Форум » Театр Вахтангова » 12(март2018-сент.2019) Театр. Сегодня и вчера. (продолжение-11) » Ответить
12(март2018-сент.2019) Театр. Сегодня и вчера. (продолжение-11)
респект: http://www.vakhtangov.ru/
респект: http://www.e-vesti.ru/ru/v-spektakle-madam-bovari-teatra-vahtangova-est-sud-i-draka/ 20.03.2018 В спектакле Мадам Бовари театра Вахтангова есть суд и драка Наталия Гопаненко Спектакль Мадам Бовари театра им. Е. Вахтангова, официальная премьера которого состоится 22 марта 2018 года, подробно рассказал зрителям не только печальную судьбу самоубийцы из Нормандии, покинувшей бренный мир в 1840 годах, но и перипетии французского писателя-реалиста Гюстава Флобера, литературный дебют которого спровоцировал упреки в аморальности и жаркие судебные споры в 1857 году. Довольно трудно начинать спектакль с негатива, особенно если ты любишь произведение и хочешь влюбить в него зрителей. Но режиссер спектакля Ольга Субботина смогла превратить суд в часть действия, использовав его как акцент на вполне христианской духовной линии романа. И драка адвокатов за и против Флобера выглядела также вполне повествовательно… Во Франции Мадам Бовари – частый гость французской и бельгийской сцен. Её воплощениями занимаются театр Бастилии (Théâtre de la Bastille), Театр де Л’Иль Сен-Луи Поль Рей (Théâtre de l’Ile Saint-Louis Paul Rey), Театр Ромена Ролана (Théâtre Romain Rolland) и многие другие. Предложенное на сцене театра Вахтангова объединение романа и судебного процесса практикуется в Западной Европе, но в некоторых случаях буквально смешивается с текстом, стирая границы между общественной и частной жизнью. Проблематика сосуществования супружеского долга и романтической страсти вряд ли покажется острой сегодняшнему зрителю, живущему в условиях свободы нравов. Сюжет прост – сельская девушка, начитавшаяся романтических книг, разочарована в браке и изменяет мужу. На кривой дорожке её затягивают пороки и злые люди доводят до самоубийства. К тому же, в зависимости от актёрского состава, зритель найдёт здесь два совершенно разных решения образа героини. Эмму Бовари на сцене театра Вахтангова воплощают две актрисы – Анна Дубровская и Наталья Масич, обе играют превосходно. Режиссер, видимо, предоставила актрисам много свободы – первая в своей игре сделала акцент на чувственность и эротизм, вторая – на эмоциональность и трагизм. Ольга Субботина устроила зрителям настоящее путешествие в XIX век, и постановка вахтанговцев по формату напоминает экскурсионный тур в прошлое, в буржуазный мир старой Франции. Это путешествие достигается эффектной сменой декораций, и даже передвижением зрителей, вслед за героиней переезжающих из одного зала в другой в первом акте. Единственное, чего недостаёт в следовании за хронологией романа – это полноценной смены актёров, которым приходится играть разные роли на протяжении спектакля, что не всегда представляется оправданным с точки зрения воплощения образов. Мать здесь оказывается моложе сына, актёр зрелого возраста играет и школьника, и молодого человека, и зрелого мужа, что порой выглядит странновато. Но мы живём в то время, когда небольшой бюджет может ограничить замыслы создателей. Создание романа потребовало от Гюстава Флобера 4.5 года тяжелого труда, а та кропотливость, с которой писатель-фанатик реалистического стиля подходил к тексту, вызывала улыбки. Поэтому даже самые радикальные постановщики привыкли щадить изящный текст Флобера, хотя и осовременивая до неприличия его сцены. Но надо отдать должное Мадам Бовари в театре Вахтангова – разработка сюжета здесь бережно обошлась не только с текстом, но и с образами героев. Даже суд и драка адвокатов оказались на высоте, не говоря уже о более тонких материях.
респект: http://newtribuna.ru/news/2018/03/21/81025/ 21 марта 2018, 14:23, Любовь ЛЕБЕДИНА Разум умолкает, когда торжествует страсть "Мадам Бовари" Гюстава Флобера на Симоновской сцене Вахтанговского театра повествует о женской страсти вопреки нравственным законам и долге хранительницы семейного очага. Автор фото: Валерий Мясников Ольга Субботина, впервые поставив спектакль в этом театре, не использует авангардные приемы, чем она славилась ранее, и пальму первенства отдает французскому классику Х1Х века, то есть, последовательному повествованию из жизни провинциальной львицы, жаждущей любви, как измученный путник в отсутствии воды. Начитавшись запретных романов в монастыре, юная воспитанница, выйдя замуж за скромного лекаря Шарля Бовари и взяв его фамилию не может смириться с серыми буднями, скукой и однообразием, ведь она рождена для большего… Поэтому ей необходим воздух приключений и интересных знакомств, чего никак не может дать заштатный город примитивных обывателей. Безвольный муж во всем потакающий своей избраннице, (его замечательно играет Владислав Демченко), тоже раздражает, злит и эта ненависть постепенно превращает красивую женщину в угрюмую, всем недовольную особу, готовую срываться по пустякам. При таком раскладе в первой части первого акта режиссерская трактовка лежит на поверхности – лиши любую женщину мечты, закрой ее в четырех стенах, и она не просто завянет, в ней умрут самые лучшие качества, которые смогли бы превратить ее в личность. Весьма спорное утверждение, а как же материнские чувства?.. Но поскольку в 19 веке об эмансипации женщин еще не говорили, то Флобер и режиссер Субботина отдают героине опасную территорию любви. Той любви, которая сводит с ума, делает женщину послушной рабой нахлынувших чувств, забывающей о долге и достоинстве. В русской литературе есть тому пример – "Леди Макбет Мценского уезда" Лескова, где ненависть и страсть рождают преступления. У Флобера нет таких крайностей, все держится на психологическом состоянии главной "преступницы", преступившей черту дозволенного в пуританском обществе и не жалеющей об этом. Эти чувства передаются двумя исполнительницами Анной Дубровской и Натальей Масич в брутальном изложении, как, впрочем, и мысли окружающих их исполнителей. Но описание остается описанием, в нем нет внутреннего действия, поэтому литературный текст превалирует, а сюжетная линия дробится на эпизоды, превращаясь в театральный сериал. Наверное, на телевидении такой стиль приемлем, и он существует, но у театра, и это хорошо известно Ольге Субботиной, другая природа. Растянутое повествование во времени настраивает на холодное созерцании, а также своеобразное чтение инсценированного романа. Перенос событий из одного зрительного зала в другой, по-видимому, предложен художником Максимом Обрезковым для создания более правдоподобной атмосферы другого города, куда переезжает семья Бовари, и для Эммы в исполнении Анны Дубровской начинается новый этап в ее жизни. Причем беременность не делает ее счастливой, в отличии от восторженного Шарля, скорее обременяет. Помимо Анны Дубровской и Владислава Демченко, которые, несмотря на клиповую структуру спектакля, все же создают характеры, все остальные исполнители, играющие по несколько ролей – это своего рода маски, выступающие в том или ином эпизоде повествовательного сюжета. И вот, наконец, при первой встрече с дамским угодником Родольфом Буланже, пунктирно намеченном и в дальнейшем развитом Кириллом Рубцовым, Эмма получает то, о чем мечтала – сильные чувства и всепоглощающую страсть. Подобно скаковой лошади она мчится с неотразимым соблазнителем навстречу своей судьбе, в надежде, что так будет вечно, оставляя в неведении доверчивого мужа и не испытывая перед ним никакой вины. После расставания с Родольфом, утомленным от навязчивых притязаний Эммы, жрица любви не может остановиться и с радостью погружается в глубокий омут новой страсти с молодым Леоном Дюпюи в исполнении Федора Воронцова. Надо сказать, вторая исполнительница этой роли Наталья Масич делает этот переход весьма деликатно, избегая пошлости и надрывной мелодекламации. И все же любовные свидания не отличаются большим разнообразием, напоминая сентиментальные голливудские проекты 50-60-х годов. В них нет- нет, да и промелькнет слащавая оперетка. Может быть, таким образом, режиссер хотела внести иронию в бурные романы, заканчивающиеся плачевно для Эммы? - Не знаю. Но вот, что странно, смерть Эммы Бовари, запутавшейся в долгах и обмане, принявшей мышьяк, не вызывает сострадания. Видимо потому, что чувственная страсть изображается, а не проживается. Хотя по идее все гораздо сложнее, вопреки узаконенным правилам бытия, ведь разум молчит, когда страсть доводит до белой горячки.
респект: http://thr.ru/theatre/pro-lubov-madam-bovari/ 20.3.2018 Про любовь мадам Бовари Эвелина Гурецкая Режиссер Ольга Субботина, запомнившаяся многим по фильму «Про любоff» с Федором Бондарчуком и Оксаной Фандерой в главных ролях, поставила в театре имени Вахтангова спектакль «Бовари» по знаменитому роману Гюстава Флобера. «Мадам Бовари –это я!» — с этой знаменитой фразы Гюстава Флобера, создателя романа «Мадам Бовари», начала свой спектакль режиссер Ольга Субботина на сцене Симоновской сцены Театра имени Вахтангова. Это не пьеса по признанному литературному шедевру, а инсценировка романа, то есть сценическое оформление литературного теста. Задача артиста не просто играть свою роль, а по сути читать текст романа, включая авторские комментарии. Что очень легко сделать в кино — не зря было множество экранизаций «Мадам Бовари» — а вот воплотить это на сцене задача не из легких. Так что нужно отдать должное и режиссеру, и артистам, взявшимся за такую работу. Впрочем, таковы были изначально планы художественного руководителя театра Римаса Туминаса по использованию Симоновской сцены. Он предложил Ольге Субботиной взять хорошую классику ХIХ века «чтобы воспитывать в актерах чувство стиля». Режиссер выбрала роман, признанный одним из шедевров мировой литературы, в котором не только увидела, но и сумела передать своей постановкой иронию и даже сарказм, особенно в изображении персонажей французского общества и в устройстве человеческого сообщества в целом. «Я не хочу выделять только Мадам Бовари, — признавалась Субботина во время работы над спектаклем.- Эмма в романе не одна — вокруг нее муж, свекровь, дочь, да и вообще — все провинциальное общество, все это такое собирательное понятие „Бовари“». Ольга придумала необычное сценическое решение. Вначале на сцене всего один герой, сам писатель, произносящий знаменитую фразу. Затем появляются другие персонажи — и вот уже публика в зале из зрителей превращается в участников заседания суда. Рассматривается дело самого Гюстава Флобера, написавшего скандальный роман. Как и положено, в суде два главных действующих лица — обвинитель и защитник. И у каждого свои веские доводы. Чью сторону примет каждый из присутствующих в зале — решать ему самому. Приговор суда так и не будет оглашен. Этот заявочный эпизод спектакля — реальный исторический факт. После публикации романа Флобер вместе с редактором журнала, на страницах которого роман впервые увидел свет, были привлечены к судебной ответственности за «оскорбление морали». Эта сцена для понимания спектакля имеет очень важное значение. Дальше развитие действия пойдет уже по сюжету, хотя и не в прямой последовательности. Если роман начинается с истории дочери фермера Эммы, ставшей женой провинциального врача Шарля Бовари, то режиссер начала свое прочтение романа с истории Шарля Бовари (блестящая работа артиста Владислава Демченко). Буквально с его детства, когда он был нерадивым учеником-переростком. С уклада в его семье, где соседствуют полное равнодушие к сыну отца и собственническая любовь к нему матери (Светлана Йозефий). Этот ход даст многое для понимания формирования характера одного из главных действующих лиц. Большой ребенок, этакий недотепа, полностью подчиненный воле матери, он даже женится не по своему, а по ее выбору. Увидев впервые Эмму, Шарль Бовари буквально остолбенел. Это была любовь с первого взгляда. Но у этой любви есть препятствие — он женат. Как известно, у любви нет преград: супруга вскоре уходит в мир иной, Шарль женится на Эмме. Он бесконечно счастлив, связав навсегда свою жизнь с любимой женщиной. С этой свадьбы, собственно, и начинается история главной героини, самой Эммы Бовари. Чтобы обозначить этот своего рода «водораздел», режиссер переместила действие спектакля в другой зал сразу после свадьбы Эммы и Шарля. Так что зрители на какое-то время словно становятся участниками модного нынче жанра «спектакля-бродилки». Первую часть первого акта режиссер сумела превратить в захватывающее зрелище, с множеством мизансцен, с массой иронии и юмора, где четко выписаны характеры каждого из героев. А вот характер главной героини будет раскрыт чуть позже. И в этом огромная заслуга актрисы Анны Дубровской в роли Эммы Бовари. Она сумела тонкими штрихами создать образ провинциальной барышни, выросшей на романах, мечтающей о любви и страсти, но вполне, кажется, счастливой поначалу просто выйти замуж. Натура яркая, неординарная, в которой заложены изначально и чистота, и порок — такова Эмма Анны Дубровской. И сразу становится понятно — эта женщина не способна смириться, она бунтарка по своей сути. Тут невольно вспомнишь опять признание Гюстава Флобера: «Мадам Бовари - это я». Под этим может подписаться любая незаурядная женщина, и не только. В каждом человеке такая масса противоречий, в каждом уживаются и порок, и добродетель, стремление жить по законам социума, с одной стороны, и непреодолимая потребность восстать против этих правил. Каждый человек сам делает свой выбор. И никому не дано право никого судить. Вот об этом спектакль «Бовари» в постановке Ольги Субботиной. Впрочем, во многом эта заслуга и задействованных в нем артистов. Как призналась режиссер, они равноправные создатели спектакля. Вместе с режиссером каждый искал свой рисунок роли. Не всем это удалось в равной степени. Несколько «ходульными» получились в спектакле образы любовников Эммы — Родольфа Буланже (Кирилл Рубцов) и Жюстена (Юрий Поляк). Кстати, тот же Кирилл Рубцов в небольшой роли Флобера воспринимается более адекватно. Выше всяческих похвал Владислав Демченко в роли Шарля Бовари. Несмотря на всю свою нелепость, его Шарль вовсе не смешон, напротив, вызывает чувство искренней симпатии. Он обычный рядовой человек, несчастье которого в том, что судьба соединила его с женщиной незаурядной. Артист так искренне смог передать беззаветную влюбленности в свою Эмму и счастье быть рядом с ней каждую минуту. А уж когда она подарила ему дочь, веришь безусловно, что для его героя это стало высшим блаженством: «Теперь я могу сказать, что испытал в своей жизни все». Как всегда, удалось создать яркий образ Юрию Краскову в роли адвоката, отца Шарля Бовари. Запоминается и говорливый фармацевт Оме в исполнении Валерия Ушакова. Яркими получились и герои артиста Михаила Васькова — и папаша Руо, отец Эммы, и торговец Лере. Блеснул в эпизодической роли гида в Руанском соборе Игорь Карташёв. Многие персонажи романа Гюстава Флобера, по признанию режиссера, напомнили ей гоголевских героев. В результате в ее спектакле получилась великолепная галерея образов в гоголевских тонах. Ведь почему роман «Мадам Бовари» можно назвать историей на все времена? Именно потому, что писателю удалось в нем показать все стороны устройства человеческого общества. И как бы ни менялась жизнь, эти правила будут существовать всегда. В целом же впечатление от спектакля неоднозначное. Понятно, что невозможно в три часа — а именно столько длится представление — уложить весь роман «Мадам Бовари». Но невероятно трудно в течение этого времени удерживать внимание зрителей. И если в первом акте режиссеру это блестяще удалось, то акт второй откровенно затянут. Накапливается усталость от постоянных разговоров, не разбавленных действием, как это было вначале. Понятно стремление создателей — и режиссера, и артистов — как можно более полно передать содержание романа. Но ведь на этот спектакль пойдет преимущественно зритель и роман прочитавший, и не одну из его экранизаций уже посмотревший. Так что если режиссер решится чем-то из второго акта пожертвовать, спектакль в целом от этого только выиграет.
