги. В этой связи огромное значение имела воля директора Кирилла Крока, который убедил нас в необходимости закончить эту книгу и подставил свое плечо». Кирилл Крок: «За последние восемь лет мы издали почти 16 книг. И каждый раз возникает вопрос, какая следующая? Пока есть возможность и желание, мы будем продолжать свою издательскую программу. Мы и дальше планируем выпускать две книги в год. Я благодарю Дмитрия Трубочкина за то, что он довел этот труд до конца, и, конечно, директора издательства «Театралис» Нину Ашотовну Шибанову». Юлия Борисова: «Вера Анатольевна Максимова одна из великой когорты критиков, к которым я отношу Инну Натановну Соловьеву, Наталью Анатольевну Крымову, Александра Петровича Свободина. Но особенно сблизилась я именно с ней. Как-то она сказала, что хочет попробовать написать обо мне и предложила встретиться у меня дома. Она стала приходить ко мне каждый день, и эти встречи продолжались очень долго. Она не только задавала мне вопросы, она рассказывала мне о разных событиях, о спектаклях, об артистах… Прошло семь лет. Однажды я сказала ей, что прекрасно, конечно, что она пишет обо мне книгу, но, ведь все уже сказано в моем фотоальбоме… «Фотография молчит. Она немая. Когда пишешь статью, ты слышишь шелест платья, звуки спектакля, зримо ощущаешь его», - возразила Вера Анатольевна. Я благодарю судьбу, что она свела меня с ней. Я благодарю сотрудников нашего музея. Я благодарю Дмитрия Трубочкина, который очень бережно отнесся к рукописи и изумительно написал предисловие, в манере Веры Максимовой. Я очень дружила с Галиной Львовной Коноваловой, а теперь могу поблагодарить и ее внучку Александру Осеневу - за замечательное оформление книги. Не мало, по мнению сотрудников театра, сделал для издания этой книги и мой сын Александр – я и его благодарю». Юлия Константиновна представила героя следующей книги – Фаустаса Латенаса: «Фаустас Латенас просто и органично вошел в наш театр. Его музыка отсылает души актеров к зрителю, его музыка выходит на сцену вместе с нами». Фаустас Латенас, в свою очередь, обратился к Юлии Константиновне: «Вы одна из тех людей, которая не любит пустословия. Вас можно видеть, восхищаться и иногда беседовать с вами». Фаустас выступил со словами благодарности авторам книги, но особая его признательность прозвучала в адрес координаторов проекта – Марине Тимашевой и Рамуте Рахлявичюте. Он сравнил их с постановочной частью театра, без которой не может родиться ни один спектакль. Обращаясь к переводчику книги с литовского языка на русский Георгию Ефремову, он процитировал слова Марины Тимашевой: «это редкий, высочайший уровень перевода». Фаустас Латенас признался в любви Людмиле Васильевне Максаковой – автору одной из глав, вошедшей в книгу. «Людмила Васильевна – одна из самых моих любимых актрис, близкий мне человек. Ведь только она всегда искренне может сказать мне о работе – порадоваться, когда что-то хорошо получается и сказать о том, что не удалось». Наталья Лифанова (дочь В.А. Максимовой): «Для мамы была большая трагедия, что она не закончила эту книгу. Сегодня она была бы очень счастлива. Это настоящий памятник моей маме». Евгений Князев, обратился к Юлии Константиновне: «Вы – царица нашего театра. Вы венчаете наш театр. С самого первого мгновения мы ждем от вас того слова, которое дает знать, что тебя признали. Вы всегда обращаетесь к коллегам на Вы, но я никогда не забуду момента, когда вы сказали мне Ты. Ты - это значит, хорошо. «Никогда в жизни ничего не делай в пол силы», - это тоже сказали мне вы, и я это помню всегда. Людмила Максакова: «Вы всегда были недосягаемой, вы таковой и остались. То, что вы говорите, впечатывается как тавро. Потому что все, что вы говорите, настолько исходит от души, что попадает в самое сердце. Однажды вы сказали: «Когда я выхожу на сцену, я чувствую, что она меня поднимает». Эти ваши крылья зовут нас за собой. Спасибо вам!». Людмила Васильевна рассказала и о своем особом отношении к музыке Фаустаса Латенаса: «Музыка Латенаса – это наш партнер. Когда я впервые услышала тему Иокасты, исполняемую на виолончели, я поняла, что могу ничего не играть, а просто быть». Завершая презентацию, Фаустас Латенас подарил участникам встречи свое рондо – в котором пронзительно звучала и скорбь, и любовь, и надежда.
полная версия страницы