респект: http://worldpodium.ru/news/bovari-v-vahtangovskom-teatre-vdrug-i-vstretitsya-schaste 22.3.2018 «Бовари» в Вахтанговском театре: «Вдруг и встретится счастье?..» Человеческую цивилизацию населяют Мужчины и Женщины. Это те вселенные, которые не могут существовать отдельно, но между ними существует непреодолимая пропасть – в ментальности и психологии. На пути друг к другу эти галактики с мощным противоположным зарядом притягиваются, преодолевая разные слои атмосфер. В Московском Театре им. Евгения Вахтангова постоянно расширяют горизонты и ломают консервативные стереотипы. Новая премьера театра – именно такой спектакль. Сегодня, 22 марта, на Симоновской сцене Театра им. Е. Вахтангова пройдёт премьера постановки «Бовари», поставленной по знаменитому французскому роману Гюстава Флобера. Точнее будет формулировка – на сценах, ведь действие этого спектакля пройдёт сразу в двух зала Симоновского пространства: в Амфитеатре и Камерном зале. Часть первого отделения проходит в Амфитеатре, потом зрители, увлекаемые актёрами, переходят в Камерный зал, словно, как и главные герои, совершают переезд в другой город. В этой сценической находке можно провести корреляционную параллель с иммерсивными шоу, имеющими большой успех у публики. И это сравнение будет вполне корректным, ведь в «Бовари» Вахтанговского театра зрители чувствуют себя не просто наблюдателями, а знакомыми или приятелями героев, которые наблюдают за происходящими событиями в их жизни. А наблюдать есть за чем! В спектакле бушуют страсти, вершатся судьбы, на кон желаниям и порывам ставятся жизни. Роман Флобера признан одним из шедевров мировой литературы.Однако современники Флобера восприняли произведение неоднозначно и даже агрессивно. После публикации романа в журнале «Ревю де Пари» Флобер и редактор журнала были привлечены к судебной ответственности за «оскорбление морали». Реалистический психологизм был признан оскорблением общества. Спектакль начинается с судебного заседания, в котором звучат реальные речи прокурора и адвоката, основанные на архивных документах. Козырем обвинения становится фраза из романа «Грязь супружеской жизни», а главным аргументом адвоката: «Роман - побуждение к добродетели через демонстрацию ужасов порока». У Флобера был очень эрудированный адвокат, и в нелепом уголовном преследовании писателю был вынесен оправдательный вердикт. По прошествии времени смело можно утверждать, что «Мадам Бовари» Флобера - не только литературное достояние, но и энциклопедия человеческой личности, со страстями, сомнениями и бесконечной борьбой с самим собой. Режиссёру и автору инсценировки Ольге Субботиной, известной своими кино и театральными работами, удалось трансформировать огромный роман в блистательный спектакль. Продолжительность постановки - три часа с антрактом, действие динамично и увлекательно, нет скучных или проходных моментов. К слову, между режиссёром и актёрами ещё продолжаются жаркие дискуссионные споры: Ольга настаивает на том, что хронометраж спектакля ещё нужно немного сократить, а актёры, сроднившиеся со своими героями, за то, чтобы сохранить первоначальную версию. Несмотря на трёхчасовой хронометраж и длительные диалоги, события развиваются увлекательно и динамично, зрители внимательно следят за происходящим, сочувствуют и сопереживают героям или осуждают их. В постановке задействован великолепный актёрский ансамбль, каждый из актёров, по словам Субботиной, не просто исполнитель, а полноценный соавтор своей роли. В роли Эммы Бовари — заслуженная артистка России Анна Дубровская и заслуженная артистка России Наталья Масич. У обеих актрис – своя Эмма, символ истинной женщины, готовой во имя безграничной любви и всепоглощающей страсти на всё. Потрясает Владислав Демченко в образе Шарля Бовари. Актёр на полутонах, без гипербол передаёт разнообразную гамму чувств - от беззаветной преданности и робкого томления до полного разочарования и всепрощения. Кирилл Рубцов воплощает сразу два персонажа. На суде актёр предстаёт в образе Флобера, а в контексте самого спектакля играет главную и единственную любовь в жизни Эммы - Рудольфа Буланже. В этом образе представлен яркий гротеск. Ох, сколько женщин узнают в Рудольфе знакомые черты природных ловеласов, которых в наше время принято называть «мачо». В спектакле участвуют: Ольга Гаврилюк, Светлана Йозефий, Федор Воронцов, Юрий Красков, Валерий Ушаков, Михаил Васьков и Юрий Поляк. Сценограф и художник по костюмам Максим Обрезков под чутким руководством Субботиной создал завораживающее пространство. Декорации лаконичны, но ёмки, каждая деталь вносит свою атмосферу и колорит. И костюмы персонажей отражают их характер. От безликого наряда Шарля до модных туалетов Рудольфа. От нежных девичьих платьев Эммы до роскошных туалетов мадам Бовари. Отдельного внимания заслуживает шарфик героини, то романтично-развевающийся на ветру, то способный задушить её в тисках своих же грехов и общественных предрассудков. Несмотря на то что одноимённый роман называется «Мадам (Госпожа) Бовари», создатели назвали спектакль просто «Бовари». Что логично, ведь произведение отнюдь не только о судьбе Эммы, оно гораздо шире, масштабнее и многограннее. Спектакль начинается с фразы Флобера: «Мадам Бовари – это я». Словно искусное кружево, роман соткан в захватывающе повествование, где нет 100%-ых злодеев и героев, где у каждого своя мотивация, стремления и иллюзии. Отдельно хочется восхититься великолепием русского языка, на котором говорят герои. Во то время, когда вокруг стремятся замусорить наш Великий язык разнообразными иностранными терминами, на сцене Вахтанговского из уст героев, подобно музыке, льётся восхитительная речь, насыщенная эпитетами, аллегориями и олицетворениями. Перевод Флобера филигранно осуществил Николай Лебедев. Каждый человек в той или иной степени сталкивается с диссонансом причинно-следственной связи потребностей и возможностей, желаний и обязательств, целей и задач. Жизнь так устроена, что день ото дня ставит перед нами нелёгкие задачи: ради достижения целей и исполнения желаний, порой приходится жертвовать очень многим… У Рэя Брэдбери есть мудрая цитата: «Если бы мы слушались нашего разума, у нас бы никогда не было любовных отношений. У нас бы никогда не было дружбы. Мы бы никогда не пошли на это, потому что были бы циничны: «Что-то не то происходит», или «Она меня бросит», или «У меня уже раз обжёгся, а потому…» Глупость это. Так можно упустить всю жизнь. Каждый раз нужно прыгать со скалы и отращивать крылья по пути вниз». Эмма Бовари прыгнула к свободе и неизвестности! Да, это обернулось трагедией, но ведь она попробовала изменить свою жизнь и стать счастливой… Имеет ли право бескомпромиссное общество судить эту женщину? Отнюдь! Но лучше всё же не совершать по жизни таких ошибок, ведь для каждого предательства рано или поздно неминуем закон бумеранга.
респект: http://www.yamoskva.com/node/74531 23.3.2018 Люби меня, как я тебя. «Бовари» в Театре Вахтангова Любая премьера в Вахтанговском театре являет собой целое событие, тем более такая – Флобер на Симоновской сцене! Режиссёр Ольга Субботина, имеющая опыт работы с Петером Штайном и Декланом Донелланом, по совету Римаса Туминаса рискнула взять французский роман, «лонгрид» на современном языке, которому уже более 150 лет, и оживить его на новой театральной сцене. Спектакль получился как живая книга – удивительно органичное прочтение классики. Причём «прочтение» в буквальном смысле, потому что актёры начитывают авторский текст. Пугаться не стоит, это происходит незаметно, проскальзывая между репликами, воспринимаясь продолжением прямой речи, и ироничный язык Флобера, эмоциональный, лёгкий, обогащает спектакль, доставляя дополнительное удовольствие эстетам. Роман «Госпожа Бовари» был написан в середине 19 века, и что самое поразительное, книга возмутила французского читателя, Гюстав Флобер был обвинён в оскорблении морали и привлечён к суду. Но неужели банальный адюльтер мог настолько смутить французов и заставить их заговорить об аморальности? Или в чём-то ином заключается загадка Бовари? Спектакль начинается сценой в зале суда, автор находится на скамье подсудимых, адвокат и прокурор произносят пламенные речи в защиту и обвинение, воспроизводя реальные диалоги, которые звучали когда-то в зале парижского суда. Это вторая находка Субботиной после текстовой начитки. Зрителям отведена роль присяжных, на чьих глазах протекает жизнь французских обывателей, происходят драматические события, и которым необходимо вынести вердикт о виновности или невиновности главной героини. В этой истории, если уж осуждать, то всех. Если сочувствовать, то всем. В этой истории никто свыше не награжден даром любви в полной мере, ни родители Шарля, ни семья Эммы, ни первая семья Шарля - нигде отношения не зацементированы любовью. Герои, дрожа от напряжения, как атланты пытаются удержать на своих плечах небесный свод семейный жизни, разъезжающийся по всем швам. Нигде не звучит ни слова о душе, зато царствуют желания тела. Соединение двух тел насильно против воли одного есть нарушение законов природы, и тело устраивает бунт, требует любить его. Если присмотреться, то легко заметить, что никто здесь никого не любит, хотя с этим можно не согласиться и воскликнуть: «Ах, позвольте, а как же бедный Шарль!». Но ведь люди держатся друг за друга душами, не телами, а Шарль любит только тело жены, её красоту, но не душу, они не сонастроены, в браке это два фальшиво звучащих инструмента. Мужчины Эммы воспринимают её, прежде всего, как телесный объект для удовлетворения желания, используют как вещь. Да и сама Эмма совершенно не нуждается в душевной близости, поскольку живёт в системе материальных ценностей. Эмма не способна оценить даже такой великий дар небес как материнство. Душевной связи с мужем у неё нет, с ребёнком нет, с отцом, отчим домом – нет. В монастыре, где воспитывалась юная Эмма, она смогла усвоить лишь внешнюю форму разговора с Богом, храм для неё место для свиданий, сцена встречи с Леоном в Руанском соборе комична и особенно подчёркивает её приземлённость. Мир Эммы - иллюзии, её нравственное питание – сентиментальная романтическая литература. Природа её влечения к мужчинам - эгоистична. Экзальтированные вспышки чувств, искажённое подобие любви, которую Эмма дарит мужчинам, скорее похожи на путы Лаокоона, на цепи, от которых хочется освободиться. Даже мужчина-любовник вынужден напоминать Эмме о том, что у неё есть дочь. Материальные желания нарядов, денег, роскоши, исступленное желание физической близости можно было бы объяснить молодостью, но Жанна Д’Арк пылала на костре в 19 лет из-за веры, а страдания Бовари связаны с телесным голодом. Глубоко погружаться в психологические переживания Эммы особо не хочется, слишком они прозрачны и предсказуемы. Выбор двух актрис на главную роль позволяет приоткрыть завесу таинственной актёрской алхимии создания образа – Эмму Бовари играют Анна Дубровская и Наталья Масич (в спектакле два состава). Интересная деталь, любимая сцена Дубровской - «прогулка с молодым человеком под зонтиком», у Масич - вторая, насыщенная страстью часть спектакля. Очень интересно смотреть на то, какие краски используют обе актрисы для передачи внутреннего мира своей героини. Дубровская более нервная и утончённая, Масич - более зрелая и чувственная. У обоих в образе присутствует чеховская горчинка. Конечно же, невозможно не сравнивать Эмму Бовари с её поздними русскими двойниками, но лично я не увидела возможного сходства с толстовской Анной Карениной, поступками которой движется совсем другая любовь и которая в состоянии разделить любовь к мужчине и любовь к сыну, скорее с чеховской Анной «на шее». Партнёрское сосуществование на сцене идеальное. Шарля Бовари, мужа-телёнка, его искрящуюся преданную незамысловатую привязанность превосходно показывает Владислав Демченко. Самоуверенного эгоистичного любовника-самца Родольфа Буланже отлично играет брутальный Кирилл Рубцов. Федор Воронцов прекрасно подходит на роль молодого романтика Леона Дюпуи. За изящную сценографию отвечал Максим Обрезков, очень хороши сцены рождения ребёнка, первой случайной встречи Эммы с Леоном, конной прогулки Эммы и Родольфа, свидания с Леоном на лодке. Легко направлять увеличительное стекло и разбирать поведение далёкой, сошедшей с пожелтевших страниц романа мадам Бовари из позапрошлого века, но возможна ли такая героиня в нынешних условиях и как бы она выглядела сейчас в глазах общества? Мысленно переодеваешь госпожу Бовари в современное платье, пытаешься оправдать более широкими понятиями свободы и … не получается. Спектакль сфокусирован не на смаковании букета чувственных удовольствий неверной жены с последующим переходом в гневное общественное порицание, но на осознании атрофированного материнского инстинкта, что ужасает и заставляет сжиматься сердце! Возможно, именно этот момент и возмутил французских читателей. Эмма, несмотря на привлекательную внешнюю оболочку, больше похожа на животное, хотя и те облизывают своих детёнышей. Наверное, поэтому в финале появляется дочка Эммы и Шарля и рассказывается об её печальной судьбе. Наверное, поэтому в эпилог французской драмы хочется поставить мысль Достоевского о том, что «счастье всего мира не стоит одной слезинки на щеке невинного ребёнка». Но - конечно, по разному можно ощущать и воспринимать историю Бовари. Вполне возможно, что молодому зрителю измены Эммы покажутся милыми приключениями, её исступленность чувств они назовут безбашенностью и поставят дизлайк её поведению, за то, что сорила деньгами сама, вместо мужчин, и сильно переживала из-за сущих пустяков. Позволю себе заметить, что выбор двух залов, Амфитеатра и Камерного, с перемещением зрителей во время спектакля из одного в другой, не совсем комфортен. Но в любом случае необходимо приветствовать стремление театральных режиссёров ставить спектакли по классическим произведениям, особенно по шедеврам мировой литературы. Спектакль, конечно же, не побуквенно и не постранично воспроизводит громадный объём романа. Ольга Субботина выбирает из него самые выигрышные и сочные сцены, фразы, очень удачно их соединяет. Используя понятия «темпа» старается «утрамбовать» в трехчасовые границы спектакля как можно больше флоберовского текста – правильно делает, это нравится актёрам и нравится зрителю. Амплитуда зрительского внимания, как и Эмма Бовари, то находится на пике чувственного наслаждения, то вместе с ней падает в бездну отчаяния. Спектакль получился очень цельным, без провисаний, стремительным, летящим как стрела из лука, и, несомненно, будет пользоваться успехом и любовью театралов всех поколений. Текст: Наталья Анисимова
респект: http://localdramaqueen.moscow/2018/03/bovary/ 23.3.2018 Судебный процесс, любовные драмы и семейная трагедия в спектакле «Бовари» на Симоновской сцене Театра Вахтангова Катерина Большакова Работа на открывшейся всего несколько месяцев назад Симоновской сцене Театра Вахтангова не прекращается ни на минуту, и вот уже театр представляет зрителю очередную премьеру — спектакль «Бовари» по роману Гюстава Флобера. Режиссер Ольга Субботина, выпускница Хейфеца, много работающая как в России, так и за рубежом, сознательно лишила название спектакля слова «Мадам». Перед нами не только и не столько история самой Эммы Бовари (в этой роли сменяют друг друга Анна Дубровская и Наталья Масич), но и целая галерея персонажей, которых так или иначе закружило вихрем ее безрассудства. Это уже второй спектакль на Симоновской сцене, действие которого разворачивается сразу на двух ее площадках, разделяя жизнь главной героини на два этапа: жизнь добропорядочной жены и жизнь запутавшейся «рабы любви». На этот раз все начинается в Амфитеатре — здесь мы знакомимся с Шарлем Бовари (Александр Демченко), о жизни которого чаще всего забывают в кратких описаниях произведения. Детство, взросление, родители, первый брак, роковое знакомство с Эммой, свадьба.. Прямо в середине первого действия зрителя приглашают проследовать за Шарлем и Эммой в их новую жизнь в новом месте, городке Ионвиль, и мы идем за актерами в Камерный зал не через фойе, а прямо сквозь арьерсцену Амфитиатра. Здесь в эффектных декорациях Максима Обрезкова, где есть место и шикарным апартаментам и комнате судебных заседаний (все-таки, Камерная сцена позволяет реализовывать удивительные по красоте и лаконичности интерьерные решения) скучающая и жаждущая страстей Эмма совершит свой первый шаг к пропасти. Сегодня нам сложно представить, что когда-то роман стал не только чрезвычайно скандальным, но и привел к судебном процессу (которым начинается и заканчивается спектакль). В обществе, где женщина свободна, ни адюльтер как таковой, ни пренебрежение семейными ценностями, в целом, уже не особенно оскорбляют нашу мораль.. А поскольку ни читать роман, ни смотреть 3-х часовой спектакль постоянно держа в уме мысль о скандальности подобного поведения в XIX веке практически неосуществимо, на первый план выходят иные смыслы и стороны истории, актуальность которых не исчезла и поныне. Инфантильность Эммы, полное отсутствие у нее моральных принципов, способных служить сдерживающими факторами не только для измен, но и для безрассудства и эгоистичности, которыми определяются все ее поступки. Она грешит не потому даже, что любит, а потому, что, либо ищет в любовнике (Рудольф — Кирилл Рубцов) воплощение в реальности своих представлений об идеальной любви и идеальном союзе мужчины и женщины, либо потому, что, не имея не внутреннего стержня, ни способности осознать необходимость брать на себя ответственность за собственную жизнь, поддается соблазну не самого блистательного совратителя (Леон — Федор Воронцов). Она тратит, не задумываясь ни о муже, ни о последствиях, слушает советы любого встречного, не пытаясь подвергнуть их критическому осмыслению. И даже ее финальное самоубийство становится следствием столкновения ее мира грез с непрезентабельной действительностью — отвергнутый всеми переросток-ребенок выпивает яд, сбегая от грядущих катастроф и от обидчиков, которые обязательно должны же были ее спасти, но почему-то, негодяи, отказались. У Ольги Субботиной получился спектакль не о скандале и не о банальности внебрачных связей. Он о том, в какую трагедию может превратиться жизнь женщины в обществе, с самого рождения не признающем за ней никаких прав и дающем ей только одну возможность достойной жизни — удачное замужество. Никогда не имевшая необходимости и возможности взять ответственность за свою взрослую жизнь в собственные руки, Эмма одна рушит судьбы своих близких. Тем более горек финал произведения — после преждевременной кончины опозоренного Шарля дочь Эммы вынуждена идти зарабатывать на прядильную фабрику. Ребенок искупает не просто грехи, но и характер матери, навсегда застрявшей в наивном и эгоистичном детстве. У Берты Бовари шансов не повзрослеть нет никаких. P.S. На этот раз у зрителей с билетами на последние ряды Камерного зала не будет причин жаловаться на ограниченный обзор с их мест (это, увы, случается на других спектаклях и будет исправлено к началу следующего сезона). Спасибо режиссеру, которая подняла сцену на добрых полтора метра — мое место в 9 ряду оказалось весьма комфортным.
респект: http://eclectic-magazine.ru/madam-bovari-teatr-imeni-vaxtangova-novyj-spektakl/ март 2018 Мадам Бовари: между прихотью и условностью Представить женский роман в новом свете на театральных подмостках способна только женщина. Смело. Уверенно. Режиссер Ольга Субботина презентовала свое видение произве-дения «Мадам Бовари» на Симоновской сцене Театра имени Евгения Вахтангова. На Симоновской сцене Театра имени Евгения Вахтангова состоялся пресс-показ спектакля «Бовари» по скандальной книге Гюстава Флобера в постановке Ольги Субботиной. Своими впечатлениями от шедевральной постановки делится корреспондент ECLECTIC. Мужчины любят писать про женские трагедии. Флобер, Толстой, Ги де Мопассан, Гюго. Рассказывать чувственно, проникновенно, со всей своей большой любовью. И с невероятным сочувствием ко всему женскому полу. «Мужчина, по крайней мере, свободен: ему доступны все страсти, все чужие края, он волен преодолевать препятствия, вкушать от наиболее труднодостижимых наслаждений. А женщине всюду помехи: её вечно увлекает какая-нибудь прихоть, вечно сдерживает какая-нибудь условность»,- сокрушался Флобер. Но представить женский роман в новом свете на театральных подмостках способна только женщина. Смело. Уверенно. Режиссер Ольга Субботина презентовала свое видение произведения «Мадам Бовари» на Симоновской сцене Театра имени Евгения Вахтангова. Пьеса начинается с суда над писателем и его скандальным произведением, который состоялся в 1857 году в Парижском Дворце правосудия. Флобер заявляет: «Мадам Бовари — это я», отрицая наличие прототипа героини. Блюстители закона требуют запретить непотребное чтиво, называя его «оскорблением морали». Прокурор Пинар и защитник Сенар, соревнуясь в ораторском мастерстве, затевают драку. Красноречивый диалог, предшествующий драке, был взят из исторических документов. «Копнув под Флобера» мы открыли для себя несколько особенностей — что автор был судим за этот роман уголовным судом; что Шарль Бовари был его… одноклассником!», — рассказала журналистам режиссер спектакля. Это была трагедия и комедия одновременно. Все оттенки эмоций взрывались на сцене. Чувства летели и хлестали зрителей в первых рядах. Досталось и тем, кто сидел на последних. Накал. Шквал. Страсть. Нежная, дерзкая, развратная, несчастная и временами, безумно счастливая, Анна Дубровская органично проживала роль Эммы Флобер. Сливалась с образом целиком. И спустя пару минут после начала спектакля, никто уже не видел заслуженную артистку России, а только мятежную и страстную молодую женщину, в поисках истинной любви. В поисках себя. Мастерcки искал и обретал себя Владислав Демченко в роли Шарля Бовари. Перевоплощался, тяготился, мучился, скорбел и пребывал в экстазе. Отражая мимикой лица каждую волнительную мысль. «Быть дураком, эгоистом и обладать хорошим здоровьем — вот три условия, необходимые для того, чтобы быть счастливым. Но если первого из них не хватает, то остальные бесполезны», — упоминал автор «Мадам Бовари» Здоровый и радостный дурак. Без грамма эгоизма. Это Шарль. И если вдруг вы не читали Флобера, то потрясающая игра Демченко покажет наглядно, как может выглядеть такое счастье. Не обойтись в женском романе без Дон Жуана — Родольфа Буланже. Змея искусителя. Покорителя женских душ. Обманщика. Любителя высокопарных слов. Полную противоположность Шарлю Бовари. Дьявольски красивого сердцееда воплощает Кирилл Рубцов. Пленительного, страстного, увлекательного, жгучего и богатого злодея. Каждое движение его выверено, томно и эротично. Он — строг, безжалостен, заманчив и чертовски привлекателен. Кирилл настолько обаятельно играет совратителя, так точно, что женский пол готов простить мадам Бовари эту маленькую слабость. И оправдать. В произведении нет положительных героев. Нет их и на сцене. Реализм воплощается в театре, показывая истинную суть вещей. Идеальных людей не бывает. Флобер тщательно прописывает характеры героев, за ним следует режиссер. Точно под микроскопом зритель видит тончайшие намеки на будущие черты личности. Греховные черты. Кроткая, на первый взгляд, Эмма вдруг оказывается высокомерной. Затем появляются неуверенные ростки гнева и зависти. К ним присоединяются похоть и лень. И под занавес является алчность. И каждый герой демонстрирует свою «темную силу». Родольф Буланже — похоть, мать Шарля — зависть, Шарль Бовари — лень, священник — чревоугодие, Леон Дюпюи — похоть и тщеславие. Лишь дочь Берта Бовари, играющая, по сути, второстепенную роль, лишена греховных мыслей. Но реализм — есть реализм, и за чистоту своих помыслов она остается сиротой и вынуждена идти работать на прядильную фабрику. Флобер любил беспощадно прорисовывать детали так, что его самого тошнило от некоторых сцен. Ольга Субботина безжалостно точно очерчивает малейшую эмоцию каждого героя. Нет второстепенных фигур. И нет главных. У всех персонажей своя история, характер и чувства. Их отрицательные черты переплетаются, образуя смертоносную воронку и опасный сюжет. В простой и, казалось бы, совершенно не примечательной истории, Флобер, а вместе с ним и режиссер, и актеры раскрывают жестокость и реальность женской судьбы, смелость отчаянной, маленькой души в погоне за большим счастьем. Стремление быть, а не казаться, попытки урвать хоть немного радости. Да, безрассудно, эгоистично, рискованно сражаться с ветряными мельницами собственной участи. Но разве стоит за это осуждать? Женщина в романе Флобера — не просто жена, любовница, тень мужчины. Она — личность, которая хочет сказать свое, весомое слово. Правда, за это писатель решает её отравить. Анне Карениной тоже не прощают вольнодумия. Но будь другой финал — был бы оправдательный приговор и отдельное издание романа? Может быть. Лет через 20… Спектакль обогащает и наполняет потрясающий актерский состав: Анна Дубровская/Наталья Масич, Кирилл Рубцов, Владислав Демченко, Светлана Иозефий, Федор Воронцов, Ольга Гаврилюк, Игорь Карташов, Юрий Красков, Валерий Ушаков. Секрет их потрясающей и сплоченной работы — очень непрост. В попытках написать сценарий из объемной и серьезной книги Ольга Субботина сделала ход конем. Распечатала на бумаге роман и отдала по экземпляру каждому из основных героев. Принимать решение за то, какая сцена войдет в спектакль, должны были актеры. Режиссера обвинили в расточительстве. Еще бы, в романе 487 страниц. Но затея того стоила! Не пропустите великолепный спектакль по одному из величайших романов всех времен! Ближайшие даты: 1 и 25 апреля. 2018 года. Наслаждалась спектаклем Алина Денисова
респект: https://www.facebook.com/photo.php?fbid=879256412246976&set=a.115999161906042.20032.100004878762403&type=3&theater Кирилл Крок, 28.3.2018 Продолжаем работать, обустраивать..
респект: http://www.teatral-online.ru/news/21309/ Юлия Борисова: «У меня в доме никогда не было журналистов» Новости/ 27 Марта 2018 17:00/ Мария Михайлова | Фото: Юлия Солодовникова/ Во вторник, 27 марта, в Театра Вахтангова были представлены две новые книги: издание «Люблю. Юля» о легендарной актрисе Юлии Борисовой и книга с CD-диском «Музыка и театр. Фаустас Латенас». Встреча с героями состоялась на следующий день после трагических событий в Кемерово, поэтому интонация разговора была непраздничной, речь шла о жизни и судьбе, о ее непредсказуемых драматичных поворотах. «Так случилось, что презентация наших двух долгожданных книг, проходит в дни, когда вся страна переживает скорбные события, связанные с Кемерово. В самом начале прошу почтить память жертв этих трагических событий минутой молчания», - этим вступлением ведущий встречи искусствовед Дмитрий Трубочкин задал особый тон мероприятию, ведь оно проходило на фоне страшной беды, к которой никто в стране не остался равнодушным. Поэтому разговор получился о жизни и судьбе с ее неожиданными и драматичными событиями. «Эту книгу «Люблю. Юля» долгие годы писала и составляла Вера Анатольевна Максимова, блистательный театровед, большой друг Вахтанговского театра, она ушла от нас, не закончив книги и не оставив нам сценария, как ее завершить, - рассказал готовивший книгу к изданию Дмитрий Трубочкин. - Но, благодаря огромной воле инициатора издательской программы Вахтанговского театра, директора Кирилла Крока, эта книга все же увидела свет, как и издание «Музыка и Театр. Фаустас Латенас». Юлия Константиновна Борисова никогда не давала интервью, полагая, что вся ее жизнь - на сцене, она избегала общения с прессой, и вот, наконец, вышла первая книга о настоящей легенде театра. В этот день актриса пришла в театр вместе со своими близкими, чтобы рассказать о совместной работе с театральным критиком Верой Максимовой, но начала свое выступление со слов благодарности коллеге по театру композитору Фаустасу Латенасу, тоже представляющему сегодня свою книгу. - Я хочу несколько слов сказать о Латенасе. Он очень просто и лаконично вошел в наш театр. Он не аккомпанирует актеру. Его музыка живет вместе с актером, его музыка как бы посылает душу актера в зрительный зал. Он помогает актеру своей музыкой. Это редкий дар! Я счастлива, что он у нас работает, в наших спектаклях его музыка выходит вместе с нами на сцену. Что касается Веры Анатольевны Максимовой, она относится к великой плеяде театральных критиков. Таких как Инна Соловьева, Наталья Крымова, Александр Свободин. Эти критики – зерно нашего театроведения. Обо мне писали и Свободин, и Крымова, но так получилось, что я сблизилась именно с Верой Анатольевной. Однажды она мне сказала: «Я хочу попробовать написать о вас книгу. Но если получится, то – хорошо, а если не получится, то и бог с ней». И мне эта фраза как-то понравилась, и я сказала: «Пробуйте!» Она ответила: «Но для этого мне надо с вами поговорить». «Ну, давайте поговорим у меня в гримерной. Там столик и кресла, можно удобно расположиться». Но она сказала: «Самое ужасное место для нашей встречи – это Театр Вахтангова. Это совершенно не подходит, потому что там шум, крики, нам будут мешать. Лучше всего – у вас дома! В какое время вам удобно?» Я как-то напряглась, потому что у меня в доме никогда не было ни журналистов, ни критиков, ни фотографов. Но все-таки согласилась: «В два часа». Она отвечает: «Мне тоже с двух до пяти очень удобно!» Я подумала: «Мама родная, три часа сидеть!», но сказала: «Давайте попробуем!». И она стала приходить ко мне каждый день в два часа, а уходила в пять, а иногда задерживалась даже до те пор, когда мои родственники, сын и невестка, приходили с работы. Иногда она и с ними тоже беседовала. Эти встречи продолжались очень долго. Верочка входила, садилась в кресло возле маленького столика, я - напротив нее, она вынимала свой вечный блокнот, который всегда носила в своей сумочке и ручку, включала совсем маленькое, чуть больше спичечного коробка, записывающее устройство. И начиналось: вопрос-ответ, вопрос-ответ… Потом начался какой-то другой период в нашем общении: она стала рассказывать мне о каких-то интересных явлениях в театре, о спектаклях, об актерах, о критиках. Ее кумиром был Юрий Мефодьевич Соломин. Она была его правой рукой, очень любила его, была тепло принята его семьей, бывала у него на даче. Она очень много с большой нежностью рассказывала о нем. Прошло примерно года два-три она стала рассказывать мне о каких-то личных вещах, о своем муже, о своей дочери, которую она очень любила и внуках, которых боготворила. Так продолжалось наше общение. Прошло, приблизительно, лет пять. И вдруг она сказала: «Я набрала значительную долю материала, мне достаточно для того, чтобы писать, поэтому живите спокойно, я пишу книгу». Проходит год, она всё пишет, потом я узнаю, что она беседует с актерами театра, приходит в наш музей, изучает какие-то материалы. Еще год проходит. Когда прошло уже лет семь с начала этой работы, я думаю: «Ну, сколько же можно писать?». Вдруг она мне говорит: «Я много думаю о том, как назвать вашу книгу». Я сказала: «Это легче легкого! Назовите «Борисова дома и в театре», но она сочла, что это совсем не подходит. Потом вышел мой альбом, который мне очень нравился, и я, встретив Верочку, говорю: «Вера, я понимаю, что у тебя что-то не получается, или тебе наскучила эта тема, прекрати, пожалуйста писать книгу, потому что в альбоме уже все обо мне сказано». А он сказала: «Есть у меня ваш альбом. Ничего там не сказано. Что такое фотография? Это момент, который фиксирует фотограф, и всё. Фотография молчит, она - нема, а если вы читаете критическую статью, то вы начинаете ощущать даже шелест платья, надетого на актера. Вы начинаете следить за ним. Вот актер понижает голос, потому что ему больно, вот он почти не может говорить, вот он падает, и вы видите всё это, вы видите спектакль! Вот что такое критик». И действительно, когда читаешь ее статьи, зримо видишь театр, просто находишься там, вместе с актерами ощущаешь все, что происходит на сцене. Я благодарю судьбу, что она меня свела с Верой Анатольевной. Спасибо ей большое за всё! Я благодарю наших музейных работников, они собрали статьи, которые были написаны Верой Максимовой на мои спектакли, и участвовали в отборе фотографий. Я чрезвычайно благодарна Дмитрию Трубочкину, он очень бережно отнесся к рукописи и изумительно написал предисловие к книге, причем в манере Веры Анатольевны. Жизнь сложилась так, что очень много для меня в театре сделала Галина Львовна Коновалова, а оформление книги, ее дизайн, сделала внучка Галины Львовны Саша Осенева, я ее благодарю за это. Благодарю издательство и тех, кто печатал. По мнению Трубочкина и Осеневой, для этой книги немало сделал мой сын, спасибо ему. Завершилась встреча прекрасной и трагической музыкой Фаустаса Латенаса, который, предваряя исполнение сказал: «Я предлагаю вам послушать одно произведение, которое называется музыка к будущему спектаклю. Это «Болеро» написанное в этом году. Давайте послушаем эту музыку и подумаем о том, что произошло, о том, с чего мы начали нашу сегодняшнюю встречу и о том, что нас ждет. И будем надеяться, что все-таки мы будем жить спокойно, любя друг друга, и небо будет в алмазах…»
респект: https://belan-olga.livejournal.com/2846102.html belan_olga, 17 марта, 16:17 Прима Вот воистину: настоящая красота возраста не знает. Видела Юлию Константиновну Борисову пару лет назад – в 90 лет она прекрасна. Это была настоящая прима театра имени Вахтангова. Сейчас слово «прима» затерлось и почти ушло из лексикона, но когда-то оно существовало и имела точный и высокий смысл. Примой МХАТа была Алла Тарасова, театра Мейерхольда – Зинаида Райх, театра Революции ( ныне Маяковского) Мария Бабанова, на Малой Броннной - Ольга Яковлева. Юлия Борисова царствует на вахтанговской сцене более 70 лет! Она и сейчас играет в «Пристани» и с театром не расстается. Маленькая хрупкая женщина, она всю жизнь прожила в одном весе. Поэтому могла играть Турандот до 50 лет – из зала не был виден возраст, к тому же по роли лицо принцессы прикрыто вуалью. А играла Борисова озорно и молодо всегда. Хорошо, что лучшие ее спектакли записаны на пленку, и каждый может насладиться и Турандот, и «Иркутской историей», и «Варшавской мелодией», и Клеопатрой, и «Миллионершей». И деревенских девчонок, и королев, и авантюристок, и принцесс она играла одинаково убедительно и искрометно. Никогда не забуду своего театрального потрясения от «Варшавской мелодии», дуэт Борисовой и Ульянова просто рвет душу. Это лучшая постановка пьесы Зорина и пока ее никто так и не переиграл. У Юлии Константиновны только два «недостатка»: она практически не снималась в кино и она никогда никому не дала ни одного интервью. Две кинороли за всю жизнь – зато какие! Настасья Филипповна в «Идиоте» и Посол Советского Союза. Почему она решила для себя раз и навсегда не пускать киношников и журналистов в свою жизнь? Это был ее выбор. Обещала написать книжку и все там рассказать. Ждем. ...tati15, 2018-03-18 18:11 В молодости часто ходила в театр Вахтангова, была возможность... Турандот, Клеопатра - это что-то из области, не подвластной обычной актерской игре. Да, даже в возрасте за 50, от ее интонаций и взглядов мужчины замирали, это было видно невооруженным взглядом."Варшавская мелодия " - одна из самых замечательных историй о любви. Ну, а что интервью не дает, так за это еще больше уважаю!
респект: http://artrepriza.ru/books/1803-den-teatra-v-teatre-vahtangova.html День театра в театре Вахтангова Автор: Марина Айриянц от 29-03-2018 День театра в знаменитом доме на Арбате был отмечен представлением двух уникальных изданий. 27 марта в АРТ-КАФЕ Вахтанговского театра прошла презентация книг, посвященных легендарной актрисе, Народной артистке СССР Юлии Борисовой и чудесному композитору Фаустасу Латенасу. Оба произведения изданы в начале 2018 года театром имени Евгения Вахтангова совместно с издательством «Театралис» и стали прекрасным подарком настоящим театралам и меломанам. Книга известного театроведа Веры Максимовой «Люблю. Юля» под общей редакцией Дмитрия Трубочкина вызывает особый интерес у всех поклонников знаменитой актрисы, ведь Юлия Константиновна Борисова никогда не давала интервью. Вежливо, спокойно, но твердо она отклоняла любые попытки журналистов вызывать ее на разговор, считая, что артист должен все высказывать своей работой на сцене, а не на пресс-конференциях или в кулуарах театра. Только Вере Анатольевне Максимовой удалось уговорить Юлию Константиновну дать ей большое интервью, собрать материалы для книги. Юлия Борисова: - Она стала приходить ко мне каждый день в два часа, уходила в пять, иногда задерживалась до тех пор, пока мои сын с невесткой приходили с работы, она и с ними беседовала. В общем, эти встречи продолжались очень долго. Сначала, интервью, потом личные беседы. Так продолжалось около пяти лет, и вдруг она сказала, что набрала достаточно материала для книги. Потом я стала узнавать, что она разговаривает с актерами нашего театра, приходит в наш музей, там требует какие-то вещи. Прошло лет семь, а книга все не написана. Вдруг, выходит мой альбом, он мне очень нравится. Я встречаю Верочку и говорю, что можно прекращать писать книгу, потому что все обо мне сказано. Но она не согласилась. Сказала, что есть у нее этот альбом, ничего в нем не сказано, ни одного слова. Что такое фотография? Это момент, который фиксирует фотограф, и все. Фотография молчит, она немая, а если вы читаете критическую статью, то вы начинаете даже ощущать шелест платья, которое на актере, вы начинаете следить за ним – вот, он понижает голос потому что ему больно, вот он почти не может говорить, вот он падает, и вы видите все, вы – видите спектакль, вот что такое критик. И действительно, когда я читала ее статью, просто зримо видишь театр, сидишь с актерами и ощущаешь все, что происходит на сцене. Я очень благодарю судьбу, что она мне подарила встречу с Верой Анатольевной. Вера Анатольевна работала над книгой несколько лет, но закончить, к сожалению, не успела. Поэтому волевым решением директора театра имени Евгения Вахтангова Кирилла Крока к изданию произведение подготовил Дмитрий Трубочкин. Дмитрий Трубочкин: - Она ушла от нас, не закончив книги и даже не оставив сценария для нас, тех, кто приступит к материалам после ее кончины, как ее завершить. Но Кирилл Крок, директор Вахтанговского театра твердо решил довести дело до конца и книгу непременно издать. В книгу вошли еще и критические статьи Веры Максимовой, посвященные Юлии Борисовой и множество уникальных фотографий, предоставленных музеем театра. Второе издание, представленное в этот день, не менее интересно, ведь произведений, посвященных театральным композиторам, практически не существует. Книга Дайвы Шабасявичене и Расы Васинаускайте «Музыка и театр. Композитор Фаустас Латенас» не просто переведена на русский язык, но и дополнена главой «Говорят Вахтанговцы», в которую включены материалы, написанные Римасом Туминасом, Кириллом Кроком, Дмитрием Трубочкиным и актерами-участниками спектаклей, оформленных музыкой Фаустаса Латенаса: Галиной Коноваловой, Людмилой Максаковой, Евгением Князевым, Владимиром Симоновым, Сергеем Маковецким, Алексеем Кузнецовым, Юрием Красковым, Анной Дубровской, Евгенией Крегжде, Екатериной Крамзиной. Юлия Борисова: - Он как-то просто и органично вошел в наш театр. Он не аккомпанирует актеру, его музыка живет вместе с актером. Его музыка как бы посылает душу актера в зрительный зал, он помогает музыкой актеру, он композитор, который плюсует актеру. Это редкий дар! И я счастлива, что он работает в нашем театре и его музыка выходит вместе с нами на нашу сцену. В книгу вложен аудио-диск «HARMONIA = THEATRUM» с музыкой Фаустаса Латенаса, звучащей в спектаклях театра Вахтангова – от «Ревизора» до «Царя Эдипа». Кирилл Крок: - За последние 8 лет жизни нашего театра мы издали уже порядка 16 книг. И каждый раз наступает момент, когда ты думаешь, но наверное, вот эту книжку мы сейчас издадим, а какая будет следующая? И так жизнь наша проистекает, что каждая следующая книга к нам приходи абсолютно сама: появляется тема, появляется автор, появляется наше желание это делать. Пока у нас будут силы, возможности и желания, а все это у нас, слава богу, пока есть, мы будем продолжать издательскую программу нашего театра и дальше, не будем останавливаться, в этом ритме – каждый год по две книжки, связанные с Вахтанговским театром. Книги можно приобрести в театре имени Евгения Вахтангова и книжных магазинах "Москва" и "Московский дом книги". Марина Айриянц Фотография автора еще фотографии https://www.facebook.com/pg/artrepriza/photos/?tab=album&album_id=1818297081524395
респект: https://pamsik.livejournal.com/217660.html pamsik, 1 апр, 2018 at 10:05 PM Две звезды - две светлых повести. Презентация книг в Вахтанговском театре Презентацию двух уникальных книг «Люблю. Юлия» и «Музыка и театр. Композитор Фаустас Латенас» Вахтанговский театр представил в Международный день Театра, в уютном и располагающем пространстве ART-кафе. На встрече с театральной публикой пришли герои этих книг – всенародно любимая актриса театра им. Вахтангова Юлия Борисова и талантливый литовский композитор Фаустас Латенас, написавший музыку к огромному количеству Вахтанговских спектаклей. Римас Туминас, художественный руководитель Вахтанговского театра: «В этом кратком слове «Люблю» Юлия Константиновна выражает свою личность, а мы продолжим: «А мы Вас любим, любим, любим, любим, любим… Любовь сопровождает Вас всю жизнь. Вы красивы. Я всегда смотрю её выходы на сцену, бегу в зал, за кулисы и наслаждаюсь её элегантностью, точностью. Фаустас Латенас мой старинный друг. Чем дальше мы живем, тем меньше разговариваем. Каждый день встречаемся. Все спектакли сопровождает его музыка. И я рад, что мы понимаем, чувствуем театр. И также с любовью он относится к нам всем, к актёрам, всему цеху, режиссёрам. Бесконечная любовь к театру. Всегда иду к ним и говорю: «Мне страшно, помогите, помогите». Дмитрий Трубочкин, помощник художественного руководителя театра им. Вахтангова по творческим вопросам: «Первая книга «Люблю. Юля» очень уютная, узенькая и длинная. Её можно взять в руки, затрепать, любовно перелистать, внимательно читать и делать для себя пометки. Это немного дамская книга, в которой очень интересный рассказ, перемежающийся с фотографиями (их очень много). В ней есть огромная глава, которая называется «Юлия Борисова. Интервью» - и это первое развёрнутое интервью (*ЮК их никогда не давала и даёт), которое появляется в печати и записано с уст Юлии Константиновны, так что выход этой книги многократно историческое событие». Вторая книга «Музыка и театр» напоминает компакт-диск, он приложен внутри и называется «Гармония театра». Этих двух книжек в разных смыслах могло бы и не быть. С каждой книгой связаны определённые события. У каждой книги своя история. «Люблю. Юля» писала наш замечательный блестящий театровед и друг Вахтанговского театра Вера Анатольевна Максимова, и книга не была ею завершена. Огромное значение имела воля директора Вахтанговского театра Кирилла Игоревича Крока и идея довести издание до победного конца, до её выпуска в свет принадлежит ему. По книге «Музыка и театр» мы долго беседовали - как можно издать книгу, посвящённую театральному композитору, это очень большая важная задача и для театроведения, и для читателей. Но как найти издателя, как сделать так, чтобы было корректно, правильно, интересно читать? Вновь Кирилл Игоревич Крок подставил плечо и, таким образом, у нас появились эти две красивые, замечательные, приятные для чтения книжки». Кирилл Крок, директор театра им. Вахтангова, инициатор и руководитель издательской программы театра: «За последние восемь лет жизни Вахтанговского театра мы издали порядка 16 книжек. И каждый раз наступает такой момент, когда думаешь, вот эту книгу мы сейчас издадим, какая же будет следующая? И так жизнь наша проистекает, что каждая следующая книга приходит к нам абсолютно сама - появляется тема, появляется автор, появляется наше желание это делать. Мы будем продолжать издательскую программу, и каждый год будем выпускать две книжки, связанные с Вахтанговским театром. С книгой Юлии Константиновны была долгая история, так случилось, что Вера Анатольевна Максимова не смогла довести свою работу до конца. Название придумала Вера Анатольевна, она сказала, что книга должна называться только так: «Люблю. Точка. Юля» и ни в коем случае никак по-иному. Благодарен дочери Веры Анатольевны Наташе за то, что она откликнулась на нашу просьбу и материалы, которые остались у Веры Анатольевны на рабочем столе, её рукописи, её записи, те разрозненные клочки, которые сейчас составляют эту книгу, она передала к нам театр. Давайте скажем спасибо Вере Анатольевне Максимовой за этот труд, и её семье за то, что они передали его в театр Вахтангова. И благодаря этому сегодня мы держим книгу в руках! Также хочу выразить огромную благодарность Дмитрию Трубочкину. Он взял рукописи, что-то было на флешке, что-то в бумажном варианте и стал постепенно читать, погружаться в историю о Юлии Константиновне, это длилось порядка четырёх месяцев. Так появился первый вариант, который мы стали дорабатывать, доделывать, иллюстрировать фотографиями. Хочу сказать также несколько слов о книге «Музыка и театр», посвящённой нашему прекрасному композитору Фаустасу Латенасу. Римас его зовёт «придворный композитор театра Вахтангова», мы так его иногда величаем. Это тоже был большой труд. Она была написана на родном литовском языке. Мы нашли очень толкового в Литве переводчика, который прекрасно литературно перевёл книгу. Марине Тимашевой благодарны за то, что она помогла дополнить книгу интервью с артистами московских театров, и спасибо нашему звукоцеху, где всю его музыку обработали, собрали и сделали тот музыкальный диск, который вклеен в эту книжку. Не могу не выразить благодарность нашему постоянному партнёру в книжных сериях издательству «Театралис» за сотрудничество с театром. С сегодняшнего дня эти две книги появятся в книжном киоске Театра Вахтангова - и на Основной сцене, и на Новой сцене, и на Симоновской сцене. Пожалуйста, покупайте. Я уже их прочёл, они стоят того, чтобы их иметь в домашней библиотеке. И в ближайшее время планируем передать книгу в Торговый дом «Москва» и Дом Московской книги». Юлия Константиновна Борисова, актриса театра им. Вахтангова, народная артистка СССР: «Вера Анатольевна Максимова относится к той великой группе критиков – Соловьева, Крымова, Свободин – которые есть зерно нашей театральной критики. Я сблизилась именно с ней. Как-то она сказала: «Вы знаете, я хочу попробовать написать о Вас книгу. Если получится, то хорошо, если нет, то Бог с ним». И мне это сразу понравилось. Нам надо было где-то с ней встретиться, поговорить. Я предложила гримёрную. Она ответила, что театр Вахтангова - самое ужасное место для нашей встречи, где могут ходить, разговаривать со мной, хлопать дверями. «Лучше всего нам встретиться у Вас дома». Она стала приходить ко мне каждый день в два часа, уходила в пять. Эти встречи продолжались очень долго. Вытаскивала свой вечный блокнот и ручку, включала записывающее устройство, и начиналось: вопрос-ответ, вопрос-ответ… Прошло лет семь. Вера Анатольевна говорит: «Я думаю над тем, как назвать Вашу книгу». Я предложила, назовите «Борисова. Дома и в театре». Она сказала, что название совсем не подходит. В это время выходит мой фотоальбом, который мне очень нравится. Я встречаю Верочку и говорю: «Вера, я тебя умоляю, я понимаю, что у тебя что-то там не получается, или тебе наскучила эта тема, я понимаю, но, пожалуйста, прекрати писать обо мне книгу, потому что всё обо мне уже сказано!» Она отвечает: «Ничего там не сказано! Что такое фотография? Это момент, который фиксирует фотограф и всё. Фотография молчит, она немая. А если вы читаете критическую статью, то вы начинаете даже ощущать шелест платья, которое на актёре. Вы начинаете следить, вот он понижает голос, потому что ему больно, вот он почти не может говорить, вот он падает, и вы видите всё – вы видите спектакль! Вот что такое критик». И когда я читала статьи, её и других критиков, действительно, виден театр! Ты находишься вместе с актёрами, ты ощущаешь всё, что происходит, на сцене! Благодарю судьбу за встречу с Верой Анатольевной. Это радость - и большое ей спасибо за всё! Я благодарю музейных работников нашего театра. Они достали рецензии, которые были написаны Верой Анатольевной на мои спектакли и включили их в книгу. Кроме того, они участвовали в отборе фотографий. Очень, очень, очень благодарю Дмитрия Трубочкина. Он очень бережно отнесся к рукописи, стал работать над ней, написал совершенно изумительное предисловие в манере Веры Анатольевны. Оформление книги, её дизайн сделала внучка актрисы нашего театра и моей подруги Галины Львовны Коноваловой Саша Осенева, я её также благодарю. Благодарю издательство «Театралис», всех, кто печатал эту книгу. Немало сделал для этой книги и мой сын. Я и его благодарю. Несколько слов о Латенисе. Он как-то очень просто и органично вошел в наш театр. Он не аккомпанирует актёру, его музыка живет вместе с актёром, его музыка как бы посылает душу актёра в зрительный зал. Он помогает музыкой актёру. Это редкий дар, и я счастлива, что он работает в нашем театре, и его музыка выходит вместе с нами на нашу сцену!» Фаустас Латенас, композитор, Лауреат Национальной премии Литвы в области литературы и искусства: «Иногда людям не надо разговаривать, просто смотришь в глаза и видишь, что человек, тебя понимает, и ты его понимаешь, и таких людей в жизни очень мало. Идея родилась потому, что не было книги о композиторе, который работает в театре, пишет музыку для театра. Так сложилось, что моя творческая жизнь связана с театром, и я решил, что надо написать об этом. Материала очень много, я работал почти со всеми знаменитыми литовскими режиссёрами, известными и в России и не только в России. Когда начали делать книжку, идея сначала затухла, но на этом этапе присоединилась моя супруга, искусствовед, которая знает толк в книгах, как это делается, она взяла на себя всю организацию и, благодаря ей, книга появилась. Есть ещё координаторы проекта, люди которых не видно, потому что все смотрят на автора, артистов, но чтобы автору воплотить, режиссеру что-то сделать, чтобы спектакль появился в хорошей атмосфере, хорошем настроении, работают те кровеносные клеточки, которые бегают по жилам. Это и есть координаторы проекта, это постановочная часть, весь, весь коллектив. Так что главные в этой книжке - это координаторы проекта. И, конечно, переводчик. Найти переводчика в принципе несложно. Неправда, когда говорят, что русский язык у нас мало кто знает, нет, его знают хорошо, есть и кафедра славистики, но такой переводчик как Георгий Ефремов это, действительно, редкость, потому что он не переводит что-то формально, к тому же переводит литовскую поэзию, сам пишет. Человек, знающий язык так, как, наверное, редкий из нас знает. Я ему очень благодарен, за то, что он согласился и сделал очень достойную книгу с высшим уровнем перевода. Я благодарен вахтанговцам. У меня есть ещё одна любовь в театре, Юлия Константиновна, Вы уж меня извините, это Людмила Васильевна Максакова. Она из тех великих людей, кто, если плохо, говорит плохо, они не боятся говорить правду о том, что ты сделал, это мне помогает, мне важно это слышать. Одна моя знакомая литовская актриса говорит: «Жизнь так сложна, столько трудностей, что порой приходишь вечером в театр и не понимаешь, как сейчас будешь играть в таком состоянии, стоишь за кулисами и думаешь, что мне сейчас делать, но звучит твоя музыка, и я уже там, я уже иду жить на сцене, иду делать то дело, которое я люблю». Список артистов, которые обо мне написали большой, потому что в России я работал со многими режиссёрами, в том числе молодыми, и я очень рад, что они являются учениками Римаса Туминаса. У меня есть проверка режиссера на его профессиональность, иногда просто даёшь музыку и то, как режиссер справляется с этой музыкой, как он её уложит в спектакль, ты понимаешь, настоящий он режиссер или нет. Я работаю по принципу: «Если у меня не получается сделать очень хорошо, то я делаю хорошо». Я работаю медленно. Большие вещи не рождаются, их надо придумать и сделать, необходимо терпение, новая постановка растет как ребёнок, надо ждать, когда повзрослеет, выйдет из подросткового возраста и станет красивой женщиной». Евгений Князев, ректор Театрального института им. Щукина, народный артист РФ: «Никто не посмеет спорить, а если кто будет спорить, тот проспорит - Вы царица и королева нашего театра! Вы величаете театр этой короной, мы любим вас! Я помню те уроки актерского мастерства, которые Вы мне дали и даёте. Вы никогда не хотели стать педагогом, но, находясь с нами на площадке, вы можете дать неоценимые советы, которыми я пользуюсь сейчас. Это так просто… Как этому научить, можно только почувствовать… «Если ты хочешь стать артистом, никогда не делай ничего в пол силы, делай в полную силу». «Ты должен играть так, чтобы партнер твой сыграл, неважно какой партнер». Вас все держат на руках, я тоже в спектакле держал Вас на руках, а сейчас я хочу встать перед Вами на колени. Людмила Максакова, актриса театра им. Вахтангова, народная артистка РСФСР: Ваш авторитет безусловный, всё, что Вы говорите, попадает в самое сердце, всё что Вы говорите, остаётся в голове. Так, Настасью Филипповну не играл ни один человек, никогда не видела. Обычно либо орут, либо кривляются, чтобы, действительно, подлинно сыграть персонажа Достоевского надо иметь талант от Бога! Это энергия, феномен! Всегда, когда я стояла с Вами на сцене, я начинала себя уважать. Вы сказали: «Сцена - это не пол, когда я выхожу на сцену, я чувствую, что она меня поднимает, и это остается в зале». За крылья, которые Вы мне и всем нам подарили я безмерно благодарна судьбе, случилось счастье, что я стояла и стою на сцене рядом с Вами! Музыка Латенаса обладает уникальным качеством - она твой партнер, твой помощник. В спектакле «Царь Эдип» он написал знаменитую виолончельную тему. Я вышла на сцену и впервые подумала, что мне ничего не надо играть, не надо ни таращить глаза, ни кричать, ни делать никаких движений, а просто жить жизнью персонажа. Встреча началась с минуты молчания, которой вахтанговцы и театральная публика почтили память погибших в Кемерово. Завершилась встреча музыкой Фаустаса Латенаса «Болеро», написанной в этом году для будущего спектакля, через которую, по его словам он дарит всем нам надежду на то, что «мы будем жить спокойно, любя друг друга, и небо будет в алмазах…». ... pamsik, 1 апр, 2018 22:57 Обе книги - изумительные! Книга Фаустаса Латенисас cd-диском, а музыка у него... не нахожу слов...как подобрать... Второй Микаэл Таривердиев, наверное так Юлия Борисова - легенда! В самом настоящем понимании. Легенда, звезда и королева.
респект: https://www.delfi.lt/veidai/kultura/tuminas-pragaras-jau-zemeje.d?id=77451171 WWW.lrt.lt. 2018-03-16, БИРУТЕ ВИШНЯУСКАЙТЕ Туминас: Ад – уже на Земле. Режиссёр Римас Туминас приехал на гастроли в г. Вильнюс с Театром им. Евгения Вахтангова под собственным руководством, пояснил желание заниматься постановкой драмы Софокла «Царь Эдип»: «Кто-то хочет, чтобы мы стали слепыми, и не видели того, что творится вокруг нас. Но, спасибо нашему Господу, слепые пока что не утратили способности слышать. Царь Эдип прозрел всего лишь на несколько минут, а до этого, на протяжении всей своей жизни, был ослеплён своими амбициями, славой и превосходством. Эти минуты прозрения - самое важное, и мы не имеем права бессмысленно тратить своё время в этом мире». «Царь Эдип» от Р. Туминаса увидел свет в 2016 году, одновременно с завершением Национального Римского театра в Греции. Инициатором данного проекта был Стафис Ливафинас, художественный руководитель Национального театра Греции. Именно по его инициативе и родился ежегодный фестиваль «Эпидавр», который проводится в самом старом амфитеатре во всём мире, вмещающем 14 тыс. человек. «Прикасаться к старине всегда опасно. Открывать двери в такой далёкий и завораживающий мир со своими законами, эстетикой и историческими поворотами. Каким же образом реконструировать данный временной промежуток, оживить его, сделать его не только понятным для зрителя, но и наполнить эмоциями, страстью, приблизить к современной аудитории, взволновать повествованием? Каким образом протянуть руку через вечность? Каким образом сегодня заново пережить тот отрезок времени?» - все эти вопросы были затронуты в процессе беседы с Римасом Туминасом о постановке «Царь Эдип». Его спектакль – о достоинстве человека, о чести, о сильной личности, о лидере, который способен сам себя наказать: выслать себя из страны, выбрав жизнь нищего. На поле брани убив множество людей, король почивал множество лет на своих лаврах. «Поэтому он и ослеп. И наши лидеры живут подобным образом, словно всё знают и всё видят, но на самом деле они слепы. Эдип, поняв правду, решает сам себя наказать. Это истинный героизм человека, который подвергает себя суду, и, в конце концов, приводит приговор в исполнение. Высокоморальный удар. Сегодня никто себя и не думает подвергать внутреннему суду» - размышляет Р. Туминас. Монолог режиссера Перед пятничным спектаклем в Национальном драмтеатре, была проведена пресс-конференция с артистами театра им. Е. Вахтангова. Литовские журналисты и театральные критики впервые видели обычно спокойного, но тут, до такой степени взволнованного Р. Туминаса, он жестикулировал кулаком, повышал голос. «Обидно что я только недавно понял, что мир сходит с ума, истерия из-за войны, всепоглощающие конфликты. Мир стремится к войне! И тогда мне стало до такой степени хорошо. Вы не поверите – даже маняще сладко! Каким свободным тогда я становлюсь! Благодаря тому ничтожеству и хамству попадаю в совершенно другой мир. Уверен, подобные чувства овладевают и другими людьми, связавшими свою жизнь с искусством. И не потому, что мы особенные, или гордые и якобы иронично смотрим из поднебесья на мирские заботы, а из-за того, что нас вынудили отгородиться от ада. И что мы видим, ад – пуст!!! Все его жители – тут, на Земле! С детства знал адрес ада. Но теперь тот адрес уже не действителен, так как все здесь, вокруг. Почему мы друг друга ненавидим, почему друг другу завидуем? Потому что все мы – из ада. Потому что ад уже тут, - на Земле. И чем же всё это закончится? Кто выиграет – ад или любовь? Пока что побеждает ад, и от него отгородиться можем только искусством. Иного выхода не существует. И что с того, если купим два танка? И ради их мы должны жертвовать возможностью постройки музыкальной или художественной школы в одном из районов Литвы? Разве эти танки – не безумство? Конечно, безумство. Но почему его никто не обуздает? Я не верю ни петициям, ни заявлениям или требованиям, адресованным к правительствам. Всё это не нужно. Мы должны подняться над всем этим и заниматься своим делом, так как всё это временно, и они в конце концов уйдут. С ними не нужно даже сотрудничать, так как они противники нашего образа жизни! Они убивают наше будущее, творчество, наши мечты. А что будет со страной, если в ней не место мечтам? Мы не можем оставаться рабами. Мы обязаны освободиться. Вот это Литва обязана понять! И тот факт, что в этом году отмечается столетие восстановления независимости, не говорит, что мы свободны. Мы должны начать истинную борьбу за свободу. Теперь! А не радоваться тому, что сто лет назад наша страна стала независимой или обрела государственность. Каждый час, каждый день мы обязаны доказывать тот факт, что мы независимы.» Продолжая свой монолог, Р. Туминас словно сам себе задал вопрос: Кто герой сегодняшнего дня, богатырь, подвижник? Нет такого. Возможно, раньше… и были, но об их уже давно люди позабыли. Поэтому, согласно высказываниям режиссёра, его личная и артистов его театра миссия заключается в том, чтобы найти, вернуть к жизни сподвижников, богатырей, принять их в своём сердце. Возможно это является основным оружием против окружающих злодейств и вырождения? Уже настало время. Уже давно пора возвращаться домой! «Уехал из Литвы, так как чувствовал себя униженным. Нет, меня никто не обижал и не оскорблял, однако условия, на которых мне предлагалось управление Вильнюсским малым театром были для меня неподъёмными. Мне было стыдно, у меня были связаны руки – я не мог толково заниматься постановкой спектаклей, не мог влиять на зарплату актёров. Финансирование не было скудным. А по справедливости, его вообще не было. Никуда из Литвы уезжать не хотел. Планировал уехать в деревню. Борцом я уже быть неспособен, но мой возраст даёт мне возможность сказать правду. Такого беспорядка, как теперь, никогда не было. Теперь не уделяется внимания ни образованию, ни культуре, ни медицине» - высказался Р. Туминас, вспоминая свой отъезд в Москву в 2007 и проводя оценку текущего состояния Литовской Республики. - Вы, в вашем спектакле «Царь Эдип», затрагиваете весьма тяжёлую, возможно, невыполнимую проблему – каким образом человек может сам себя наказать? - Так как я очень устал наблюдать как люди вокруг сваливают свою вину на другого. Это уже стало нормой жизни. То виновником оказывается политический заговор, то виноваты оказываются противники или конкуренты и т.д. Ошибаться и совершать большие ошибки – в норме вещей. Но никогда не поздно их признать и стать настоящим человеком, спасти страну и самого себя. Нужно уметь проводить самоочищение. - Приходилось ли вам самого себя наказывать? - Виню себя каждый день. Причина – кого-либо обидел, не смог предотвратить какой-либо конфликт, кого-либо не оценил, не заметил вовремя, возможно не уделил достаточно времени тем, кому это очень было нужно. - Послезавтра будут проводиться выборы в России. Их результаты в Литве ожидаются с ужасом. - Никакого ужаса нет. Президентом снова будет Владимир Путин. Всё останется так, как было раньше. Только, возможно, в этот раз его никто не будет поздравлять. - Изоляция России идёт ей только на пользу. Она сама встанет на ноги. И не стоит дразнить этого медведя. Он может стать агрессивным. - Как, по вашему мнению, стоит строить отношения Литве, чтобы избежать угрозы со стороны? - Нужно покинуть Европейский союз. Я и раньше считал, что не стоит вступать в это Общество, лучше вместе с Латвией и Эстонией создать союз и стремиться к странам Скандинавского полуострова. - Счастливы ли вы в Москве? - Отнюдь. Но, должен признаться, несколько раз пережил безграничную радость, когда в Лондоне, Нью-Йорке, Бостоне и в других местах вместе с театром им. Е. Вахтангова занимались постановкой «Улыбнись нам, Господи». Тогда тихо, про себя думал: « Этим спектаклем рассказал миру о Литве, о части её истории. Это и является моим праздником в честь столетия независимости Литовской Республики. - Хочу задать вопрос, уже ставший для вас банальным – планируете ли заниматься постановками в Литве, привлекая ваших бывших актёров? - Я об этом мечтаю. Строю планы. Постоянно об этом думаю. На самом деле – пора возвращаться домой. Уже давно пора возвращаться домой…
респект: http://www.vakhtangov.ru/shows/frida_life_in_colour 8 апреля на Симоновской сцене Театра состоится премьера спектакля «Фрида. Жизнь в цвете». Пьеса Ники Симоновой «Фрида. Жизнь в цвете» о всемирно известных мексиканских художниках Фриде Кало и Диего Ривере. Об их творчестве, любви, противоречиях, спорах и примирениях. Об их непростой судьбе: изменах и расставаниях, — которые неспособны были разрушить их творческую общность. Фрида Кало родилась 6 июля 1907 года в пригороде Мехико. В восемнадцать лет она попала в тяжёлую аварию и получила серьёзные травмы, год была прикована к постели, а проблемы со здоровьем остались на всю жизнь. Именно после трагедии она впервые занялась живописью. В 1929 году вышла замуж за Диего Риверу, ей было 22, ему — 43. Их сближало не только искусство, но и общие политические убеждения — коммунистические. Их бурная совместная жизнь стала легендой. Спустя много лет Фрида говорила: «В моей жизни было две аварии: одна — когда автобус врезался в трамвай, другая — это Диего». В работах Фриды Кало заметно очень сильное влияние народного мексиканского искусства. Её творчество насыщено символами, и одновременно влиянием европейской живописи, что особенно проявляется в её ранних работах, равно как и присутствие стилистики наивного искусства. Большое влияние на живопись Фриды Кало оказал Диего Ривера. В её творчестве преобладает жанр автопортрета, метафорически отражающего события её жизни. В 1953 году состоялась первая персональная выставка художницы на её родине. В 2003 году выставка работ Фриды Кало и её фотографий прошла в Москве. Яркая и неординарная личность Фриды Кало нашла своё отражение в литературе и кинематографе. Диего Ривера родился 8 декабря 1886 года на северо-западе Мексики. С 1896 по 1902 год брал уроки рисования и живописи в Академии Художеств в Мехико, учился в Мадриде, жил и работал в Париже. Диего Ривера — один из самых знаменитых латиноамериканских художников-монументалистов ХХ века. В своём творчестве обращался к истории и современности коренных народов Америки, и в первую очередь — Мексики. Он испытал влияние как классического европейского изобразительного искусства, так и модернизма, в частности — кубизма. Ему были близки традиционные мексиканские художественные жанры и стили. В 1927 году Диего Ривера приезжал в СССР, участвовал в праздновании десятой годовщины революции. Несколько лет работал в США, его фрески украшают огромное число общественных зданий. Писал на темы фольклорных сюжетов, верований и обычаев народов Мексики и революционного движения в стране. В 1955-56 гг. Ривера вновь посещал СССР. Скончался 24 ноября 1957 года в Мексике, похоронен на территории Ротонды выдающихся деятелей. «Такие люди, как Ороско, Тамайо, Ривера, — подобны вершинам Анд», — сказал поэт Пабло Неруда. Режиссер Лейла Абу-аль-Кишек: «Творчество Фриды Кало неотделимо от ее жизни, большинство ее картин автобиографичны. Ее жизнь настолько насыщена событиями, что может послужить вдохновением для множества драматических произведений. Каждая картина – маленькая пьеса. За три дня до смерти Фрида напишет картину "Viva la Vida!". Это название звучит как манифест всей ее жизни, которую она прожила с благодарностью, несмотря на множество трагических обстоятельств. «Да здравствует Жизнь!» - говорит Фрида Кало на прощание. Спектакль «Фрида. Жизнь в цвете» о том, что скрыто за яркими и, отчасти, наивными картинами Фриды Кало. Это история об одиночестве, страсти, боли, любви и предназначении». Ника Симонова, автор текста «Фрида. Жизнь в цвете»: «История сама по себе настолько драматическая, красочная и самодостаточная, что все время нашей работы над спектаклем она вела нас: автора, режиссера, исполнительницу главной роли и всех создателей спектакля, – за собой, направляя, подсказывая решения. В сценах мы использовали документальные материалы, отрывки из дневника Фриды Кало, фрагменты интервью Диего Риверы, мексиканские крылатые фразы, песни, но также и свой субъективный взгляд на внутреннее развитие персонажей. Для меня «Фрида. Жизнь в цвете» - это в первую очередь история преодолений и подвигов одной маленькой женщины, которой суждено было стать большим художником. Это история любви и публичного одиночества. Это история победы цвета над серостью, выдумки над повседневностью, жизни над смертью». В спектакле звучит народная мексканская музыка Запись музыки осуществлена в студии Театра имени Евгения Вахтангова Звукорежиссёр - Руслан Кнушевицкий В записи принимали участие: Михаил Айнетдинов (труба), Николай Шипулин (гитара, бас-гитара, перкуссия, ударные), Андрей Сергиевский (рояль, синтезатор), Жазира Абдигали (виолончель) Создатели спектакля выражают благодарность Посольству Мексики в России и лично советнику по культуре Наталье Фортуни за неоценимые консультации в процессе репетиций.
респект: https://mir24.tv/news/16298851/v-moskve-nazvali-laureatov-premii-nika В Москве назвали лауреатов премии «Ника» 21:28 01/04/2018 В воскресенье в Москве проходит вручение 31-й Национальной премии кинематографических искусств и наук «Ника». Лауреатом почетной номинации «Честь и достоинство» имени Эльдара Рязанова стал народный артист СССР 95-летний Владимир Этуш. «Сегодня горд театр Вахтангова, где служит великий из великих, это праздник театра», – сказал худрук театра имени Вахтангова Римас Туминас, вручая награду Этушу. «Я очень рад, и больше я ничего сказать не могу. Я долго-долго-долго чего-то делал, как артист, и все. Больше я ничего не делал. Спасибо, я очень тронут», – сказал Этуш. В номинации «Открытие года» победил режиссер Александр Хант. Фильм «Салют-7» отметили за лучшую операторскую работу, а «Матильда» победила в номинациях «Лучшая работа художника» и «Лучшая работа художника по костюмам». Владимир Дашкевич получил награду за музыку к фильму «Три сестры», а лучшей работой звукорежиссера признали Сергея Чупрова (фильм «Большой»). Лучшим неигровым фильмом назвали «Геннадий Шпаликов. Жизнь обаятельного человека», а анимационной картиной – «Два трамвая». Победители в каждой номинации получили статуэтки крылатой древнегреческой богини Ники.
респект: https://www.facebook.com/permalink.php?story_fbid=882183988620885&id=100004878762403 Кирилл Крок добавил 2 новых фото. 3/4/2018 Приятно получать подарки, тем более от Юлии Константиновны Борисовой
респект: https://rg.ru/2018/04/03/v-teatre-vahtangova-predstavili-zhenskij-vzgliad-na-roman-flobera.html 3.4.2018 Переезд в город Эмм В Театре Вахтангова представили женский взгляд на Флобера Текст: Ирина Корнеева Мадам Бовари никогда прежде не заглядывала в Вахтанговский театр. Не читала там женских романов в девичестве, не грезила о лучшей доли в замужестве, не дорисовывала в бальзаковской перспективе в своих мечтах образы ни заурядного соблазнителя, ни прекрасного рыцаря и не искала на чердаке дома крысиного яда в финале истории - решить все свои проблемы сразу и радикально. Вероятно, дальше откладывать ее визит было некуда, поэтому пришло время реабилитироваться на Арбате перед Флобером. Прежде чем взглянуть на мир глазами мадам Бовари, Анна Дубровская сыграла почти всех лучших чеховских и шекспировских героинь. Фото: Валерий Мясников Когда худрук Вахтанговского театра Римас Туминас предложил режиссеру Ольге Субботиной обратить внимание на французскую литературу и взять для воспитания в актерах чувства стиля хорошую классику ХIХ века, коронный выход Бовари настал. Готовили спектакль на новой Симоновской сцене с чувством, с толком, с расстановкой, не спеша работая над инсценировкой вместе с актерами. Когда не на бумаге, а уже в зале, ногами, мерили на репетициях необходимость каждого слова, силу каждого вздоха и угол каждого наклона головы. Мужской взгляд на суть вещей: Шарль Бовари был слишком снисходителен и умен, мадам Бовари не смогла дорасти до своего мужа, и поэтому стала заглядываться на мальчиков. Женский ракурс проблемы: он был изначально глуп и слишком наивен, и что еще оставалось делать ей в глухой провинции, как не завести любовника? В Вахтанговском театре режиссером стала женщина, ставившая спектакли в Петербурге, Финляндии, Франции и снявшая несколько фильмов и сериалов на телевидении. В своей первой постановке в Вахтанговском Ольга Субботина решила пересказать роман Флобера, в 1856 году взорвавший общество, на сегодняшний лад. Легко и непринужденно. Привлекательно, но не слишком обременительно. Вспомнив телевизионные приемы удержания и переключения внимания аудитории. Например, в новый город с семейством Бовари зал переезжает буквально. Встает со своих мест, с удовольствием перемещается. Долго рассаживается на новых, по ходу разглядывая воссозданные готические интерьеры Руанского собора. И любуясь многофункциональной сценографией главного художника Вахтанговского театра Максима Обрезкова, способного создать любую палитру настроения самыми минимальными средствами, в чем и гениальность. “Муж был глуп. Что оставалось делать ей в глуши, как не завести любовника? Ольга Субботина призывает поначалу себе в помощники Фрейда - "в этой истории мы его обнаружили, так тонко и изощренно анализирует Флобер распад личности Эммы, приведшей ее к самоубийству". Но сложносочиненные психологические конструкции, с которых все благополучно начиналось, уступили место односложным линейным мотивам поведения. Как режиссер Ольга Субботина не анализирует ситуацию, но внятно, пошагово излагает суть событий. Сверхзадачи показать, что с каждым новым мужчиной, появлявшимся в ее жизни, Эмма Бовари становилась другой, видимо, не стояло. Женщина-режиссер подводит женщину-героиню к краю гибели созданием сломленным, но с взглядом запутавшегося, отчаявшегося ребенка. Прекрасно понимающего, что прощения не будет. Но ведущей актрисе Вахтанговского театра Анне Дубровской - мадам Бовари - там есть что играть. Превращение из девочки в невесту. Из невесты в жену. Из жены в женщину. Из женщины в обманутую женщину. А из нее в циничную, затем в отчаявшуюся. И наконец в мертвую... И если после первого любовника в жизни Бовари начинается бег по кругу одинаковых эмоций, то на самом начальном этапе развитие личности ее героини виртуозно идет по спирали. На очаровательном, почти детском личике отражается целая радуга женских характеров. Ее Бовари впитала в себя и чистоту Зиночки из "Дядюшкиного сна". И красоту Елены Андреевны из "Дяди Вани". И надрывность Раневской из "Вишневого сада", и роковую покорность Дездемоны из "Отелло", и смертельную боль Сарры из "Иванова". Ведь прежде чем взглянуть на мир глазами Бовари, Анна Дубровская успела сыграть в театре и кино уже, кажется, большинство лучших женских ролей мирового репертуара. Их хор будто стоит за плечами Бовари, нашептывая и успокаивая: не ты первая, не ты последняя… Андрий Жолдак, поставивший "Мадам Бовари" в Петербурге, объяснил метания замужней женщины волей богов: в его спектакле, предшествующем вахтанговскому, некие высшие существа ставили эксперименты над людьми, заражая их сегодня особой чувствительностью к любви и повышенной ранимостью. Люди эксперимента богов не выдерживали, чувствительный человек был обречен на гибель, любовь провозглашалась опасной и без моральных революций Флобера. У Ольги Субботиной в Москве Эмма Бовари гибнет, просто потому что так автор написал. И так доктор Шарль Бовари (Владислав Демченко) великодушно прописал своей жене: купить амазонку для конных прогулок с Рудольфом (Кирилл Рубцов), отправиться в другой город проконсультироваться с Леоном (Федор Воронцов)… Подлинный масштаб благородства Шарля Бовари его жена мадам Бовари никогда не оценит. В новом спектакле мужчины слепо любят женщин, а женщины ничего не хотят понимать про мужчин.
респект: https://www.facebook.com/musnikoff?fref=ts Альбом «Ника Симонова "ФРИДА.ЖИЗНЬ В ЦВЕТЕ"» Валерий Мясников добавил 137 новых фото апрель 2018
респект: http://www.vakhtangov.ru/news/2944 4.4.2018 «Вахтанговские лица» - выставка фотографий Дмитрия Дубинского. В театральном пространстве АРТ-КАФЕ открылась фотовыставка известного театрального фотографа Дмитрия Дубинского - «Вахтанговские лица». На выставке представлены работы, сделанные Дмитрием Дубинским не только во время репетиций, премьер и за кулисами Театра Вахтангова, но и во время фотосессий с актёрами в студии. Любимые артисты разных поколений по-новому раскрываются перед зрителем. Дмитрий Дубинский профессионально занимается фотографией более 20 лет; его фотографии публикуют не только российские, но и европейские издания. Член Союза фотохудожников России, лауреат премий «The Best of Russia» 2012 и 2014 года, «Viva! PhotoAwards-2012», член жюри фестиваля фотографии «Эволюция», постоянный фотограф российского Национальной театральной премии и фестиваля «Золотая маска». С Театром имени Евгения Вахтангова фотограф сотрудничает уже более пяти лет. За это время он сделал множество замечательных фотографий репетиций и спектаклей: «Пристань», «Дядя Ваня», «Маскарад», «Евгений Онегин», «Берег женщин», «Анна Каренина», «Отелло», «Медея», «Ветер шумит в тополях», «Принцесса Ивонна», «Пиковая дама», «Мадемуазель Нитуш», «Бесы», «Гроза», «Кот в сапогах», «Тихая моя Родина…» и др. Эти снимки стали неотъемлемой частью летописи Театра.
респект: http://www.vakhtangov.ru/news/2158 Вышел новый номер газеты ВАХТАНГОВЕЦ. Выпуск №62 Апрель, 2018
респект: https://www.facebook.com/profile.php?id=100004878762403 Кирилл Крок, 6 апреля 2018 в 16:05 На приёме в Посольстве Норвегии по случаю открытия фестиваля Юна Фоссе в Москве, спектакли в Театре Вахтангова 8 и 9 апреля
респект: http://toptyumen.ru/2018/04/10/33669?_utl_t=fb 10.4.2018 Сергей Маковецкий исполнит «Дядю Ваню» на сцене Тюменской филармонии Артисты театра имени М. Вахтангова представят бессмертное творение А. П. Чехова «Дядя Ваня» в постановке Римаса Туминаса 16 апреля на сцене Тюменской филармонии. Тюменцы познакомились с творчеством режиссера в прошлом году, когда московский театр привозил в наш город «Евгения Онегина». Литовский режиссер Римас Туминас возглавил Государственный академический театр имени Е. Б. Вахтангова в 2007 году. По мнению режиссера, «Дядя Ваня» нужен современному человеку для того, чтобы он не стал грубым, бессовестным и циничным. Премьера прошла на сцене театра имени Е. Вахтангова в сентябре 2009 года. В спектакле «Дядя Ваня» заняты известные актеры: Сергей Маковецкий, Владимир Симонов, Владимир Вдовиченков, Людмила Максакова, Анна Дубровская. Великий классик считал свои пьесы комедиями, вот уже на протяжении ста с лишним лет зрители стараются понять, почему эти истории, наполненные страданиями и недосказанностью, причислены автором к веселому жанру. В творчестве Чехова многие видят признаки будущего театра абсурда. Его герои думают одно, говорят другое, делают третье. Римас Туминас в своем прочтении очистил пьесу от быта и лишних декораций, на сцене довольно условно обозначена дворянская усадьба. В туминасовском прочтении хорошо знакомых персонажей узнать довольно сложно, и даже известные чеховские слова, которые, кажется, знаешь чуть ли не наизусть, звучат со сцены совершенно непривычно.
респект: https://vjuuuga.livejournal.com/389818.html Пишет vjuuuga, 2018-04-05 22:48 Питер Пэн в театре Вахтангова У меня был выбор: сводить детей на Кролика Питера в кино или в театр. Время нашлось только в четверг (точнее я думала, что оно будет, ну, да не важно уже, ведь билеты я взяла загодя). В четверг, судя по афише, единственное, что более-менее соответствовало нашим пожеланиям, был этот спектакль и выставка Марвел. Питера Пэна мы читали, и я нашла это произведение глубокомысленным и полезным для любого возраста. И вот мы здесь. Театр Вахтангова новый, приятный, чистый. Очень приличная публика. Ничего пошлого. Ни тёток в китайских костюмах "под шанель", огромной *опой и сверкающими в поисках халявы и фоток глазками, ни торговцев хламом, ни лотков со жратвой, вроде попкорна или сладкой ваты. Всё, как и должно быть в театре: программка, бинокль, гардероб, буфет. Приятные капельдинеры в чистых ботинках и аккуратных костюмах. Респектабельные бабушки, с бирюзой в ушах, с капелькой горьких духов за ухом, с внуками, которым они передают некую торжественность момента. Я вспомнила своё детство. Ведь я тоже когда-то была одной из этих детей в сопровождении такой же бабушки. Боже! Я обожаю такие театры! Там даже пахнет по-другому! Что касается постановки, если бы меня спросили сходить или нет? Я бы без колебаний сказала: сходите! Произведение сложное. Лучше перед просмотром всё же прочесть, что бы дети понимали сюжет. Как ни старался постановщик, но впихнуть большую книгу в два часа спектакля невозможно! И некоторые сцены вышли усеченными. НО! Дети в восторге! Они два часа смеялись, пугались, топали, хлопали. Пираты! Индейцы! Русалки! Актёры играют просто чудесно! Сама постановка - интерпретация детской игры, которую исполняют взрослые, - это стоит видеть, родителям не буде скучно. Фантазия, фантазия и ещё раз фантазия! Картонная, склеенная из бумаги, намалеванная гуашью! И она оживает! Отдельно отмечу, что мы любим антракт. Если театр настолько хорош, то этот ритуал следует соблюсти. Даже если вы съедите банальный бутерброд с кофе, это же буфет! Вам подадут его девушки в перчатках и бабочке! Если идёте на взрослый спектакль, берите шампанское! Это добавляет изюму в такие мероприятия! Антураж же!.. Я довольна, как слон. Мне не жаль ни секунды времени! Билеты, кстати, успела купить каким-то чудом. Причём детям они достались в первом ряду, а мне на одном из задних. Это были последние! Зал битком! Обычно в театр Вахтангова билеты покупают за несколько месяцев. Нам достались самые крайние места. Но зал устроен таким образом, что сцена хорошо видна с любой точки. Так что даже с самого края первого ряда дети отлично всё разглядели. В общем, Вахтангова на Арбате - плюс, плюс, плюс!
респект: http://localdramaqueen.moscow/2018/04/frida/ апрель 2018 Премьера в Театре Вахтангова: «Фрида Кало. Жизнь в цвете» о судьбе, что ярче всех красок мира Симоновская сцена Театра Вахтангова приглашает зрителя на очередную премьеру сезона. Репертуар Камерной сцены новой сценической площадки пополнила работа молодых талантов — спектакль «Фрида. Жизнь в цвете». Режиссер постановки Лейла Абу-аль-Кишек — недавняя выпускница Щукинского училища, автор пьесы — Ника Симонова, молодая поэтесса, закончившая ЛИ им. Горького, в главных ролях — молодые актеры труппы театра. «Фрида. Жизнь в цвете» – это хронология очень короткой, но невероятно насыщенной жизни великой мексиканки. Не стоит придирчиво искать в ней исторической или биографической правды (в самом деле, можем ли мы знать наверняка, был ли Лев Троцкий так дорог нашей героине?). Несмотря на то, что самые известные и ключевые эпизоды ее непростой судьбы нашли отражение в постановке, это история не о биографии, это история о характере. Вот Фрида (Аделина Гизатуллина), еще совсем юная влюбленная бунтарка в мужском костюме садится в автобус — удар, черные стулья в руках актеров взлетают вверх и прорезают хрупкое тело девушки, едва начавшей жить. Это первая авария в ее жизни. Вторая, самая, по ее собственному признанию, страшная, случится несколькими годами позже, когда она, заново научившись ходить, принесет показать свои работы известному художнику Диего Ривере (очень убедительный Денис Самойлов). Союз двух гениев, бунтарей, не знающих полутонов и не понимающих деликатной семейной недосказанности, станет для Фриды еще одним испытанием. Горечь невозможности стать матерью, постоянные измены мужа, расставание с ним после предательства родной сестры Кристины, роман с Троцким, тело, постоянно отказывающее ей в полноценной жизни.. Ни разу за весь спектакль она не склонит гордой головы. На сцене почти не меняются декорации — меняется лишь сама Фрида, облачаясь то в мужские брюки, то в безликую белую ночную рубашку прикованной к постели искалеченной девушки, то в кокетливое алое платье влюбленной молодой женщины. Она раскрашивает свою одежду цветами и яркими узорами, или вновь надевает черный костюм в самые темные моменты своей жизни. Спектакль не переполнен ярко выраженным мексиканским колоритом, тут настроение постановке предают два персонажа — рассказчик (Андрей Удалов) и певица (Полина Чернышева), исполняющие что-то звонкое, чувственное, латиноамериканское, в том числе знаменитую La Llorona. Нет тут и картин Фриды. Есть слово — ее дневники, стихи (самой Фриды и Ники Симоновой), как вырывающаяся из нее боль, горькая правда о собственной такой неласковой судьбе. Да, в спектакле много Фриды-женщины, но почти нет Фриды-художницы. И тем не менее ее картины незримо присутствуют на сцене, ведь на всех ее полотнах изображена только ее собственная жизнь, какой она и была — яркая палитра как постоянная борьба с жестокой судьбой, затягивающей ее в черную бездну. Это история о людях, о том, как они любили, как они страдали, о неистовстве характера и ценности свободы, о предательствах и гордости, о прощении и бесконечной боли, которая и есть сама жизнь. История о невероятной силе духа, даже на смертном одре выплескивающей в лицо врагу все самые яркие краски мира. Жизнь в цвете. Вопреки всему.
респект: https://vk.com/public43163643 https://ria.ru/culture/20180416/1518731659.html?inj=1 16.4.2018 Итальянский режиссер Лука де Фуско поставит спектакль в театре Вахтангова МОСКВА, 16 апр — РИА Новости. Известный итальянский режиссер Лука де Фуско поставит спектакль по пьесе комедиографа Эдуардо де Филиппо "Суббота, воскресенье, понедельник" на сцене театра имени Вахтангова в Москве, репетиции начнутся в сентябре, рассказал на пресс-конференции в понедельник директор театра Кирилл Крок. Торжественная церемония открытия "Русских сезонов" в Италии состоялась в середине января в Риме: гости церемонии посетили гала-концерт симфонического оркестра Мариинского театра под управлением Валерия Гергиева. Около миллиона человек посетили мероприятия фестиваля в первые сто дней с его начала. Крок уточнил, что в рамках фестиваля театр Вахтангова в ноябре покажет в Милане постановку "Евгений Онегин". "Контакты театра Вахтангова с итальянской культурой не ограничиваются только "Русскими сезонами", они очень крепки и прекрасны… По результату переговоров мы подписали контракт с известным итальянским режиссером Лука де Фуско. Он приезжает в Москву в театр Вахтангова в сентябре и начинает репетировать спектакль по пьесе Эдуардо де Филиппо. Премьера будет в январе будущего года", — сказал Крок. Он уточнил, что пьеса называется "Суббота, воскресенье, понедельник".
респект: https://www.hab.kp.ru/daily/26821.4/3857300/ 18.4.2018 Театр Вахтангова привезет в Хабаровск пять лучших спектаклей Гастроли московской труппы пройдут в краевом центре с третьего по шестое мая Элина ОГАНЕСЯН Театральных ценителей ждет приятная новость: в Хабаровск едет труппа Государственного академического театра имени Вахтангова. Актеры прибудут в дальневосточную столицу практически в полном составе - 120 человек, чтобы показать хабаровчанам и гостям краевого центра легендарные спектакли: «Евгений Онегин» и «Дядя Ваня», а также «Крик Лангусты», «Медея» и «Наш класс». В представлениях будут заняты звезды одного из лучших театров страны: Сергей Маковецкий, Людмила Максакова, Ирина Купченко, Юлия Рутберг, Григорий Антипенко, Андрей Ильин и Алексей Гуськов и другие. Гастроли пройдут на двух сценах: в Краевом театре драмы и Краевом музыкальном театре. - За плечами Вахтанговского театра уже 98 лет. В молодом задоре его артистов и режиссеров, в стремлении разобраться в сложных нравственных проблемах, пробуждая в непростое сегодняшнее время добрые зрительские чувства, в многокрасочной театральности и заключен секрет творческого долголетия театра, - рассказывает Галина Родэз, руководитель литературно-драматургической части Хабаровского краевого театра драмы. - «Нет праздника - нет спектакля», - говорил Вахтангов. Этот девиз стал определяющим для всей творческой жизни театра имени Евгения Вахтангова. Пять спектаклей покажут с третьего по шестое мая. Для Хабаровска это поистине знаковое событие. Театр Вахтангова существует уже почти 100 лет. Все постановки в нем объединяют классические каноны театральной культуры, а также современное видение искусства. Особое внимание уделяется в спектаклях актуальным проблемам общества. В составе труппы выступают известные в России и за ее пределами актеры, завоевавшие миллионы зрительских сердец во Франции, Германии, Италии, Греции, Чехии, Венгрии и США. Теперь оценить и проникнуться игрой Вахтанговских артистов предстоит хабаровчанам.
респект: https://vk.com/public43163643 http://portal-kultura.ru/articles/theater/191909-rimas-tuminas-otdavaya-sebya-zritelyu-ty-otdaesh-sebya-nebesam/ Римас Туминас: «Отдавая себя зрителю, ты отдаешь себя Небесам» 12.04.2018 Виктория ПЕШКОВА С 21 по 24 апреля на сцене театра им. Вахтангова свои спектакли представит старейший репертуарный театр Израиля «Габима». Гастроли приурочены сразу к двум знаковым датам — столетию коллектива и 70-летию государства Израиль. Вахтанговцам и самим до векового юбилея рукой подать, но разговор с Римасом Туминасом коснулся не только праздников, но и будней. культура: Гастроли «Габимы» не просто «визит вежливости»? Туминас: Мы часто бываем в Израиле, и нас там всегда очень тепло принимают. Но дело, конечно, не только в этом. Между нашими театрами существует незримая, но прочная связь, имя которой — Евгений Вахтангов. На первый взгляд неожиданно — национальный театр старше своей страны, но, как видите, возможно и такое. культура: Как случилось, что Вахтангов, у которого была собственная студия, принял под крыло еще и «Габиму»? Туминас: Это был любительский коллектив, объединивший людей, которые хотели играть спектакли на иврите. Они желали вернуть к жизни язык, давным-давно считавшийся мертвым. А создатель студии Наум Цемах мечтал о профессиональном еврейском театре. Он понимал, что студийцам не хватает настоящей театральной школы, и обратился за помощью к Станиславскому. Константин Сергеевич попросил Вахтангова взять на себя художественное руководство труппой, и тот согласился. культура: Не владея языком, на котором предстояло играть его актерам? Туминас: Он начал брать уроки иврита, изучал еврейскую культуру и литературу. Но поначалу многим артистам все равно не нравилось, что ими руководит чужак. Пришлось Цемаху придумать целую легенду: мол, Евгений Багратионович — потомок одной из ветвей царского рода Багратиони, восходящего к самому царю Давиду. Легенда оказалась такой живучей, что Вахтангова до сих пор многие считают грузином, хотя его отец был армянином, а мать — русской. Легенда — легендой, а ивритом Вахтангов овладел: к началу репетиций «Гадибука» он уже прекрасно понимал, а к концу — мог даже разговаривать. культура: Для еврейского театра «Гадибук» значит примерно то же, что для нашего — «Принцесса Турандот»? Туминас: Я не стал бы сравнивать. Несомненно одно — ни один другой спектакль Вахтангова не имел такого мирового признания. В конце 20-х годов «Габима» гастролировала с ним едва ли не по всему свету. Постановке была суждена очень долгая жизнь: «Гадибук» продержался в репертуаре до начала 60-х, то есть больше сорока лет, дольше, чем было отпущено его создателю. культура: Максим Горький, побывав на «Гадибуке», был восхищен актерами, которые играли «с упорством и самозабвением верующих в чудесную силу красивого слова». За сто лет многое изменилось и в театре, и в жизни. Во что сегодня должен верить артист? Туминас: По-прежнему в Слово. В начале было слово — этого еще никто не отменял. Когда к нам в театр пришел Юрий Любимов и начал репетировать «Бесов», я видел, как актеры постепенно возвращались к тому, что было подзабыто — точная работа со смыслом, бережное отношение к звучанию слова. культура: Но слово все больше вытесняется из нашей жизни чередой стремительно сменяющих друг друга картинок. Как заставить зрителя не только видеть, но и слышать? Туминас: Это трудно. Актеру надо быть не только исполнителем, но и мыслителем. Если хотите, отчасти философом. Впрочем, и зрителю это не помешает. Вообще всем нам. Беда не в том, что мы впускаем в себя слишком много информации, а в том, что большая ее часть нам не нужна. Сохранить ясную голову можно только научившись избавляться от словесной шелухи: избегать приблизительности, осторожно обращаться с современной лексикой. Она вносит пыль в нашу жизнь. культура: А между тем новояз осаждает нас все сильнее. Заимствованиями из английского мы, не задумываясь, заменяем даже те слова, которые имеют точные русские аналоги. Туминас: Это мода. Мы хотим чувствовать себя современными и перестаем обращать внимание на то, что и как мы говорим. Считаем, что главное — донести информацию как можно быстрее, а насколько она на самом деле важна и нужна, не думаем. Заимствования заимствованиям рознь, но вот исландцы, к примеру, пытаются заменить такие привычно интернациональные понятия, как компьютер и телевизор, на слова, имеющие корни в их родном языке. культура: А ведь и у Вахтанговского театра столетие не за горами. Туминас: И я уже переживаю. Когда к 90-летию предложил труппе поставить «Пристань», то сказал, что, если получится не очень хорошо, к столетию придумаю что-нибудь получше. Все замолкли, наступила пауза, и по глазам было видно, что многие думают: так он на десять лет останется?.. Я, конечно, шутил. Мне тогда не верилось, что я буду тут, когда театру исполнится 100. Мне и сейчас не очень верится. Но о том, что будем ставить, уже думаю. культура: И что же? Туминас: «Гадибука». Сделаем музыкальный спектакль. На постановку приглашаем Евгения Арье из театра «Гешер». Фаустас Латенас уже пишет музыку. Может, мы выпустим «Гадибука» чуть раньше, но обязательно посвятим Евгению Багратионовичу. Конечно, это будет не единственный спектакль к юбилею. Если получится, представим праздничную неделю премьер. Никаких торжественных вечеров устраивать не будем. Будем играть. А все поздравления — в рабочем порядке. Ведь театр — сам по себе праздник... культура: И Вы готовы поделиться этим праздником со всем миром — Ваш театр один из самых гастролирующих. Туминас: Гастроли — отличная встряска для труппы. К своей публике привыкаешь, начинаешь предугадывать ее реакции — тут заплачут, тут засмеются. Возникает соблазн снова и снова пользоваться уже найденным. Помню, как когда-то Маковецкий жаловался, что театр мало ездит. Сейчас кое-кто огорчается, что гастролей слишком много, трудно со съемками совмещать. С удовольствием ездят молодые и... Максакова — самая юная и энергичная. Она умеет распределить себя так, чтобы на все хватило. В мае в рамках программы федеральных гастролей отправимся на Дальний Восток. Если Чехов до Сахалина добрался, то нам стыдно не повторить этот путь. Будем играть так, чтобы зритель ощутил себя сотворцом спектакля, почувствовал — он не забыт, он нужен, его любят. Мы много ездим по провинции, и я каждый раз вижу, как после наших представлений в глазах зрителей снова возникает отсвет веры и надежды. Лермонтов считал, что «счастье только там, где любят нас, где верят нам». Мне кажется, он не во всем прав. Для меня счастье — это когда я люблю сам. Вот почему мне так хочется, чтобы куда бы мы ни приезжали, актеры влюблялись в публику. Отдавая себя зрителю, ты отдаешь себя Богу. Небесам. Если только ты говоришь с ним о вечном. культура: А о злободневном, получается, говорить не стоит? Туминас: Для этого не обязательно идти в театр. Есть телевизор, пресса, интернет. На сцене ничего современного быть не может. Допустим, некое событие произвело впечатление на драматурга. Пройдет какое-то время, прежде чем у него созреет замысел пьесы, и еще какое-то, пока он ее напишет. Где гарантия, что сразу найдется труппа, которая ее поставит? Нет гарантии. А время идет. Наконец текст приняли. Начали репетировать. Вот сыграли премьеру. Спектакль идет сезон, два, три. Насколько он остается современным? Вот тут мы и приходим к тому, что театр современен не тем, что ставит, а тем, как он это делает. культура: Что Вы в очередной раз и доказали, представив в Большом театре «Пиковую даму». Повести Пушкина без малого 200 лет, опере Чайковского почти 130. Ваш спектакль получился и современным, и вневременным. Потому что он про неизбывность человеческого одиночества? Туминас: И про это тоже. Кто не испытывал на себе: вокруг люди и даже вроде бы друзья, а ты понимаешь, что никому на самом-то деле не нужен. Но главное все-таки не в этом. Нет, я не про мистику. Никакой мистики, на мой взгляд, в «Пиковой даме» нет. Мы просто прячемся за нее по привычке, не хочу сказать, что в жизни нет. Повторю любимое шекспировское: «Ад пуст. Все черти здесь». Но не надо списывать на сверхъестественное то, к чему оно не причастно. Герману не три карты были нужны. И даже не богатство само по себе. Он пожелал узнать тайну жизни, понять, существует ли она вообще. Всем остальным это совершенно безразлично. Для них существует только игра, помогающая прожигать жизнь. Герман не сумасшедший, он — искатель истины. Сколько художников, поэтов, ученых сгорели, так и не сумев ее найти. И сколько еще сгорит... культура: Русский театр почти сто лет гордился тем, что он реалистичен и психологичен. Сегодня и то, и другое все чаще выглядит анахронизмом. Почему, как Вы думаете? Туминас: Потому, что реалистический театр слишком буквален, он не оставляет места для воображения ни тем, кто на сцене, ни тем, кто в зале. Я каждую репетицию начинаю практически с одного и того же: давайте забудем о «приметах времени», о «психологии», о характерах. Характер прикован к быту. Его место на земле. Но в работе над любым спектаклем рано или поздно наступает момент, когда надо готовить взлет. Чтобы посмотреть на все сверху. Наша жизнь акробатична и парадоксальна — не взлетев, не поймешь, что к чему. Ронсар задолго до Шекспира открыл простую истину: «Всесильная Судьба распределяет роли, и Небеса следят за нашею игрой». Взлетать трудно. Но мы способны. Мы можем. Театр Вахтангова всегда был полетным. Фото на аносне: Александр Куров/ТАСС
респект: http://portal-kultura.ru/articles/theater/193082-zashchita-flobera/ Защита Флобера 18.04.2018 Елена ФЕДОРЕНКО В репертуар Симоновской сцены Театра имени Евгения Вахтангова вошла инсценировка романа Гюстава Флобера «Мадам Бовари» в постановке Ольги Субботиной. Спектакль «Бовари» — человечный и понятный, без выкрутасов и амбиций — появился вовремя. После «Горячего сердца», представленного вахтанговцами на Исторической сцене, занимал вопрос: хватит ли им качественных художественных постановок, чтобы обжить разросшуюся театральную империю на Арбате? Премьера нового спектакля развеяла сомнения: хотя сюжет Островского с его сказочно-фольклорными мотивами был переложен на современный лад, но тут нет бульварного привкуса, новомодных высказываний, перечеркивающих темы классических фабул. Хозяин и распорядитель всех сценических площадок вахтанговский худрук Римас Туминас еще до открытия Симоновской сцены определил ее направление как литературное, осваивающее прозу, театру не адресованную. Режиссер Ольга Субботина очеркам и рассказам предпочла крупную форму и повела повествование, не отступая от сюжета оригинального произведения. Но вскрыла его драматизм очень по-флоберовски: без дидактики, порицания и возмущения. Рассчитала действие так, чтобы сами зрители почувствовали его мотивы и заодно вспомнили другие художественные рифмы. Например, еще одну загубленную душу из великого романа Льва Толстого и трагическую Эмму Бовари Алисы Коонен в легендарном спектакле Камерного театра, поставленном Александром Таировым в 1940-м. Постановка начинается с картины суда над автором, эпиграфом звучит: «Мадам Бовари — это я». Фразу Флобера знают даже те, кто никогда не держал роман в руках. Писатель действительно предстал перед парижским судом в 1857 году за «оскорбление морали». К счастью, вынесли оправдательный приговор, что позволило сочинению увидеть свет. Адвокат (Юрий Красков) и прокурор (Федор Воронцов) высказались, потом — подрались, на скамье подсудимых — герои и их автор. Зрители, что разместились по полукружью зала, в режиме реального времени следят за ходом разбирательства. Их знакомят с детством Шарля Бовари, его первой супругой (Ольга Гаврилюк) и юной Эммой, ставшей второй и горячо любимой женой героя. Сосредоточенность на сюжете и его подтекстах не мешает режиссеру использовать приемы актуального театра — так называемые «бродилки». Публику в середине первого действия приглашают из зала «Амфитеатр» во второй зал Симоновской сцены — «Камерный». Переход оправдан: там — неведомый Ионвиль, куда в надежде на счастье отправляются улыбающиеся молодожены. Зрители цепочкой следуют за ними и, пока рассаживаются (на каждом билете указаны два места), слушают рассказ о неказистых достопримечательностях города, похожего на провинциальное болото. В романе Флобера много быта: от описаний комнат, нарядов, причесок до таких деталей, как привычка Эммы по утрам кушать шоколад, без которого она не могла обойтись, или сервировка изысканных блюд — пирамидки ренклодов на виноградных листьях. В спектакле «Бовари» быт почти утерян, а если и обнаруживает себя, то исключительно через детали интерьера. Мелодрама полуторавековой давности из жизни французской провинции и ее ханжеского общества подается как вневременная, и только костюмы напоминают о привязке к конкретной эпохе. Режиссерского присутствия в спектакле практически не найти (это высокий уровень мастерства): действие, проявляющее кромешную жуть нравов, разворачивается без видимых усилий — само собой. С тонким юмором актеры представляют своих героев — тщеславных, завистливых, праздных, нерадивых, алчных. Общество не блистает разнообразием, метаморфоз не происходит, в стоячей воде — жизнь мутная. Пороки вскрываются азартно, характеры инкрустируются иронией и юмором, для каждого эпизода находятся красочные маски — то комические, то гротесковые. Субботина, анонсируя спектакль, призналась, что сокращением названия до фамилии «Бовари» намеренно заострила смыслы Флобера. Ее занимала не только главная героиня, но и каждый персонаж. Интересными вышли все, хотя в коллективном портрете безнадежности образы Эммы и Шарля, попадающих в черную дыру обывательской пошлости, выписаны и тщательнее, и четче. Анна Дубровская играет с неподдельным обаянием свою хрупкую и изысканную Эмму, вызывая искреннее сочувствие. В покорной нежной девочке, мечтающей понять, «что же на самом деле означают «блаженство», «страсть», «упоение» — слова, которые казались ей такими прекрасными в книгах», появляется ураганная сила саморазрушения. Проснувшаяся страсть — вызов обществу и приговор, вынесенный самой себе. Попадая в объятия Родольфа (Кирилл Рубцов), щеголяющего привычками ловеласа, она оказывается в беде. В трудную минуту он не поможет, как не поможет и другой искуситель Леон (Федор Воронцов), обольщающий бедняжку сладкими улыбками и разговорами. Искры счастья (отлично придуманные и поставленные сцены: прогулка верхом или романтическое катание на лодке) не спасают от долгов и безысходности. Ловушка захлопнулась, пучина отчаяния поглощает, выхода нет, только — мышьяк. В опорных сценах Анна Дубровская добирается до трагических высот. Осуждать ее Эмму за равнодушие к дочери, за безжалостность к мужу, за разорение домашнего очага — все равно что сойтись в обывательском морализаторстве с прокурором, торопящим суд. Простодушного Шарля — смешного в своей наивности и порядочности — ярко и точно играет Владислав Демченко. Их с Эммой беды — из детства. Она стала жертвой сентиментальных романов, тайком прочитанных в строгом монастыре, где воспитывалась. Мужественные рыцари и возвышенные барышни заменяли ей реальность. Он затравлен одноклассниками, отцом, матерью. Стал крестьянским доктором, а повзрослеть забыл. Миазмы скверного Ионвиля ему не помеха, ведь рядом обожаемые жена и дочурка. Над ним, похожим на клоуна и обиженного ребенка, смеешься и ему же сочувствуешь. Жизнь принуждает Шарля возмужать, но не оставляет срока на земле, он скоропостижно умирает вслед за Эммой. Финал — сентиментальный и закономерный. Маленькая сирота Берта Бовари отправляется работать, а суд продолжает разбираться: оскорбил ли Флобер «общественную мораль». Единственное, что тормозит течение спектакля — многословие. Актеры — играют свои роли, некоторые — по две, а то и по три, сами произносят текст от автора, рассказывая о героях и описывая ситуации. Делают и то, и другое разнообразно и убедительно. Но к третьему часу спектакля слова иссушают эмоции зрителей. Оказывается, инсценировку складывали все вместе, сообща решая, что должно войти в спектакль. От переизбытка коллективного собирательства он и трещит по швам. Да и кто из актеров по собственному желанию откажет себе в наслаждении произнести неторопливый, красочный, сочный текст Флобера? Исполнители, кажется, очарованы тем, что сказанное не надо актуализировать. То, что случилось с мечтательной Эммой, может произойти и с современной девицей в драных джинсах, мордовороты и лицемеры не перевелись, да и пороки людские кипят, как и прежде.
респект: http://portal-kultura.ru/articles/theater/193077-fridiyskiy-podtekst/ Фридийский подтекст 18.04.2018 Виктория ПЕШКОВА «Фрида. Жизнь в цвете» — премьера Симоновской сцены театра имени Евгения Вахтангова. Как правило, спектакль сначала рождается в воображении режиссера. Но в этом случае вдохновителем творческого процесса стала актриса Аделина Гизатуллина, сумевшая увлечь идеей сначала драматурга, а затем режиссера и своих коллег-актеров. У каждого артиста есть потаенные мечты о заветных ролях. Не каждому удается их реализовать. Для Аделины Гизатуллиной одной из таких была Фрида Кало — выдающаяся мексиканская художница. Но шансов ее сыграть практически не было, поскольку пьесы об этой женщине не существовало. Можно смириться и ждать, но всегда есть шанс сделать так, чтобы она появилась. И актриса нашла автора. Ника Симонова — не драматург, а поэт. «Фрида. Жизнь в цвете» — ее первый драматический опыт, который она — и совершенно справедливо — называет не пьесой, а текстом. По сути, это хроника ключевых событий из жизни художницы. Симонова опиралась на дневники и биографическую литературу. Перенести эту хронику на сцену взялась Лейла Абу-аль-Кишек, недавняя выпускница режиссерской мастерской Юрия Еремина в театральном институте имени Щукина. Для режиссера, как и для исполнительницы главной роли Аделины Гизатуллиной, жизнь Фриды — история мятежницы, не пожелавшей сдаваться на милость ни судьбе, ни людям. В детстве — полиомиелит, сделавший из резвой малышки калеку, в юности — автокатастрофа, превратившая тело в груду обломков, а дальше — череда мучительных операций. Живопись стала для нее анестезией, способной умерить неизбывную, нестерпимую боль. И телесную, и душевную. Мексиканский колорит в визуальном решении спектакля лишь легким отблеском появляется в сценографии и костюмах, созданных Диной Боровик. Два белых, вручную расшитых народными мотивами тюлевых занавеса — лаконичная метафора жизни, рвущейся с больничных простыней взлететь к облакам, подчеркнута фейерверком красок в платьях Фриды, воспроизведенных по ее полотнам. Хореограф Евгения Любашина перевела на язык движения то, что в словах не нуждается: трагедию аварии, безысходность чувства, соединившего художницу и Льва Троцкого. В спектакле вообще много решений доверено пластике. Одно из самых сильных — Фрида, «танцующая» с прижатым к груди белым одеяльцем, в котором вместо новорожденного младенца оказываются серые холодные камни (Кало мечтала о детях, но так и не смогла стать матерью). Грохот, с каким они падают на пол, способен разбудить самое черствое сердце. А надо всем этим страдающая и ликующая музыка — мелодии народных мексиканских песен (музыкальный руководитель и педагог по вокалу Андрей Сергиевский), с подлинной страстью исполненные Полиной Чернышовой и Андреем Удаловым. Эта обладающая некой мистической энергией пара, соединившая в себе функции античного хора и современного киномонтажа, ведет зрителя по кругам личного ада Фриды. В том злополучном автобусе, врезавшемся в трамвай, девушка ехала не одна. С ней был ее возлюбленный Алехандро (Константин Белошапка). Ему повезло — отделался ушибами. Она же на месяцы оказалась прикованной к постели. И этого он не выдержал. Актер играет драму слабого человека, столкнувшегося с силой, которой он в любимой женщине даже не подозревал. Это не трусливая подлость предателя, скорее, отказ от чувства, которое ему не по силам. Через много лет Алехандро захочет вернуться. Фрида бросит ему в лицо все презрение, на какое способна ее гордая душа: я могу отдаться любому, у кого есть вкус к жизни, но не тебе. Диего Ривера (Денис Самойлов) — великий художник и отчаянный ловелас. Он способен оценить талант Фриды, ее ум и нетривиальную красоту, но для вдохновения ему недостаточно одной лишь революционной романтики. Нужно еще и множество разных женских тел. Он свято верит в то, что его «сердце — не предатель» и сыграть это, пожалуй, довольно трудно. Не легче задача и у Марии Волковой, исполнившей роль Лупе — бывшей жены (тоже, кстати, не первой) неистового сердцееда: показать, как ревность постепенно сменяется состраданием к той, которой еще только предстоит угодить в любовный капкан. Кристине Кало (Анастасия Жданова) не досталось и сотой доли мужества старшей сестры. Для нее единственно возможный способ существования — прилепиться к мужчине: вести дом, растить детей, терпеть побои. Покинутая мужем, она уступает притязаниям любвеобильного Диего. Что с того, что Фрида — его жена, главное — выжить. Но сложнее всего Павлу Юдину, которому пришлось ломать привычное представление о Льве Троцком как о кровавом вожде, чтобы представить его просто одиноким человеком, все еще лелеющим надежду найти родственную душу. Чем трагичнее история, тем проще ее нужно рассказывать. Молодая команда, куда вошли не только «коренные» вахтанговцы, взяла на вооружение неписаное правило Римаса Туминаса: «В театре побеждает тот, кто умеет рассказывать истории». У них это, похоже, получилось.
респект: http://www.teatral-online.ru/news/21492/ Столетие театра «Габима» отметят в Вахтанговском Гастроли/ 21 Апреля 2018 11:00/ Мария Михайлова | Фото автора, сайт театра/ В субботу, 21 апреля, на сцене Вахтанговского театра начнутся гастроли израильского национального театра «Габима». Гастроли театра «Габима» продолжают начавшееся на днях празднование 70-летия государства Израиль и одновременно посвящены 100-летнему юбилею театра «Габима». Как сказал президент Российского еврейского конгресса Юрий Каннер, «Габима» на крыльях Мельпомены привезла праздник 70-летия Израиля в Россию». Ранее театр «Габима» уже бывал на гастролях в Москве и Санкт-Петербурге, но впервые это происходит на сцене Вахтанговского театра. «Друзья, я приветствую вас в нашем театре, - сказал на пресс-конференции, посвященной началу гастролей, худрук Театра им. Вахтангова Римас Туминас. - Это давно должно было случится, ведь Вахтангов создал театр «Габима» на три года раньше, чем Вахтанговская студия стала называться Вахтанговским театром. Государству Израиль – 70 лет, а театру – 100! Я думаю, что этим годом мы не ограничимся, это только начало нашего совместного сотрудничества. Через три года нам тоже будет 100 лет». В октябре нынешнего года Театр Вахтангова с ответным визитом приедет в Израиль со спектаклями «Маскарад» и «Медея», а к своему вековому юбилею вахтанговцы планируют создание музыкального спектакля «Гадибук» в постановке Евгения Арье, музыку к которому пишет Фаустас Латенас. На пресс-конференции театровед Дмитрий Трубочкин рассказал об истории создания «Габимы». «В 1908 году в России было создано еврейское историко-этнографическое общество и начался выпуск еврейской энциклопедии, - сообщил историк театра. – В результате этого события, вроде бы незаметного, но в истории культуры очень важного, стали происходить очень интересные вещи. Во-первых, были организованы фольклорные экспедиции по сбору мифологии и песен еврейского народа, из которых в конце концов выросла драма «Гадибук», принесшая славу театру «Габима». По всей России стали создаваться общества любителей еврейского языка и искусства и впервые возникла идея создания театра на иврите. Сегодня мы с благодарностью вспоминаем замечательного деятеля еврейской культуры Наума Цемаха, который в 1909 году впервые поставил пьесу на иврите. Так зародилась мечта о театре на иврите». 26 сентября 1917 года Наум Цемах встретился со Станиславским, и это стало фактическим началом художественной деятельности библейской студии МХАТа, впоследствии названной «Габима», под руководством Евгения Вахтангова. В мае 1928 года театр переехал в Палестину. Как пояснил президент Российского еврейского конгресса Юрий Каннер, основной причиной отъезда театра стало то, что «в Советском Союзе с начала двадцатых годов шло планомерное наступление на язык иврит в пользу идиша, который считался «правильным» пролетарским языком и всячески поддерживался (на идиш были школы, пединститут, который готовил учителей в Белоруссии), а иврит считался языком буржуазных националистов. Это была главная причина, почему из бурно развивающейся театральной Москвы двадцатых годов театру пришлось уехать». С момента основания театра все постановки в нем шли на иврите и гастрольные спектакли театра «Габима» на основной и новой сценах Вахтанговского пройдут на иврите с русскими субтитрами. Откроет гастроли 21 апреля спектакль «Дорожные знаки» о поэте и композиторе, авторе гимна «Золотой Иерусалим», Наоми Шемер, а 22 и 24 апреля будет показан спектакль «Простая история» по мотивам романа нобелевского лауреата Шмуэля Йосефа Агнона.
респект: http://www.mk.ru/culture/2018/04/20/v-moskve-nachinayutsya-gastroli-izrailskogo-teatra-gabima.html 20.4.2018 В Москве начинаются гастроли израильского театра «Габима» Лучшие спектакли покажут на Вахтанговской сцене На Новой сцене Вахтанговского театра состоялась пресс-конференция, посвящённая гастролям старейшего израильского национального театра «Габима». Как оказалось, приезд коллектива в гости к вахтанговцам неслучаен: сто лет назад театр-студия «Габима» возник благодаря режиссёру Науму Цемаху при содействии Константина Станиславского при МХТ и первым художественным руководителем «Габимы» (которую называли библейской студией Художественного) был именно Евгений Вахтангов. Так что нынешние гастроли в год столетия театра – это символичное возвращение к истокам, к первоначалу. Открылась пресс-конференция кратким погружением в историю театра «Габима». Так, к примеру, помощник художественного руководителя Театра Вахтангова Дмитрий Трубочкин рассказал собравшимся про крошечный юбилей, о котором мало кто знал: когда в 1918 году Евгений Багратионович Вахтангов ставил знаменитый спектакль «Росмерсхольм», то он сам выходил на сцену в роли еврейского мудреца Бренделя, подменяя заболевшего Леонидова, назначенного на эту роль. С тех пор прошло сто лет, и вот «Габима» приехал в гости к «вахтанговцам», с которыми их многое объединяет. Художественный руководитель Театра им. Вахтангова Римас Туминас поприветствовал собравшихся и в очередной раз подчеркнул глубинные внутренние связи театра «Габима» и Вахтанговского, уходящие корнями в прошлое. Кроме того Туминас отметил уникальность события – гастроли приурочены к 100-летию театра и 70-летию Государства Израиль. «Только подумайте: государству 70, а театру 100! Хотя мы тоже недалеко от вас, через три года будем праздновать столетие», – сообщил Римас Владимирович. А чрезвычайный и полномочный посол Государства Израиль в РФ Гарри Корен признался: он надеется на то, что каждый новый спектакль «Габимы» будет показан не только в Израиле, но на сцене Вахтанговского – это может быть новым типом творческих отношений. В свою очередь директор театра «Габима» Оделья Фридман отметила, что это новый виток развития отношений между Россией и Израилем, между двумя заинтересованными друг в друге культурами. Фото Валерий Мясников Собравшимся рассказали, что визитной карточкой театра Габима стала постановка пьесы «Гадибук» драматурга Анского (режиссер – Евгений Вахтангов). Это был единственный спектакль, объездивший почти весь мир: гастроли проходили в Германии, Латвии, Польше, Франции и даже в США. В России спектакль сыграли около 300 раз, он исполнялся в первоначальном виде более 40 лет после премьеры и вошёл в историю театра. Важной информацией для собравшихся стало то, что с момента основания театра в Москве все спектакли «Габимы» игрались на иврите. В связи с этим президент Российского еврейского конгресса Юрий Каннер рассказал о том, что иврит – принципиален для театра. — В Советском союзе идиш считался правильным пролетарским языком, а иврит выдавался как язык буржуазных националистов, – поведал он. Гастроли в этом году не стали исключением и будут проходить на иврите с русским субтитрами. Если говорить о статистике, то за столетнюю историю театр «Габима» сыграл более 2000 спектаклей в разных городах, среди которых Москва и Санкт-Петербург. В этот раз коллектив театра покажет московскому зрителю два спектакля – «Дорожные знаки» и «Простая история». А в октябре 2018 года Театр имени Вахтангова побывает с ответным визитом в Израиле со спектаклями «Маскарад» (реж. Римас Туминас) и «Медея» (реж. М.Цитриняк). Екатерина Писарева
респект: https://rg.ru/2018/04/23/andrej-maksimov-skuchnye-liudi-teatrom-na-zanimaiutsia.html 22.4.2018 Вахтангов пришел к вахтанговцам Текст: Андрей Максимов (писатель, телеведущий) Директор Театра имени Вахтангова Кирилл Игоревич Крок любит театр. Причем не только тот, которым руководит, а театр вообще. Как искусство. Ну если, конечно, он хорош и талантлив. Когда Крок увидел в Питере постановку "Вахтангов _ Чехов. docx", он решил показать ее москвичам. Спектакль поставлен в Санкт-Петербургском городском театре. Коллектив - талантливый, но молодой, то есть - небогатый - денег на гастроли нет. Но спектакль-то хороший! К тому же основан на документах, да еще - один из главных героев не кто-нибудь, а Вахтангов! Ну как не показать на вахтанговской сцене? И - случай уникальный - один театр, по сути, выступает меценатом, чтобы привести спектакль другого коллектива на свою сцену. Вот как оно бывает! До этого момента было понятно, что писать, а вот тут я, автор, пасую слегка. Описывать хороший спектакль - вообще дело неблагодарное, но как найти слова для того, чтобы описать то, аналогов чему нет? Жанр постановки: "игра съ с документомъ". Тут оба существительных важны. Да - документы. В спектакле нет ни одного слова от автора: либо - письма, дневники, мемуары, либо - книги исследователей театра. Надо сказать, невероятный труд проделали создатели театрального исследования истории Первой студии МХТ, взаимоотношений Станиславского, Вахтангова, Михаила Чехова и других гениев того времени. Документы скомпонованы так, что получилась пьеса - абсолютно документальная и совершенно необычная. Это все исторически достоверно? Безусловно. Но все бы так и осталось в рамках театрального учебного пособия, если бы в результате не случилась бы история про людей. И Вахтангов, и Михаил Чехов, да все, о ком рассказывают, - живые, мятущиеся люди. Ужасно интересные. Страстные. Страдающие. Этот исторический спектакль более всего похож на театральный капустник Вот ведь чудо театральное! Актеры играют без грима, в сущности, занимаются чтением документов, а ты постепенно начинаешь сопереживать их героям. Даже Станиславскому, который - в сущности - плоская фанерная "кукла", с лицом "отца-основателя". Ты, зритель, не только ощущаешь театральную атмосферу тех лет, но - как и должно быть в театре - узнаешь людей. Я поймал себя на том, что, приходя ежедневно на репетиции в Театр имени Вахтангова, я чуть иначе стал смотреть на профиль Евгения Багратионовича на эмблеме театра: он для меня ожил, стал ближе, теплее, если хотите... А все почему? Потому, что в жанре постановки есть второе слово: ИГРА с документом. Игра - вот, что важно. Как ни парадоксально, этот исторический спектакль более всего похож на театральный капустник. Вы не поверите, но, оказывается, театральную историю можно рассказывать так, чтобы, с одной стороны, все было абсолютно исторически достоверно, а с другой, зал бы постоянно хохотал. Поначалу мне даже как-то неловко было смеяться: все-таки Первая студия, Вахтангов, Станиславский... Серьезно вроде бы. Но ведь сам МХТ был не чужд капустникам. И вообще... Мы горазды повторять фразу Мюнхгаузена, придуманную Гориным: "Улыбайтесь, господа!" А вот улыбаться-то как-то не очень горазды. Мы привычно делим: вот над этим можно смеяться, а это - извините - серьезное дело. История, в том числе и театральная, безусловно относится к тому, о чем мы будем рассказывать всерьез, без шуток. А эти чудесные молодые ребята - шутят! Не холодно цитируют документы, но и вправду играют с ними. Веселятся. И почему начинает казаться, что и Михаилу Чехову, и Вахтангову, и даже самому Станиславскому такой рассказ пришелся бы по душе. Это для нас они - классики, основатели и проч. и проч. Но ведь это были очень живые, веселые люди. Вообще, скучные люди театром не занимаются. Знаете, почему? Потому что театр - это игра. Вряд ли скучный человек будет посвящать всю свою жизнь игре, не так ли? Скучные люди театром не занимаются. Знаете, почему? Потому что театр - это игра Сейчас абзац для истории, а не для читателя. В спектакле заняты шесть замечательных актеров. Их имена пока вряд ли о чем-то скажут читателям "Российской газеты", но я хочу назвать их для истории. Совершенно не исключаю, что когда-нибудь - лет, например, через сто или через пятьдесят - будущие театральные исследователи захотят рассказать, как создавался Санкт-Петербургский городской театр, и им понадобятся имена актеров. Итак. Илья Ходырев, Роман Михащук, Егор Шмыга, Михаил Рябов, Михаил Поляков, Тина Тарусина. В программке про них написано, что они не только сыграли, но и создали спектакль из документов. Студийная работа. Повеяло ранним "Современником", и мне кажется, не случайно. Как бы ни старались артисты, каким бы ни был прекрасным коллективный театральный труд, ничего не получится, если нет лидера. У этих ребят такой лидер есть. Наталия Лапина - режиссер театра, она же - художественный руководитель его. Девушка робко вышла на поклоны и смущенно принимала овации зала. Откуда такая театральная сила у хрупкой девушки? Чудо театра! Эта постановка - единственный спектакль Наталии Лапиной, который я видел. Но я уверен: Лапина - очень хороший режиссер. Мало того что эта документальная постановка смотрится на одном дыхании; мало того что в спектакле столько режиссерских придумок, что хватило бы на пару-тройку театральных работ... Но Лапина сумела организовать молодых актеров, вдохновить и раскрепостить их. У плохого режиссера актеры никогда не существуют свободно, легко и азартно. Лапина - хороший режиссер. Как там классик писал? "Талант - единственная новость, которая всегда нова"? Классики не ошибаются.
респект: https://www.facebook.com/people/Kirill-Krok/100004878762403 Natalia Lapina сейчас здесь: Театр имени Евгения Вахтангова. 22 апреля 2018 Если жизнь время от времени преподносит подарки - то это однозначно был один из них. Три дня в Вахтанговском театре, куда мы привезли показывать «Вахтангов_Чехов.docx». Писать во время гастролей было некогда - ни одной свободной минуты на соцсети у меня не образовалось. Плотность жизни в вахтанговском прекрасна - не позволяет заниматься ничем лишним; и сохранять эту плотность я от всей души и дальше желаю руководителям театра: только так и можно настоящим ТЕАТРОМ быть. Там все хорошо, все работает как надо - от цехов до зрительской части, не минуя конечно буфет. Пригласил нас на гастроли Kirill Krok , он же собственноручно опекал нас все время пребывания в Вахтанговском и даже лично провёл трёхчасовую экскурсию по театру - Кирилл Игоревич, спасибо Вам большое, это для нас бесценный опыт и очень радостная встреча. А ещё нас на время пребывания «взял под крыло» Владимир Степанович Довгань, завпост театра. Настоящей старой школы завпост, я бы сказала - скала, бесценный профи. Он все время называл нашу мхатовскую чайку «вороной» - и, в-общем, под крылом вороны и Довганя было как-то надёжно. Также нас оберегала «хозяйка гостиницы» Зоя Николаевна, замдиректора по симоновской сцене Юрий Александрович, и все-все-все, от костюмеров до вахтёров, относились к нам как-то по-доброму. Это пост большой благодарности за встречу с профессионализмом, с профессиональной любовью к делу театра. В ней-то и состоял подарок и праздник. Очень захотелось увезти с собой и любовь, и профессионализм ) но, надеюсь, ещё встретимся).
респект: https://www.facebook.com/profile.php?id=100004878762403 Кирилл Крок отметил посещение Хабаровск , Амурский Бульвар. 3 мая в 6:42 · Хабаровск · Вчера было вот так)))
респект: http://www.mk.ru/culture/2018/05/05/vladimir-etush-stal-polnym-kavalerom.html Владимир Этуш стал полным кавалером А его театр отправился на гастроли по Сибири и Дальнему Востоку 05.05.2018 Завтра у Владимира Этуша, потрясающего артиста и человека, поражающего творческой неуспокоенностью, день рождения - 95. А, может и 96 - даты в документах расходятся. Но в конце-концов сколько ему лет не имеет значения: в таком возрасте можно хоть каждый день поздравлять человека. И вот к серьёзной дате - подарок: президентский указ о награждении Владимира Абрамовича Орденом "За заслуги перед отечеством I степени". Таким образом артист становится полным кавалером этой почетной государственной награды. фото: Сергей Иванов Надо сказать, что в день рождения Этуш совсем не намерен отдыхать. В Вахтанговском на этот день назначен в спектакль "Бенефис" , поставленный режиссером Владимиром Ивановым по пьесе Надежды Птушкиной "Пока она умирала". Владимир Абрамович играет в нем пожилую и степенную даму Софью Ивановну, мать старой девы, которая в конечном счёте и устраивает судьбу одинокой дочери. Рассказывать как играет Этуш нет смысла - это надо видеть. По словам режиссёра Иванова, который ни один спектакль выпустил с известным артистом, на сцене Владимир Этуш абсолютно свободен. -Так как он играет, играть никто не может - это выше профессии. Он живёт по законам жизни, а не по законам театра. Энергия зала его подпитывает, у него после спектакля глаза горят. В его возрасте так не репетируют и не играют! У него же шесть спектаклей в месяц. Большинство коллег будут поздравлять своего старейшего артиста , как говорится, на удалении: в настоящий момент театр имени Вахтангова находится на гастролях в Хабаровске. Свои большие гастроли вахтанговцы открыли хитом - "Евгением Онегиным" в постановке Римаса Туминаса на сцене Музыкального театра. Кроме "Онегина" на двух центральных площадках Хабаровска столичные артисты также покажут свои лучшие постановки - "Дядя Ваня" с Сергеем Маковецким, Владимиром Симоновым, Людмилой Максаковой в главных ролях. А на сцене Хабарвский драмы пойдут спектакли малой формы - "Наш класс", "Медея" и "Крик лангусты". Из Хабаровска самый успешный Российский театр переедет во Владивосток. И только "Крик лангусты" с Андреем Ильиным и Юлией Рутберг улетит на фестиваль в Хорватию.
респект: https://www.dvnovosti.ru/khab/2018/05/07/82493/ 7 мая 2018 Хабаровск Триумфальные гастроли театра Вахтангова завершились в Хабаровске трагедией «Медея» Мифической трагедией "Медея" закончились гастроли Московского академического театра имени Вахтангова в Хабаровске. Народная артистка России Юлия Рутберг исполнила главную роль в постановке Михаила Цитриняка. Брошенная женщина, гонимая из родного города, где она была женой и матерью, Медея становится существом, олицетворяющим скорбь, трагедию, разделение женской души на две части: до и после. Три стадии пережил зрительный зал краевого театра драмы за полтора часа показа вахтанговской "Медеи": гробовое молчание, выдох после напряжения и овация после развязки. Скромные мрачноватые декорации, современная одежда мифических персонажей: образы как будто доносят до зрителя - истории любви вечны, у них нет времени. Медея в камуфляжных штанах и потертой майке ждет своего мужа Язона на окраине Коринфа, сидя на кавказском ковре у костра. В повозке спят их дети. Посыльный приносит ей весть о том, что Язон не сможет прийти, и Медея понимает, что муж отсутствует потому, что берет в жены новую возлюбленную — дочь коринфского царя, а ей, Медее, суждено покинуть город. Ее вяжут грубой веревкой, сжимая шею, пакуют вещи в узел и гонят прочь. Но убитая горем женщина все же вымаливает у царя Креона время до утра, чтобы увидеться с Язоном. Диалог бывших супругов — самая острая и напряженная сцена в постановке Цитриняка. Грубый, низкий голос Рутберг придает разговору трагичности и глубины, она то шепчет, то срывается на рычащий крик, то страстно и с любовью вспоминает горячие ночи с мужем. Они кружат по сцене, мечась и мучаясь. — Наша Медея — это жесткая женщина, отчаянная, убитая горем, плачущая сердцем. Ее именем никогда не назовут матери своих детей, она - как символ вечного проклятья любви, как будто кричит сквозь века о том, что разбитое женское сердце умерщвляет душу и тело, — сказала Юлия Рутберг, народная артистка России, исполнительница главной роли в спектакле. Григорий Антипенко — исполнитель роли Язона — создал образ, спорящий с образом Медеи: ее дерзость, отчаяние и порывистость как будто на время успокаиваются его сдержанностью и покоем. Ненавидящим и жестоким Язон становится лишь в момент, когда понимает, что Медея зарезала их детей. "Где дети?" — кричит он бывшей супруге. Ответ Медеи в постановке вахтанговцев безмолвный, но яркий. Из двух чаш с красной жидкостью она достает два пропитанных алым лоскута ткани и выжимает их на свою белую рубаху. — В конце представления создается ощущение, что Медею в окровавленных одеждах как будто снимают с креста, как с распятия. И библейская кода появляется, и слова заключительные звучат о том, что нужно любить и размножатся, рожать детей. Какой-то посыл через века, — сказал Игорь, зритель. Из всех спектаклей, привезенных на эти гастроли вахтанговцами, "Медея" — единственная трагедия. Этот спектакль — один из самых популярных в репертуаре академического театра, за роль Медеи Юлия Рутберг получила много престижных наград, в частности "Хрустальную Турандот" - как лучшая актриса за роль в "Медее". Напомним, в рамках "Больших гастролей" Московский академический театр имени Вахтангова привез в Хабаровск несколько спектаклей: "Дядя Ваня", главную роль в котором блистательно исполнил народный артист России Сергей Маковецкий, "Евгений Онегин", "Крик Лангусты", "Наш класс" — история в четырнадцати уроках, где играют только молодые актеры театра Вахтангова и трагедию "Медея". Все спектакли прошли с аншлагом на двух сценах хабаровских театров: в краевом музыкальном и в театре драмы. В последний раз вахтанговцы гастролировали в Хабаровске 34 года назад, в 1984-ом. Вера Чеботарёва, новости Хабаровска на Dvhab.ru ФОТО — Игорь Чураков
респект: https://www.youtube.com/watch?v=YG-oKMaojpQ&app=desktop Гастроли театра Вахтангова во Владивостоке Дальпартер Владивосток Опубликовано: 9 мая 2018 г.
респект: https://www.facebook.com/profile.php?id=100004878762403 Кирилл Крок, 11 мая 2018 в 5:43 International Small Scene Theatre Festival, Международный Театральный Фестиваль Малых форм, спектакль «Крик Лангусты». Город Риека Хорватия
респект: https://www.facebook.com/profile.php?id=100004878762403 Кирилл Крок 12 мая 2018 в 15:52 · г. Владивосток · Завершился наш Дальневосточный марафон, мы оказались на самом краю России, две недели мы жили там, где встаёт солнце. Всем огромное спасибо за выдержку,терпение и самоотдачу. Особо хочу сказать , спасибо за мужество Катя (Екатерина Симонова), Katerina (Katerina Kramzina), Мария Волкова, Виктория Куль. Наградой за все стал восторг зрителей и овации после каждого спектакля, а их было 16)))
респект: https://www.facebook.com/profile.php?id=100004878762403 Кирилл Крок, 14 мая в 21:11 Сегодня в театре четыре спектакля, а вот так это смотрится на экране телевизора в кабинете директора
полная версия страницы